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Nel giorno dell’anniversario di nascita di Vittoria Ottolenghi, il ricordo si fa inevitabilmente riflessione sul peso che una singola voce può esercitare nel plasmare un intero panorama culturale. Non si tratta soltanto di celebrare una figura eminente della critica di danza, ma di riconoscere un’intelligenza capace di attraversare epoche, linguaggi e mutamenti sociali, mantenendo sempre una lucidità rara e una passione inesauribile. Nata a Roma l’8 aprile 1924, Ottolenghi cresce in un contesto in cui l’arte è già parte integrante della vita quotidiana, ma sarà la danza, in particolare, a diventare il suo territorio privilegiato di indagine. In un’Italia che usciva lentamente dalle macerie della guerra e cercava nuovi codici espressivi, la sua voce si impose con un rigore e una sensibilità fuori dal comune. Non era una semplice osservatrice: era una mediatrice tra il gesto scenico e il pubblico, tra l’effimero della performance e la permanenza della parola scritta. La sua scrittura si distingueva per una qualità rara: la capacità di rendere visibile ciò che per natura è destinato a svanire. La danza vive nell’istante, si consuma nel tempo di un’esecuzione; Ottolenghi, invece, riusciva a fissarla sulla pagina senza tradirne l’essenza. Nei suoi articoli e saggi, il movimento non ...

Nel linguaggio rigoroso della danza classica accademica, ogni gesto è il risultato di una stratificazione storica e culturale che attraversa i secoli. Nulla è casuale: posture, inclinazioni del capo, traiettorie delle braccia custodiscono un’eredità estetica e simbolica che si è formata nelle corti europee e si è consolidata nei grandi teatri. In questo universo codificato, la révérence occupa un ruolo eminente non per virtuosismo tecnico, bensì per il suo valore rituale e identitario. Il termine, di origine francese, rimanda alla lingua che dal XVII secolo è divenuta veicolo ufficiale della terminologia del balletto, in particolare a partire dall’opera di sistematizzazione promossa dall’Académie Royale de Danse fondata nel 1661 per volontà di Luigi XIV. Il sovrano, egli stesso danzatore, fece della danza uno strumento politico e culturale, elevandola a disciplina regolata da principi di ordine, misura e armonia. In tale contesto, la reverenza costituiva parte integrante dell’etichetta di corte: un atto codificato di omaggio al sovrano, ai maestri e alla comunità aristocratica, espressione di deferenza e consapevolezza del proprio ruolo. Con il progressivo trasferimento del balletto dalle sale di corte al palcoscenico teatrale, quelle formule cerimoniali si sono trasformate in prassi accademica, mantenendo intatta la loro funzione simbolica. Ancora oggi, al ...

La danza è ovunque. Non abita soltanto i palcoscenici illuminati o le sale prova rivestite di specchi; respira nelle cucine all’alba, nei marciapiedi affollati, nei corridoi silenziosi degli uffici. È un linguaggio antico quanto il battito del cuore, eppure così quotidiano da passare inosservato. La danza non è solo arte: è ritmo incarnato, è corpo che risponde al tempo. Ogni mattina comincia con una coreografia inconsapevole. Il gesto di scostare le lenzuola, l’equilibrio precario mentre si infilano le pantofole, la traiettoria quasi perfetta del cucchiaio che gira il caffè nella tazza: sono movimenti che si ripetono, si perfezionano, diventano sequenze. Il corpo conosce già la partitura, come se un invisibile coreografo avesse scritto per noi una variazione personale sul tema del risveglio. Camminare per strada è un passo a due con il mondo. Evitiamo uno sconosciuto con una torsione del busto, acceleriamo il ritmo per attraversare sulle strisce, rallentiamo davanti a una vetrina. È una danza urbana, simile a quella celebrata nella Giornata Internazionale della Danza promossa dall’International Dance Council: un invito a riconoscere che il movimento è cultura, relazione, identità. Anche chi non ha mai studiato un plié partecipa a questa grande coreografia collettiva. La danza vive nei gesti ...

