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La danza accompagna l’umanità da sempre: è linguaggio del corpo, forma d’arte, rito collettivo e, soprattutto, un potente strumento di benessere. Oggi, più che mai, si riscopre il suo valore terapeutico e rigenerante, capace di migliorare la salute fisica, sostenere l’equilibrio emotivo e riportare nella vita quotidiana un senso autentico di gioia. Danzare significa muovere ogni parte di sé in armonia. Senza che ce ne accorgiamo, un’ora di danza coinvolge muscoli profondi, stimola la coordinazione, migliora la postura e aumenta la resistenza. Ogni stile – dalla danza classica alla contemporanea, dal tango alla zumba – offre benefici specifici, ma tutti condividono la capacità di mantenere il corpo attivo e vitale. La danza, inoltre, è un’attività a basso impatto: può essere praticata a qualsiasi età e adattata alle capacità individuali, rendendola un’alleata preziosa per la salute di tutti. Oltre ai benefici fisici, la danza ha un impatto profondo sul benessere mentale. Muoversi a ritmo stimola la produzione di endorfine, gli “ormoni della felicità”, che riducono lo stress e favoriscono una sensazione diffusa di leggerezza. La musica e il movimento sincronizzato creano un legame naturale tra corpo e mente, liberando tensioni che spesso non riusciamo ad esprimere con le parole. Non a ...

Nel giorno dell’anniversario della nascita di Roberto Fascilla, la danza sembra rallentare il suo respiro. C’è un momento, ogni anno, in cui il tempo si fa più sottile, quasi trasparente, e lascia intravedere l’eco di chi ha attraversato il palcoscenico con grazia, rigore e mistero. È un momento che non appartiene al calendario, ma alla memoria collettiva: quella memoria che non smette di ricordare i passi di chi ha trasformato il movimento in linguaggio, e il linguaggio in destino. Roberto Fascilla nasce di nuovo ogni volta che lo si nomina. E non perché il ricordo pretenda celebrazioni solenni, ma perché la sua Storia contiene qualcosa che non smette di fiorire: una disciplina gentile, un’inquietudine creativa, una dedizione che non si esaurisce nemmeno quando si spengono le luci del teatro. In questo giorno particolare, sembra quasi di vederlo ancora bambino, quando iniziò a danzare per rafforzare un corpo troppo fragile. Eppure, già allora, la fragilità non era un limite: era una promessa. Un richiamo silenzioso a cercare, nel gesto, una forma di equilibrio che il mondo non sempre sa offrire. La danza, per lui, non fu mai solo mestiere: fu un luogo in cui imparare a stare al mondo, un rifugio ...

Nessun artista ha saputo raccontare la danza come Edgar Degas. Nei suoi pastelli, nei suoi schizzi febbrili, nei corpi sospesi delle ballerine, si rivela un universo dove la grazia incontra la fatica, dove la bellezza nasce dall’esercizio, non dall’illusione. Degas non dipingeva la danza: la studiava, la spiava, la respirava. E in quel movimento disciplinato trovava il riflesso più autentico della vita moderna. Degas non amava mostrarsi. Preferiva restare nascosto, nelle quinte dell’Opéra di Parigi, dove la luce si faceva più vera e il sogno della scena lasciava spazio alla realtà. Le sue modelle — le giovani ballerine — non sono muse eteree, ma lavoratrici. Le vediamo stiracchiarsi, legare le scarpette, massaggiarsi i piedi gonfi, attendere il proprio turno sotto lo sguardo severo del maestro di ballo. In questi gesti quotidiani Degas trova l’essenza del suo tempo: la città che cambia, il corpo come strumento, l’arte come mestiere. Uno deve dipingere la vita moderna diceva, e per lui la vita moderna era quella tensione continua tra l’ideale e il reale. Pur essendo legato alla precisione del disegno accademico, Degas fu un innovatore radicale. Nelle sue opere la composizione si frammenta, lo spazio si piega, le figure entrano ed escono dal ...

