Recensioni

Il Concerto di Capodanno di Venezia 2026 si è confermato un appuntamento capace di unire eleganza musicale e forza visiva, trasformando il tradizionale augurio di inizio anno in un’esperienza artistica completa. Nella cornice suggestiva del Teatro La Fenice, la musica diretta da Michele Mariotti ha inaugurato il nuovo anno con un linguaggio luminoso e accogliente, mentre la danza ha dato corpo ed emozione al suono, diventando il vero fulcro espressivo della serata. La parte musicale, articolata tra pagine del repertorio operistico e sinfonico italiano, ha privilegiato melodia, cantabilità e chiarezza formale. Le orchestrazioni hanno esaltato la ricchezza timbrica senza mai appesantire l’ascolto, alternando momenti di slancio festoso a passaggi più lirici e contemplativi. È però nella danza ideata da Diego Tortelli che il concerto ha trovato la sua anima più profonda (le coreografie sono state registrate precedentemente al Museo di Palazzo Grimani e negli spazi della Biennale Architettura). Lo stile coreografico di Tortelli si è sviluppato come un flusso continuo, coerente con la musica ma mai subordinato ad essa. Tortelli ha scelto per i danzatori del Corpo di Ballo dell’Opera di Roma un linguaggio fisico essenziale e raffinato, fatto di linee pulite, dinamiche fluide e un uso dello spazio che ...

Vienna inaugura il 2026 riaffermando il proprio ruolo di capitale simbolica dell’eleganza europea, ma lo fa senza rifugiarsi nella semplice celebrazione del passato. Il Concerto di Capodanno di quest’anno si impone piuttosto come un rito rinnovato, capace di fondere tradizione, visione coreografica e sensibilità contemporanea in un unico racconto coerente e profondamente ispirato. Nel riverbero dorato del Musikverein, i Wiener Philharmoniker diretti da Yannick Nézet-Séguin hanno dato forma a un inizio d’anno di rara misura e naturalezza. Il repertorio straussiano, cuore pulsante dell’evento, è stato affrontato non come un esercizio di stile codificato, ma come materia viva: i valzer si sono dispiegati come narrazioni intime, sospese tra nostalgia e sottile ironia, mentre le polke hanno brillato per precisione e slancio, animate da un’energia controllata e mai ostentata. La musica sembra respirare con l’orchestra, restituendo l’immagine di una Vienna consapevole delle proprie radici ma pronta a rileggerle con intelligenza timbrica e cura del dettaglio. È però nella dimensione coreografica che il Concerto di Capodanno 2026 trova il suo vero punto di approfondimento. John Neumeier firma una visione che non si limita ad accompagnare la musica, ma la ascolta dall’interno. La danza diventa un’estensione del suono: ogni gesto nasce da una frase ...

Lo Schiaccianoci di John Neumeier, nella lettura dell’Hamburg Ballet trasmessa in diretta da ARTE TV, si impone come uno degli esempi più alti di come un grande classico possa essere continuamente rifondato senza perdere la propria anima. Neumeier non racconta una fiaba: costruisce un paesaggio interiore, una geografia della memoria in cui l’infanzia non è un luogo felice, ma una soglia fragile e instabile, attraversata da desideri, paure e ferite. In questa prospettiva, ogni personaggio diventa una proiezione psicologica, ogni gesto una traccia di ciò che è stato e non può più tornare. La drammaturgia, fedele alla cifra autobiografica del coreografo, intreccia costantemente realtà e immaginazione. La casa borghese del primo atto non è mai davvero domestica: è un territorio carico di tensioni silenziose, di convenzioni sociali che comprimono l’emotività. È qui che emerge con forza il ruolo di Drosselmeier, affidato ad Alessandro Frola, autentico perno concettuale dello spettacolo. Frola costruisce un personaggio di rara complessità, lontano da qualsiasi stereotipo magico. Il suo Drosselmeier è un osservatore lucido, quasi inquietante, che sembra conoscere il destino dei personaggi prima ancora che essi ne abbiano consapevolezza. Il suo movimento è essenziale, cesellato, privo di qualsiasi enfasi decorativa; ogni posa appare necessaria, ogni ...