La figura del ballerino si distingue per una peculiarità unica: l’essere allo stesso tempo super atleta e super artista. Questa doppia identità nasce dall’intreccio tra la richiesta di eccellere fisicamente e la necessità di esprimersi attraverso l’arte. Se da un lato la danza impone rigore tecnico e fisico e una resistenza comparabili a quelle degli atleti, dall’altro si fonda sulla costante ricerca di autenticità espressiva e interpretativa, e sulla una profondità psicologica. Non è finalizzata alla competizione, a ottenere premi, record o una medaglia, ma alla comunicazione, all’espressione e alla condivisione di significati. L’obiettivo principale del danzatore infatti non è quello di superare un avversario, ma di dare voce all’arte. Certo, la preparazione fisica è tutt’altro che secondaria: ore di allenamento per sviluppare forza, flessibilità, coordinazione e controllo del corpo sono indispensabili. Saltare, sostenere il peso del partner, mantenere l’equilibrio sulle punte sono gesti che richiedono muscoli allenati e una profonda conoscenza della biomeccanica e della prevenzione degli infortuni. Ma c’è molto di più. Ogni movimento deve trasmettere emozioni, raccontare storie, incarnare personaggi. Ed è qui che subentra la dimensione artistica del danzatore che non si limita a eseguire passi tecnicamente impeccabili, ma li trasforma in linguaggio. La danza, infatti, ...

C’è qualcosa di magnetico in Ilia Malinin che va oltre la somma dei suoi salti, oltre la rivoluzione tecnica che ha imposto al pattinaggio maschile contemporaneo. Come Rudolf Nureyev nella danza, Malinin non si limita a eseguire: irrompe, ridefinisce, sposta l’asticella e costringe il suo tempo a rincorrerlo. Nato nel 2004 da genitori uzbeki entrambi ex pattinatori olimpici, Malinin cresce negli Stati Uniti respirando ghiaccio e disciplina fin dall’infanzia. Ma il talento, quello autentico, non si eredita: si manifesta. E nel suo caso si è manifestato con una naturalezza quasi spavalda, unita a una determinazione feroce. Il mondo lo scopre definitivamente quando atterra il primo quadruplo Axel della storia in competizione ufficiale, un salto ritenuto per anni il “Santo Graal” del pattinaggio. Un’impresa che non è solo atletica, ma simbolica: l’impossibile che diventa possibile. Eppure ridurre Malinin al virtuosismo tecnico sarebbe un errore. Se il suo repertorio di quadrupli lo colloca in una dimensione quasi sovrumana, ciò che lo rende davvero un’icona è la sua evoluzione artistica. Negli ultimi anni ha trasformato la potenza in narrazione, la velocità in fraseggio, la difficoltà in drammaturgia. I suoi programmi non sono semplici sequenze di elementi: sono dichiarazioni di identità. Come Nureyev, Malinin ...

Milano, in un giorno qualunque del primo Novecento, una bambina osserva in silenzio le tende mosse dal vento. Ha le dita tese, già affilate, e nel cuore una chiamata che non sa ancora nominare. La danza non è ancora un mestiere, né un’arte: è una spinta. È quell’urgenza segreta che vibra nelle caviglie anche quando si sta fermi. Ettorina Mazzucchelli nasce così: nel silenzio, nel rigore, nella disciplina che solo i corpi più puri sanno accettare. Entra giovanissima alla Scuola di Ballo del Teatro alla Scala. Là, tra le ombre dei corridoi e le ginocchia sbucciate sull’assito, apprende che la bellezza richiede obbedienza. Ma Ettorina non è una semplice esecutrice: lei ascolta. Ascolta con il corpo, con la schiena, con la punta delle scapole. Negli anni Venti il mondo inizia a muoversi a una velocità che la danza classica fatica a seguire. Ma lei, con la calma di chi conosce il proprio posto, si fa strada. È Londra a chiamarla per prima: all’Hippodrome, nella rivista Joybells, tra piume, costumi e musiche sincopate, Ettorina danza con una compostezza che sembra stonare — e invece incanta. Torna in Italia, e il suo nome comincia a farsi bisbigliare nei foyer. Torino, Roma, ancora ...

Per decenni, la danza maschile è stata intrappolata dentro un immaginario riduttivo, fatto di luoghi comuni e giudizi sbrigativi. Un’arte millenaria, praticata da uomini in ogni epoca e cultura, è stata spesso raccontata come non adatta, non virile, non per tutti. Eppure, oggi più che mai, è evidente quanto questi preconcetti siano non solo infondati, ma anche fuori tempo massimo. La danza maschile sta vivendo una stagione di apertura e rinnovamento, ma soprattutto sta rivelando — lontano dai riflettori — un gesto di coraggio quotidiano. IL CORAGGIO DI SCEGLIERE IL PROPRIO LINGUAGGIO Per molti ragazzi, iniziare a danzare significa scontrarsi con il giudizio altrui prima ancora di imparare un passo. È nelle palestre scolastiche, negli spogliatoi, nelle conversazioni tra amici che nasce il primo ostacolo: La danza non è per maschi. Questo muro invisibile, ripetuto in mille varianti, è ciò che rende la scelta di danzare un atto di libertà. Un atto che richiede forza, più ancora della tecnica. La realtà, però, racconta altro: la danza maschile è fisicità, resistenza, coordinazione. È espressione, studio, dedizione. È un linguaggio completo, che chiede al corpo di essere potente e sensibile allo stesso tempo. È tutto fuorché debolezza. SCUOLE E PALCHI CHE CAMBIANO ...