Nel silenzio di una sala prove, interrotto solo dal cigolio del legno e dal fruscio lieve delle punte, la danza classica continua a raccontare storie senza tempo. Quando un gesto diventa solo un’esecuzione, e non più un’evocazione, qualcosa si perde. Non è la tecnica a svanire — quella oggi è affinata, analizzata, potenziata — ma lo spirito che ne guidava la forma. Parlare di stile nella danza classica significa interrogarsi sulla sua identità profonda. Non basta replicare le posizioni, rispettare le linee, contare i tempi. Lo stile è ciò che trasforma un passo corretto in un passo vivo. È quel dettaglio invisibile che collega il danzatore alla sua Scuola, alla sua epoca, e soprattutto alla sua intenzione. Senza stile, la danza classica diventa una lingua morta: comprensibile, ma muta. Ogni scuola porta con sé una visione del mondo. L’eleganza sobria della Scuola francese, la teatralità ampia di quella russa, il virtuosismo dell’italiana: sono varianti di uno stesso alfabeto, ma nessuna è intercambiabile. Salvaguardare lo stile significa quindi proteggere questa pluralità, non uniformarla. Lo stile si trasmette da corpo a corpo, da uno sguardo ad un gesto corretto in silenzio. Non basta guardare un video d’archivio per comprendere cosa fosse davvero ...

È stato il simbolo vivente dell’eccellenza tecnica. Ma chi lo riduce al solo virtuosismo ne coglie solo la superficie. Perché Baryshnikov ha usato la danza come una forma di pensiero. E alcune delle sue frasi sono ancora oggi piccoli manifesti di libertà e visione. 1. “I do not try to dance better than anyone else. I only try to dance better than myself.” “Non cerco di danzare meglio degli altri. Cerco solo di danzare meglio di me stesso.” Questa frase è la sua filosofia riassunta in una riga: la danza non è competizione, è ricerca. È una battaglia privata tra chi sei oggi e chi puoi diventare domani. In un’epoca dominata da confronti e algoritmi, Baryshnikov ci ricorda che la vera sfida è interna. È una chiamata alla crescita personale, non alla vittoria sugli altri. 2. “Your body actually reminds you about your age and your injuries – it’s like your biography is written on your body.” “Il tuo corpo ti ricorda costantemente la tua età e le tue ferite – è come se la tua biografia fosse scritta su di esso.” Per chi ha vissuto la danza come una religione del corpo, l’invecchiamento è una rivoluzione interiore. Baryshnikov, con ...

Quando Rudolf Nureyev si lanciava in aria, sembrava che la gravità perdesse validità. Il pubblico tratteneva il respiro, sospeso con lui in una frazione di eternità. Non era solo un salto: era una dichiarazione d’indipendenza. Da uomo. Da artista. Da figlio dell’Asia e simbolo dell’Occidente. E fu proprio per questo che il mondo iniziò a chiamarlo Il tartaro volante. La stampa europea lo coniò con romanticismo quasi orientaleggiante. Tartaro evocava qualcosa di primitivo, fiero, indomabile. Una parola che funzionava come etichetta poetica per una figura fuori dai canoni. Nato in un treno transiberiano, cresciuto nella steppa e addestrato con rigore sovietico, Nureyev non era solo un ballerino: era un uragano. Il termine “volante” era, al contrario, perfettamente esatto. Il suo corpo non danzava: si librava. Chiunque abbia visto i suoi salti — che sfidavano le leggi della fisica con una sospensione surreale — capisce che non si trattava di semplice tecnica. C’era qualcosa di più. Come se ogni battito d’ali danzante fosse un atto di fede nella possibilità di elevarsi oltre il corpo e il tempo. Nureyev non fu mai addomesticabile. Nel 1961, quando decise di disertare durante una tournée del Kirov a Parigi, la sua fuga non fu solo ...

