Storia e Cultura

Nel cuore del balletto Il Lago dei Cigni, composto da Pëtr Il’ič Čajkovskij nel 1875-76, si trova uno dei momenti più iconici della danza classica: la Danza dei Piccoli Cigni (Pas de Quatre), conosciuta anche come la Danza dei Quattro Cigni. La danza fu creata da Lev Ivanov per la versione classica del balletto nel 1895, nel contesto della coreografia definitiva del Lago dei Cigni al teatro Mariinsky di San Pietroburgo. I piccoli cigni rappresentano una comunità fragile che sopravvive grazie alla collaborazione. In contrasto con i temi più drammatici del balletto, questa danza introduce un momento di leggerezza e candore. La breve (90 secondi circa) ma intensissima coreografia appare nel secondo atto del balletto: elegante, precisa e geometricamente perfetta è diventata uno dei momenti più riconoscibili e amati del balletto classico accademico. L’illusione è quella di una creatura sola composta da più “ali”. È interpretata da quattro ballerine che rappresentano giovani cigni, legate fisicamente — spesso incrociando le braccia o tenendosi per mano — eseguono una serie di passi piccoli, rapidi e sincronizzati, chiamati pas de bourrée. Non c’è spazio per respirare o aggiustare: la musica comanda, il corpo deve seguirla alla perfezione. Il fascino di questo pezzo non ...

Oggi la memoria compie un gesto lieve e solenne: ricorda Alberto Testa, nato a Torino il 23 dicembre 1922 e tornato al silenzio il 4 ottobre 2019. Una vita attraversata dalla danza come da una necessità interiore, come da una lingua segreta imparata presto e mai dimenticata. Giovanissimo, nel 1942, vince il Concorso dei Teatri Universitari con un atto unico, mentre nello stesso anno si laurea in Lettere all’Università di Torino con una dissertazione sulla danza: segno precoce di un destino duplice, fatto di scena e di pensiero, di corpo e di parola. È già chiaro che per Testa la danza non sarà soltanto un’arte da praticare, ma un campo da interrogare, una storia da custodire. La formazione classica avviene a Torino con Grazioso Cecchetti, erede diretto della grande tradizione di Enrico Cecchetti, e si affina sotto la guida di Susanna Egri. Da qui prende avvio un percorso che lo conduce sui palcoscenici di importanti teatri italiani e internazionali, accanto a maestri che hanno segnato il Novecento coreografico: Léonide Massine, Margarete Wallmann, Aurel Milloss. Partecipa ai grandi festival europei — dal Maggio Musicale Fiorentino alla Sagra Musicale Umbra, fino al Festival di Salisburgo — portando con sé un’idea alta e ...

Durante il periodo di Natale, la danza ha sempre avuto un ruolo speciale, legato tanto alle celebrazioni religiose quanto a tradizioni popolari molto più antiche. In Italia, per esempio, era diffusa la tresca, un ballo vivace tipico del Centro Italia, eseguito in cerchio o in file contrapposte: nelle campagne accompagnava le feste d’inverno come gesto di buon auspicio. Al Sud, invece, anche la tarantella aveva una sua versione natalizia, più lenta e solenne, suonata con zampogne e tamburelli davanti ai presepi viventi o nelle case durante le veglie. Molte tradizioni affondano le radici nel mondo pastorale: le antiche pastorali, eseguite con zampogne e ciaramelle, erano una sorta di danza ritmata che univa movimento e contemplazione, a metà tra processione e ballo. Anche nel resto d’Europa le feste natalizie erano animate da danze caratteristiche. Nelle regioni alpine di Austria e Germania si praticavano le danze dell’Avvento, balli lenti e corali accompagnati dal suono dei corni alpini, pensate per celebrare la comunità e affrontare simbolicamente l’inverno. Nei paesi anglosassoni, invece, il Natale era il momento privilegiato delle country dances, ordinate e gioiose, con cambi di coppia e figure che coinvolgevano interi villaggi. In Francia, a Natale si danzavano i branle, antichi balli ...