La danza nasce prima delle parole e sopravvive a ogni confine. È un linguaggio antico che attraversa i secoli, un gesto che si fa voce quando la voce non basta. In ogni suo passo vive un’idea semplice e potentissima: la libertà. Danzare significa abitare il proprio corpo senza chiedere permesso. È un atto di presenza totale, un modo per affermare “io sono qui” nel ritmo del respiro e nel battito del cuore. Quando il corpo si muove, le regole si allentano: la gravità diventa dialogo, lo spazio si apre, il tempo smette di essere una gabbia. La danza trasforma l’istante in possibilità. In molte culture, la danza è stata – ed è – un gesto di resistenza. Dai rituali tribali alle danze popolari, dai balli nati nelle comunità oppresse alle forme urbane contemporanee, muoversi insieme ha significato preservare identità, memoria e dignità. Quando tutto sembra negato, il corpo resta l’ultimo territorio libero. Ed è proprio lì che la danza accende la sua scintilla: nel diritto di esistere e di esprimersi. La libertà della danza non è solo ribellione; è anche ascolto. Chi danza impara a sentire: il peso, l’equilibrio, l’aria che scorre. È una libertà consapevole, che nasce dal contatto ...

Per decenni, il nome di Vittoria Ottolenghi ha rappresentato una delle voci più autorevoli, lucide e appassionate del panorama critico italiano dedicato alla danza. Con la sua Maratona d’Estate, trasmessa in diverse edizioni televisive e concepita come un grande evento collettivo, Ottolenghi ha compiuto un gesto rivoluzionario: portare la danza fuori dai teatri elitari e collocarla al centro della cultura popolare, in uno spazio aperto, accessibile e condiviso. Una visione oltre il tempo La Maratona d’Estate non era solo una trasmissione televisiva; era un manifesto culturale. Ottolenghi intuì con anticipo che il mezzo televisivo poteva essere un alleato potente per diffondere l’arte coreutica, troppo spesso relegata ad una nicchia. Nel farlo, combatté due pregiudizi radicati: da un lato l’idea che la danza fosse un linguaggio “minore”, dall’altro che la televisione non potesse essere veicolo di contenuti alti. Con eleganza, rigore e una passione visibile, la critica romana costruiva maratone che erano veri e propri viaggi dentro la storia, l’evoluzione tecnica e l’emozione del movimento. Le sue introduzioni, colte e accessibili, davano al pubblico strumenti critici senza cadere nella pedanteria: un raro equilibrio che contribuì alla sua notorietà e al suo seguito fedele. L’inclusione come missione Uno dei valori più profondi della ...

In un’epoca in cui la comunicazione passa spesso attraverso schermi e messaggi rapidi, il rischio di sentirsi soli, anche quando si è circondati da persone, è sempre più concreto. In questo contesto, la danza emerge come uno strumento potente e sorprendentemente semplice per contrastare l’isolamento e favorire la vita di gruppo. Non è solo un’arte o un’attività fisica: è un linguaggio condiviso che permette di entrare in relazione con gli altri senza bisogno di parole. Quando si danza insieme, si impara prima di tutto ad ascoltare. Non solo la musica, ma anche i corpi che si muovono nello spazio, i tempi degli altri, le energie del gruppo. Questo ascolto reciproco crea una connessione immediata: ci si sente parte di qualcosa, utili e necessari all’armonia complessiva. In una coreografia, ogni persona ha un ruolo preciso; nessuno è invisibile e nessuno può essere escluso senza che l’equilibrio ne risenta. È una metafora chiara di come funziona una comunità sana. La danza aiuta molto anche perché abbatte barriere che spesso sembrano insormontabili. Età, carattere, timidezza o differenze culturali perdono importanza quando il corpo diventa il mezzo principale di espressione. Chi fatica a parlare di sé può raccontarsi attraverso un movimento; chi ha paura ...