  L’anima è un concetto che ha affascinato filosofi, teologi e pensatori per secoli. In genere si ritiene che sia immortale e che esista a prescindere dal mondo materiale. Cartesio considerava la sede principale dell’anima l’epifisi, una piccola ghiandola endocrina dell’epitalamo cerebrale, il luogo in cui si formano i pensieri. Leonardo da Vinci invece sosteneva che l’anima si trova sopra il chiasma ottico, vicino alla porzione anteriore del terzo ventricolo del cervello. La scienza moderna tende a considerare l’anima come una metafora per descrivere le emozioni e la personalità di un individuo. Le emozioni sono il prodotto di interazioni chimiche ed elettriche che influenzano lo stato d’animo e le reazioni agli stimoli esterni. La personalità è un insieme di caratteristiche che definiscono il modo in cui una persona pensa, sente e si comporta, ed è condizionata da fattori genetici, ambientali e dalle esperienze di vita. Scientificamente quindi, l’anima è legata alla capacità cognitiva ed è in stretta connessione con il concetto di coscienza. Quest’ultima non è un’entità astratta, bensì uno stato mentale di consapevolezza. Origina nel claustro, un sottile foglio di materia grigia posto al di sotto della corteccia cerebrale che comprende le aree coinvolte nell’elaborazione cognitiva. La coscienza infatti ...

La danza è una forma d’arte onesta e diretta, ed è un’espressione del temperamento. A ogni tipo di carattere corrisponde quindi un determinato stile di danza che rispecchia l’indole e attira la persona a scegliere proprio quello. Tuttavia il confronto con stili e tecniche apparentemente lontane da noi può essere un’opportunità per conoscerci meglio e tirare fuori parti di noi che ignoravamo o nascondevamo. Un ballerino dal temperamento sanguigno, per esempio, potrebbe trovare nella danza lirica, morbida e sentimentale quella parte di sé che corrisponde a queste sensazioni. Potrebbe scoprirle, viverle e sfruttarle per diventare più completo e consapevole. Il danzatore flemmatico o introverso, invece, potrebbe trovare energia e capacità comunicativa in stili che richiedono forza, grinta e passione. La danza dunque è intimamente connessa con la nostra personalità che si esprime attraverso il movimento, e offre un ambiente in cui gli individui possono sviluppare o affinare il senso di sé e la connessione con gli altri. Tutto ciò perché danzare è un’esperienza coinvolgente che solleva lo spirito e ricarica l’anima. Stefania Napoli © www.giornaledelladanza.com

Il 19 ottobre in una serata-evento al Teatro San Carlo di Napoli sarà presentata la campagna internazionale di comunicazione del teatro, firmata dal fotografo Fabrizio Ferri. La campagna è intitolata “Non guardare da lontano, entra”, e ritrae in raffinate immagini fotografiche le maestranze artistiche del teatro (orchestra, coro, coro di voci bianche e corpo di ballo) nei più suggestivi luoghi partenopei (Pompei, il Vesuvio e il Teatro stesso). Nella serata di presentazione l’orchestra e il corpo di ballo accompagneranno la proiezione delle fotografie con brani inediti tratti da Anima, un’opera musicale dello stesso Ferri, assieme a guest stars come Andrea Griminelli, Chris Botti, Roberto Cominati, Gil Goldstein. Ferri debutta quindi come compositore in Anima, composta da venti “movimenti” in cui la musica e la danza fondono suggestioni classiche e moderne. Anche qui importanti presenze: Steve Barney alla batteria, Mark Walker al pianoforte, Graham Kearns alla chitarra elettrica, Mark Neary al basso elettrico e Lydie Kavin al theremin. Tutti artisti internazionali che partecipando al progetto hanno rinunciato al loro cachet. Per Fabrizio Ferri lavorare per Napoli è stato “un sogno realizzato”, come ha dichiarato: da Anima, che racconta la storia dei migranti tra il Nord Africa e l’Italia, sarà tratto anche ...