Lo Schiaccianoci di Rudolf Nureyev trasmesso la sera di Natale su Rai5 dal Teatro alla Scala non è una fiaba rassicurante: è un viaggio nella memoria, nel desiderio e nella crescita. In questa storica versione, Nureyev trasforma il balletto natalizio per eccellenza in un racconto psicologico, denso di simboli, dove l’infanzia non è un rifugio ma una soglia da attraversare. La ripresa televisiva ne esalta la ricchezza coreografica e la complessità drammaturgica, permettendo allo spettatore di cogliere dettagli che in sala rischiano di sfuggire. Al centro di questa trasmissione brillano Nicoletta Manni e Timofej Andrijashenko, una coppia che incarna con coerenza l’anima nureyeviana del balletto. Nicoletta Manni disegna una Clara intensa, mai leziosa: la sua danza è tutta costruita su una qualità interiore del movimento, su un fraseggio pulito che cresce scena dopo scena. Non interpreta una bambina, ma una giovane donna in formazione, e lo fa con una musicalità raffinata e una presenza scenica che cattura senza forzare. La sua Clara pensa, sogna, ricorda: ogni gesto sembra nascere da una necessità emotiva, non da un semplice virtuosismo. Timofej Andrijashenko affronta il doppio ruolo di Drosselmeyer e del Principe con intelligenza teatrale. La sua danza è nobile ma mai rigida, ...

Dopo anni di assenza dalle scene pavese, Lo Schiaccianoci è tornato finalmente al Teatro Fraschini in una produzione totalmente nuova, prodotta dalla Fondazione Teatro Fraschini. La presente edizione, con le coreografie inedite di Oliviero Bifulco, rappresenta un felice incontro tra la tradizione classica e la sensibilità contemporanea, restituendo al pubblico una versione del balletto che, pur rispettando la partitura originale di Pëtr Il’ič Čajkovskij, riesce a raccontare la fiaba con occhi nuovi. La rinnovata apparizione di questo titolo simbolico nel periodo natalizio a Pavia segna un momento culturale di grande rilevanza: non si tratta semplicemente di una replica, ma di un vero ritorno, in cui la città può finalmente godere di una propria versione originale. Fin dall’apertura, la magia della fiaba prende corpo attraverso la festa di Natale nella casa di Clara. Gli adolescenti, interpretati dai giovani talenti della Compagnia Étoile Ballet Theatre diretta da Ines Albertini e Walter Angelini, incarnano l’innocenza e il gioco con naturalezza, mentre gli adulti compongono quadri coreografici armonici che rispettano il linguaggio canonico. La scelta di Bifulco di inserire elementi contemporanei – torsioni, improvvisazioni calibrate e gesti più fluidi – conferisce un respiro moderno senza mai alterare la struttura narrativa tradizionale. Questo equilibrio tra ...

Aprire la stagione di Balletto 2025/2026 del Teatro alla Scala con La Bella Addormentata nel bosco nella versione di Rudolf Nureyev significa ribadire una concezione alta e non ornamentale del repertorio classico. La Bella nureyeviana, creata nel 1989 per l’Opéra di Parigi, resta una delle versioni più complesse e intellettualmente strutturate del capolavoro di Petipa e Čajkovskij: un balletto che chiede non solo brillantezza tecnica, ma una profonda consapevolezza stilistica e drammaturgica. Il Corpo di Ballo del Teatro alla Scala, diretto da Frédéric Olivieri, dimostra di possedere tutti gli strumenti necessari per affrontare questa sfida, restituendo una lettura solida, coerente e complessivamente convincente. La versione di Nureyev si fonda su una fedeltà rigorosa alla struttura petipaiana, ma ne riorganizza i pesi interni. Il principe Désiré diventa centro narrativo e simbolico del balletto; la Fata dei Lillà assume il ruolo di figura regolatrice del tempo e del destino; il Corpo di Ballo si trasforma in una vera forza drammaturgica. La scrittura coreografica si fa più densa, le transizioni più elaborate, la richiesta tecnica più stringente. La ripresa scaligera, curata da Laurent Novis con attenzione meticolosa e profonda conoscenza dello stile, contribuisce in modo decisivo alla fedeltà e alla solidità della ripresa ...

La produzione della Finnish National Opera and Ballet di A Christmas Carol trasforma il grande classico di Dickens in una fiaba invernale dal sorprendente equilibrio tra tradizione e modernità. Ciò che colpisce – nel filmato disponibile sulla piattaforma del canale culturale ARTE Concert dedicata allo streaming e al replay di numerosi spettacoli internazionali – sin dal primo istante è l’atmosfera: un’Helsinki innevata che sembra penetrare in sala grazie ad una scenografia (ideata da Anna Fleischle che firma anche i costumi) sospesa tra il realistico e il pittorico, con quinte traslucide che lasciano trapelare fasci di luce gelida, quasi taglienti. È un Natale nordico, non edulcorato, che mette in risalto la solitudine e il gelo emotivo di Scrooge. La regia evita i toni moralistici e punta invece su un racconto visivo fluido, costruito attraverso movimenti coreografici simbolici. L’uso dell’ensemble come massa narrativa è uno dei punti di forza: i corpi si trasformano di volta in volta in folla indaffarata, in vento invernale, in ricordi deformati dell’infanzia di Scrooge. Questa coralità scenica dona allo spettacolo un dinamismo costante, rendendo ogni transizione una piccola metamorfosi. Musicalmente, la partitura di Sally Beamish alterna dolci passaggi corali a interventi orchestrali più tesi, senza mai cadere nel ...