Tra i diversi stili che popolano il grande repertorio del balletto classico, le danze spagnole occupano un posto speciale. Brillanti, colorate e ritmicamente complesse, esse rappresentano un ponte tra tradizione folklorica e virtuosismo teatrale, inserendosi in opere classiche come momenti di esotismo e spettacolo. Origine e funzione delle danze spagnole Le danze spagnole nei balletti classici non nascono come vera danza folklorica, ma come reinterpretazione teatrale dei ritmi e dei movimenti della Spagna, filtrati dalla sensibilità europea ottocentesca. Sono spesso introdotte come danze caratteriali, inserite nel secondo atto o come divertissement, per aggiungere varietà e colore al balletto. Il pubblico europeo del XIX secolo era affascinato dall’esotismo: l’“altro” culturale veniva rappresentato attraverso passi codificati, costumi suggestivi e musica dai ritmi incisivi. Tra le funzioni principali troviamo l’evidenziare la tecnica dei danzatori: battements, pirouettes e footwork ritmici sono tipici delle danze spagnole. Creare contrasto con le scene liriche o romantiche: il ritmo serrato e la precisione del movimento generano un effetto di spettacolo puro. Colorare la narrazione con un tocco esotico senza modificare la trama principale. Caratteristiche coreografiche delle danze spagnole Le danze spagnole nei balletti classici sono riconoscibili per alcuni elementi distintivi: Ritmo e dinamica: marcato, vivace, con accenti sincopati ...

Prima di diventare il celebre coreografo della corte imperiale russa, Marius Petipa visse un periodo di formazione spesso trascurato: il suo soggiorno in Spagna, tra il 1844 e il 1847. Tre anni che, pur brevi, segnarono profondamente la sua visione artistica e il suo approccio alla danza, introducendolo a ritmi, gesti e virtuosismi che avrebbero influenzato l’intero repertorio classico. Petipa arrivò a Madrid proveniente dalla Francia, dopo le prime esperienze formative a Bruxelles e Bordeaux. In Spagna si affermò come primo ballerino al Teatro del Circo, collaborando con importanti interpreti del tempo, tra cui la celebre Marie Guy-Stéphan. Qui non si limitò a ripetere i passi del repertorio europeo: fu osservatore e sperimentatore, assimilando le danze locali e studiando i ritmi popolari della bolera, della cachucha e della seguidilla. La Spagna gli offrì un laboratorio unico: palcoscenici affollati, tournée in Andalusia e un pubblico amante del gesto teatrale e della musicalità accentuata. Ogni città — da Siviglia a Granada — diventava un osservatorio privilegiato delle sfumature del movimento spagnolo, che Petipa avrebbe sapientemente reinventato in chiave classica. Durante il soggiorno spagnolo, Petipa sviluppò quello che diventerà un tratto distintivo della sua arte: la capacità di combinare rigore tecnico e virtuosismo ...

Lo Schiaccianoci è uno dei simboli più iconici del Natale, un balletto che ha ispirato generazioni di spettatori con la sua magia, i personaggi incantati e le musiche indimenticabili di Čajkovskij. Nel corso degli anni, il celebre racconto di E.T.A. Hoffmann è stato adattato numerose volte sul grande schermo, dando vita a film e versioni animate che portano la magia del Natale nelle case di grandi e piccini. Nel corso di oltre un secolo sono esistite anche riprese televisive, mediometraggi e versioni locali; noi ci concentriamo sulle trasposizioni cinematografiche più rilevanti e riconosciute, che hanno contribuito a costruire l’immaginario collettivo legato allo Schiaccianoci. Pochi balletti hanno esercitato un fascino duraturo e trasversale come Lo Schiaccianoci. Nato nel 1892 dalla collaborazione tra Pëtr Il’ič Čajkovskij e il coreografo Marius Petipa (con il decisivo contributo decisivo di Lev Ivanov). Nel tempo, questa storia sospesa tra sogno, infanzia e magia natalizia è diventata un terreno fertile per il cinema, che ne ha reinterpretato personaggi, atmosfere e musiche secondo sensibilità diverse, spesso allontanandosi dalla forma puramente coreutica. Le prime trasposizioni e l’animazione classica Già nei primi decenni del Novecento, Lo Schiaccianoci cominciò a interessare il mondo del cinema, soprattutto in ambito animato. Uno dei ...

C’era una volta una ballerina che sembrava non toccare mai terra. Olga Spessivtseva danzava come un sussurro, un sogno che svanisce all’alba. Formata al Mariinskij, divenne l’anima del balletto romantico: fragile, eterea, misteriosa. Olga Spessivtseva nacque in Russia nel 1895, in un mondo che stava per crollare. Orfana presto, trovò rifugio nel silenzio disciplinato del balletto. A San Pietroburgo, sotto la guida dei grandi maestri del Mariinskij, trasformò la sua fragilità in grazia: ogni movimento sembrava un respiro trattenuto, ogni gesto un pensiero sussurrato. Nel 1913 debuttò sul palcoscenico imperiale. Non ci fu bisogno di annunciarla: fu evidente che qualcosa di raro stava accadendo. Non danzava, sembrava scomparire nella musica. Il pubblico vedeva in lei non una donna, ma un’ombra di bellezza, un’eco del romanticismo ormai al tramonto. La rivoluzione la spinse via dalla patria. Come tanti artisti russi in esilio, cercò riparo nell’Europa dell’arte e della nostalgia. A Parigi, divenne étoile dell’Opéra e icona dei Ballets Russes. Ma ovunque andasse, portava con sé un gelo interiore: la malinconia di chi ha perduto tutto, tranne il corpo che danza. Il suo ruolo più celebre fu Giselle, la fanciulla che impazzisce per amore e danza anche da morta. Spessivtseva era Giselle. Non la ...

