Storia e Cultura

Ogni anno, quando le luci si accendono sulle città e il profumo di cannella riempie l’aria, i teatri di tutto il mondo si preparano a un appuntamento irrinunciabile: il balletto di Natale. 
E, quasi sempre, il sipario si apre sulle note scintillanti dello Schiaccianoci. 
Ma se Čajkovskij resta l’indiscusso re delle feste, la danza offre un universo di storie incantate e atmosfere fiabesche che meritano di condividere la scena natalizia. Lo Schiaccianoci è più di un balletto: è un rito collettivo. Ogni sua replica celebra la meraviglia dell’infanzia e la forza del sogno. Ma anche altre opere del repertorio classico sanno evocare lo stesso incanto. La Bella Addormentata, ad esempio, con le sue fate, i palazzi dorati e le musiche sontuose, è una festa per gli occhi e per l’anima. Oppure Coppélia, che porta in scena automi, burle e un amore giovane e leggero, restituendo al pubblico la gioia pura del movimento. Il periodo natalizio si presta naturalmente ai toni fiabeschi, ma anche alla nostalgia e alla poesia. 
Cenerentola di Prokof’ev, con la sua storia di riscatto e trasformazione, incarna alla perfezione il senso del Natale: la speranza che, dopo la notte più buia, arrivi una nuova luce. 
E poi ...

Nel panorama spesso rigido e codificato dell’aristocrazia vittoriana ed edoardiana, poche figure brillano con l’intensità eccentrica di Henry Cyril Paget, quinto marchese di Anglesey. Conosciuto come il marchese danzante, Paget fu un personaggio fuori dal comune: un aristocratico che trasformò la propria esistenza in uno spettacolo teatrale, sfidando con audacia le convenzioni della sua epoca. Nato nel 1875, Henry Cyril Paget ereditò il titolo e una vasta fortuna nel 1898, a soli ventitré anni. Ci si sarebbe potuti aspettare che il giovane marchese seguisse il percorso tradizionale di un pari inglese: gestione dei possedimenti, vita politica, responsabilità sociali. Invece, Paget imboccò una strada radicalmente diversa, facendo della sua eredità una piattaforma per esprimere una personalità artistica. La passione che definì la sua breve e folgorante parabola fu il teatro. Paget non si limitò a esserne un semplice patrono: ne divenne protagonista, regista, costumista, impresario. Nel suo castello di Plas Newydd, sull’isola di Anglesey, fece convertire un’ala intera in un teatro privato, noto come il Gaiety Theatre, dove mise in scena spettacoli opulenti e visionari. Indossava costumi scintillanti, spesso impreziositi da pietre preziose vere, e interpretava ruoli melodrammatici con un’intensità che colpiva tanto quanto il suo aspetto, caratterizzato da gesti ampi ...

Quando si parla di musica natalizia, un titolo domina l’immaginario collettivo: Lo Schiaccianoci di Pëtr Il’ič Cajkovskij. Composta nel 1892, questa suite orchestrale tratta dal balletto ispirato al racconto di E.T.A. Hoffmann non è solo un’opera per danzatori, ma un vero e proprio viaggio attraverso mondi sonori che incantano grandi e piccini. Cajkovskij era un maestro nel trasformare emozioni e immagini in suoni. In Lo Schiaccianoci, ogni brano diventa un colore, una texture, un’atmosfera. La celebre “Danza della Fata Confetto” scintilla con leggerezza, quasi come zucchero filato che si dissolve nell’aria. La “Marcia dei Soldatini di Legno” trasmette rigore e precisione, evocando la disciplina dei piccoli giocattoli che prendono vita. Qui la musica non accompagna la scena: la scena nasce dalla musica. Cajkovskij utilizza una combinazione di motivi semplici e armonie sofisticate per raccontare storie. Il “Valzer dei Fiori” è un esempio lampante: un tema sinuoso, etereo, che cresce gradualmente, come se i petali stessi stessero danzando nell’aria. La magia del compositore sta nel rendere ogni strumento protagonista: i legni dipingono dettagli delicati, le corde tessono sfondi emotivi e i fiati accentuano il movimento scenico. Non è solo balletto, è pittura sonora. Uno degli aspetti più rivoluzionari di Cajkovskij è ...