A due anni dalla scomparsa di Marinel Stefanescu, il Teatro Valli di Reggio Emilia è tornato a farsi luogo di memoria, celebrazione e rivelazione con una serata che più che un galà si è rivelata un atto d’amore: L’arte di Marinel Stefanescu. Un titolo semplice, quasi pudico, dietro cui si nasconde un universo complesso, fatto di poesia coreografica, onestà artistica e una visione della danza come missione umanistica. La manifestazione con la consegna dei Premi intitolati al Maestro, frutto della collaborazione tra Nicoletta Stefanescu, Elena Casolari, Rezart Stafa, il Comune di Reggio Emilia e la Fondazione I Teatri, ha avuto il privilegio della supervisione di Liliana Cosi, compagna d’arte e di vita creativa di Stefanescu, anima di un sodalizio che ha segnato la storia della danza italiana dagli anni Ottanta ad oggi. La sua presenza nel palco di proscenio – figura luminosa, discreta, quasi sacrale – ha aggiunto alla serata una dimensione affettiva impossibile da descrivere senza commozione. Il Foyer: la pittura come preludio al gesto Già nel foyer, l’accoglienza del pubblico è avvenuta nel segno di Stefanescu pittore. Una piccola ma significativa selezione di quadri, scelti con cura quasi filologica, ha introdotto agli echi cromatici che nelle sue coreografie ...

Ambleto è un fulmine barocco fuori asse: un’opera che prende Shakespeare, lo smonta con ironia e ne ricompone l’ombra in una parodia intelligente, speculare e sorprendentemente moderna. La musica di Gasparini vive di contrasti continui – serio e buffo, sublime e grottesco – come se ogni aria fosse una porta che si apre su un’altra intenzione. Il protagonista, sospeso tra tragedia e farsa nel libretto di Apostolo Zeno e Pietro Pariati, incarna perfettamente questo equilibrio instabile: canta come un eroe, si muove come un antieroe, e in questa ambiguità diventa irresistibile. Attorno a lui, personaggi scolpiti con un tocco di modernismo e vivacità barocca creano un mondo teatrale in cui nulla è mai del tutto sincero, ma nulla è mai solo scherzo. Gasparini ci accompagna in un gioco raffinato di specchi, dove la musica ride, insinua, allude, ma lascia filtrare una piccola verità emotiva dietro la maschera. Ambleto non è una curiosità d’epoca: è un’opera che ancora oggi vibra di libertà creativa e di un’ironia che non teme di toccare l’umano. C’è un momento, nel nuovo allestimento di Ambleto andato in scena al Teatro alle Vigne di Lodi per la chiusura del Festival Orfeo Week, in cui parola, gesto e ...

Nel vasto panorama della danza del Novecento, il nome di Esmée Bulnes brilla come quello di una figura schiva e poco celebrata, ma fondamentale. Non una prima ballerina, non una celebrità da palcoscenico: fu invece una delle più influenti maestre di balletto del secolo scorso, una donna che plasmò generazioni di danzatori con mano ferma e spirito visionario, muovendosi tra l’Europa e l’America Latina con la stessa grazia con cui si attraversa una sala da ballo. Nata nel 1900 a Rock Ferry, in Inghilterra, Esmée Bulnes crebbe artisticamente in un periodo in cui la danza classica stava ridefinendo se stessa tra rigore accademico e modernità. Studiò con alcuni tra i maestri più rispettati d’Europa, come Enrico Cecchetti e Ljubov Egorova, assorbendo quel sapere tecnico che avrebbe poi trasmesso con instancabile dedizione. Il suo stile era fortemente radicato nella scuola francese, ma arricchito da una comprensione profonda del corpo e della musicalità. Non fu mai interessata a mode o stravaganze: per lei la danza era un’arte fatta di disciplina, equilibrio e ascolto interiore. Fu in Argentina, a partire dagli anni ’30, che Esmée Bulnes costruì la prima grande fase della sua carriera. Entrò a far parte della Scuola di Ballo del ...