Nel silenzio sospeso del New National Theatre di Tokyo, la musica di Čajkovskij non esplode in un tripudio natalizio, ma si distende come un respiro antico, lieve e controllato. È l’anima del nuovo Nutcracker firmato Yoshida Kazuko, la produzione che chiude il 2025 con un’eleganza tanto essenziale quanto visionaria. Questa nuova interpretazione nasce da un principio tanto semplice quanto radicale: eliminare il superfluo. Yoshida non cerca l’incanto attraverso il fasto, ma attraverso la sottrazione. Le scenografie — ideate da Sakurai Naoya— evocano l’arte ukiyo-e, le stampe giapponesi del periodo Edo, trasformando lo spazio scenico in una tela di luce e ombra. Sul fondale, un albero di ciliegio stilizzato si schiude lentamente come un ideogramma che respira. I costumi, in seta grezza e tonalità naturali, richiamano il kimono tradizionale, ma con linee astratte e geometriche. Ogni colore è un suono, ogni tessuto un respiro della musica. “Lo Schiaccianoci non è solo una fiaba natalizia,” spiega Yoshida. “È la storia di un risveglio interiore, di una bambina che scopre la grazia nel gesto più piccolo. In questo senso, è molto vicino alla sensibilità giapponese.” La coreografia, frutto di una lunga ricerca sul movimento minimale, si basa su un principio zen: l’essenza si ...

Ogni anno, quando le luci si accendono sulle città e il profumo di cannella riempie l’aria, i teatri di tutto il mondo si preparano a un appuntamento irrinunciabile: il balletto di Natale. 
E, quasi sempre, il sipario si apre sulle note scintillanti dello Schiaccianoci. 
Ma se Čajkovskij resta l’indiscusso re delle feste, la danza offre un universo di storie incantate e atmosfere fiabesche che meritano di condividere la scena natalizia. Lo Schiaccianoci è più di un balletto: è un rito collettivo. Ogni sua replica celebra la meraviglia dell’infanzia e la forza del sogno. Ma anche altre opere del repertorio classico sanno evocare lo stesso incanto. La Bella Addormentata, ad esempio, con le sue fate, i palazzi dorati e le musiche sontuose, è una festa per gli occhi e per l’anima. Oppure Coppélia, che porta in scena automi, burle e un amore giovane e leggero, restituendo al pubblico la gioia pura del movimento. Il periodo natalizio si presta naturalmente ai toni fiabeschi, ma anche alla nostalgia e alla poesia. 
Cenerentola di Prokof’ev, con la sua storia di riscatto e trasformazione, incarna alla perfezione il senso del Natale: la speranza che, dopo la notte più buia, arrivi una nuova luce. 
E poi ...

Nel panorama spesso rigido e codificato dell’aristocrazia vittoriana ed edoardiana, poche figure brillano con l’intensità eccentrica di Henry Cyril Paget, quinto marchese di Anglesey. Conosciuto come il marchese danzante, Paget fu un personaggio fuori dal comune: un aristocratico che trasformò la propria esistenza in uno spettacolo teatrale, sfidando con audacia le convenzioni della sua epoca. Nato nel 1875, Henry Cyril Paget ereditò il titolo e una vasta fortuna nel 1898, a soli ventitré anni. Ci si sarebbe potuti aspettare che il giovane marchese seguisse il percorso tradizionale di un pari inglese: gestione dei possedimenti, vita politica, responsabilità sociali. Invece, Paget imboccò una strada radicalmente diversa, facendo della sua eredità una piattaforma per esprimere una personalità artistica. La passione che definì la sua breve e folgorante parabola fu il teatro. Paget non si limitò a esserne un semplice patrono: ne divenne protagonista, regista, costumista, impresario. Nel suo castello di Plas Newydd, sull’isola di Anglesey, fece convertire un’ala intera in un teatro privato, noto come il Gaiety Theatre, dove mise in scena spettacoli opulenti e visionari. Indossava costumi scintillanti, spesso impreziositi da pietre preziose vere, e interpretava ruoli melodrammatici con un’intensità che colpiva tanto quanto il suo aspetto, caratterizzato da gesti ampi ...