Jorge Donn è stato uno di quei rari artisti che trasformano il proprio corpo in un linguaggio universale. Ogni suo movimento sembrava sorgere da un luogo segreto, come se la musica trovasse in lui un corpo disposto non solo a interpretarla, ma a trasformarla in esperienza viva. Vederlo in scena era come assistere all’invenzione di un dizionario sconosciuto, eppure capace, all’istante, di farsi comprensibile a chiunque. La sua eleganza non era un fatto estetico: era un modo di abitare il mondo. C’era in Donn una specie di trasparenza ardente, un equilibrio raro tra vulnerabilità e potenza, tra abbandono e controllo. Era capace di rendere un passo semplice un atto di rivelazione, un gesto minimo un varco emotivo. Il suo Boléro non è rimasto nella memoria collettiva per virtuosismi o per difficoltà tecniche, ma perché in quella spirale di movimenti, sempre uguali e sempre diversi, Donn riusciva a raccontare qualcosa dell’essere umano: il desiderio, l’attesa, la febbre, l’ascesa. Era una metamorfosi più che una coreografia. Oggi, ricordare Jorge Donn significa ricordare che la danza può essere un luogo di verità: uno spazio in cui il corpo, invece di nascondere ciò che siamo, lo rivela con una sincerità quasi disarmante. Donn ha ...

L’11 dicembre ricorre l’anniversario della nascita di Sir Kenneth MacMillan, uno dei coreografi più influenti e visionari del XX secolo. Nato a Dunfermline, in Scozia, nel 1929, MacMillan avrebbe trasformato il linguaggio del balletto narrativo con una profondità psicologica e un realismo emotivo che ancora oggi continuano a definire gli standard della danza teatrale. Trasferitosi a Londra da giovane, MacMillan entrò alla Sadler’s Wells School (oggi Royal Ballet School), dove il suo talento come danzatore venne presto affiancato da un forte interesse per la creazione coreografica. Le sue prime opere rivelavano già una sensibilità drammatica fuori dal comune, capace di sondare i territori più complessi dell’animo umano. MacMillan non si accontentò mai dell’estetica tradizionale. Le sue potenti coreografie esploravano temi come l’alienazione, la fragilità psicologica, la violenza sociale e le contraddizioni dell’amore. Opere come: “Romeo and Juliet” (1965), che lo consacrò internazionalmente. “Anastasia”, con la sua narrazione sospesa tra identità e follia. “Mayerling”, uno dei suoi capolavori più controversi e intensi. “Manon”, tragedia sensuale e disperata che rimane un punto fermo del repertorio mondiale. Queste coreografie dimostrano la sua capacità di unire virtuosismo tecnico, drammaturgia complessa e una rara attenzione alla verità emotiva dei personaggi. MacMillan fu direttore artistico del ...

Nel panorama scintillante della Belle Époque, tra luci di teatro e sfarzi parigini, emerse una figura che incantò l’Europa con la sua grazia e il suo fascino: Cléo de Mérode. Non solo ballerina, ma vera icona di stile e simbolo di un’epoca che vedeva nell’arte e nella bellezza una forma di potere. Nata il 27 settembre 1875 a Parigi, Cléopâtre-Diane de Mérode, nota semplicemente come Cléo, iniziò la sua carriera nel mondo della danza fin da bambina. La sua formazione rigorosa alla Scuola dell’Opéra di Parigi le permise di sviluppare un’eleganza innata e un controllo del corpo senza pari. La sua figura slanciata e il volto delicato la resero subito una presenza magnetica sul palcoscenico. Cléo de Mérode non era solo una ballerina classica: il suo stile fondeva il rigore accademico con una sensualità sottile, quasi eterea. Nei suoi spettacoli, il movimento diventava poesia, ogni gesto narrava una storia fatta di leggerezza e profondità emotiva. La sua danza rompeva le barriere tradizionali, anticipando quella che oggi chiameremmo danza moderna. Oltre al talento, Cléo attirò l’attenzione anche per il suo ruolo di musa ispiratrice e oggetto di scandalo. La sua immagine veniva riprodotta in cartoline, dipinti e fotografie, facendola diventare uno ...

Lo Schiaccianoci di Čajkovskij, dal suo debutto nel 1892 a San Pietroburgo, ha assunto nel tempo forme coreografiche straordinariamente diverse. Ogni paese, compagnia e coreografo ha reinterpretato il balletto adattandolo alle tradizioni locali, al pubblico e alle tendenze artistiche. Analizzare queste versioni offre uno sguardo unico sulle molteplici possibilità di interpretazione di uno stesso classico. 1. Versione russa: la tradizione classica Coreografi principali: Marius Petipa e Lev Ivanov (originale 1892), versioni di Aleksandr Gorskij, Fyodor Lopukhov, Vasilij Vainonen, Jurij Grigorovič, Nikolaj Tsiskaridze Stile: Classico accademico rigoroso, linee pulite, grande attenzione alla tecnica dei passi, variazioni tradizionali per il corps de ballet. Caratteristiche distintive: Clara è spesso una bambina sul palco, ma la precisione dei movimenti rimane alta. Le scene del regno dei dolci e della battaglia dei topi sono grandiose, con scenografie elaborate. Coreografie fedeli al libretto originale, con qualche aggiunta di virtuosismi contemporanei. Esempio: Il Bolshoi e il Mariinsky mantengono il repertorio quasi intatto, enfatizzando l’aspetto fiabesco e la purezza della danza classica. 2. Versione americana: spettacolo e teatralità Coreografi principali: George Balanchine (New York City Ballet, 1954), Peter Martins, Mikhail Baryshnikov Stile: Classico con influenze neoclassiche, forte enfasi sulla musicalità e sul ritmo. Caratteristiche distintive: La storia è resa ...

La danza classica è un linguaggio costruito su linee: linee del corpo, linee nello spazio, linee che raccontano emozioni. Nel balletto accademico la purezza di queste linee non è solo un ideale estetico, ma un principio tecnico che guida ogni movimento, dal più semplice battement alla vertigine di un grand jeté. Comprendere e coltivare questa purezza significa entrare nel cuore della grammatica del balletto. Che cosa sono le “linee” nella danza classica? Le linee sono configurazioni geometriche del corpo: l’allungamento degli arti, la proiezione della schiena, l’orientamento della testa, la direzione dei piedi. Ogni danza, ogni posizione, nasce dal modo in cui questi elementi si organizzano nello spazio. Una linea pura è: * allungata, ma non rigida * armoniosa, con un fluire continuo tra un segmento e l’altro * esatta, costruita su un equilibrio tra tecnica e naturalezza * intenzionale, mai casuale o sproporzionata. La purezza è ciò che rende la danza leggibile, elegante e universalmente riconoscibile. 1. L’importanza dell’allineamento Il primo segreto delle linee classiche è un corpo ben allineato.
 L’asse verticale — testa, spalle, bacino, ginocchia, caviglie — permette agli arti di estendersi con controllo e senza compensazioni. * Nel relevé, la linearità sale dal centro verso l’alto, ...

Ogni 7 dicembre, mentre Milano celebra il suo patrono Sant’Ambrogio, il sipario del Teatro alla Scala si alza per inaugurare la nuova stagione lirica. È un appuntamento che travalica l’ambito musicale: un rito civile, culturale e mondano che da oltre settant’anni scandisce l’identità della città e la sua relazione con il teatro d’opera più celebre del mondo. Sebbene il teatro sia stato inaugurato nel 1778, la tradizione del 7 dicembre come apertura ufficiale è relativamente recente. Solo a partire dal secondo dopoguerra la scelta del giorno del patrono milanese si impose con regolarità, trasformando l’avvio della stagione lirica in un momento simbolico della rinascita cittadina. La data, perfetta sintesi tra devozione civica e vocazione culturale, richiama ancora oggi l’idea di una Milano che trova nell’arte un elemento identitario fondamentale. L’inaugurazione della Scala non è semplicemente la prima di un’opera. È un evento che muove istituzioni, diplomazia, alta società e opinione pubblica. Gli elementi rituali restano saldi: la presenza delle autorità, tradizionalmente il Presidente della Repubblica, il Sindaco, i rappresentanti del governo e del mondo culturale siedono nei palchi istituzionali. Il red carpet milanese: un tappeto rosso non dichiarato ma socialmente percepito, dove sfilano volti della cultura, dell’imprenditoria, dello spettacolo e ...

La danza è uno dei linguaggi più antichi dell’umanità. Prima ancora che nascessero le parole, i gesti, i passi e i movimenti del corpo erano già un modo per comunicare emozioni, raccontare storie, invocare il sacro o celebrare la vita. Oggi, in un mondo dominato dalla velocità e dalla costante pressione a “performare”, lo studio della danza torna ad essere un rifugio, un luogo di armonia in cui ritrovare sé stessi e dare spazio alla bellezza. Studiare danza non significa soltanto imparare una tecnica. Certo, il rigore, la disciplina, la postura, il controllo muscolare e la precisione del movimento sono elementi fondamentali. Ma ciò che rende la danza un’arte straordinaria è la sua capacità di unire corpo, mente e spirito in un unico atto creativo. Ogni lezione diventa un viaggio interiore: si ascolta il proprio respiro, si impara a percepire il peso del corpo, si riscopre la forza della concentrazione. Il risultato è un senso di pace profonda, quasi meditativa, che si diffonde dentro e fuori dalla sala prove. La serenità che nasce dalla danza è anche frutto della sua natura relazionale. Che si pratichi da soli, davanti a uno specchio, o in gruppo, la danza costruisce connessioni. Con il ...