Giornale della Danza La prima testata giornalistica online in Italia di settore

Quest’anno il Teatro Giuditta Pasta di Saronno (VA) celebra San Valentino con un doppio appuntamento che promette di sorprendere, divertire e far riflettere. Due spettacoli distinti per linguaggio e stile, ma entrambi accomunati da un’attenzione intensa e originale all’amore: da quello viscerale e glamour, a quello ironico, dissacrante e critico. Sabato 14 febbraio 2026, ore 20.45 – Ring of Love: il glam dell’amore in otto round “L’amore non ha riguardi nelle sue scelte… l’amore piomba su quelli che sono indifesi” – parole di David Bowie che aprono Ring of Love, uno spettacolo multimediale che trasforma il palcoscenico in un ring ideale, dove gli incontri e scontri emotivi diventano danza, musica e canto dal vivo. Coreografia di Raphael Bianco, Ring of Love è una celebrazione intensa e travolgente dell’amore in tutte le sue forme: romantico, tormentato, impetuoso, tenero, selvaggio. La Compagnia EgriBiancoDanza, guidata da Bianco, attraversa otto round simbolici, dove ogni passo, ogni gesto e ogni nota musicale diventa un colpo, una carezza, un abbraccio improvviso. La colonna sonora dello spettacolo è un viaggio nel glam rock e oltre: Bowie, Bryan Ferry, Radiohead, Talking Heads, The Stooges, Depeche Mode e Amy Winehouse. Dal trucco scintillante alle luci sgargianti, dai costumi glamour ...

  Non è stato soltanto il più grande ballerino del novecento, ma anche l’artefice di una profonda trasformazione della danza classica, sicché oggi chiunque calchi un palcoscenico non può dimenticare il segno da lui lasciato, con il quale deve inevitabilmente confrontarsi. La Morte di Rudolf Nureyev, il 6 gennaio del 1993, ha creato nel mondo della danza un vuoto immenso, che difficilmente sarà colmato. E’ stato spesso definito un “genio della danza” e anche “l’erede naturale di Nijinsky”, il grande danzatore russo degli inizi del XX secolo e innovatore della coreografia. Nureyev, in effetti, esaltò la figura del ballerino maschio, così come aveva fatto Nijinsky mezzo secolo prima. Nella lettera che segue ritroviamo tutto l’amore, la passione del celebre danzatore, un omaggio viscerale alla danza che è stata la sua vita, e che ha fatto sognare tutti noi!   Era l’odore della mia pelle che cambiava, era prepararsi prima della lezione, era fuggire da scuola e dopo aver lavorato nei campi con mio padre perché eravamo dieci fratelli, fare quei due chilometri a piedi per raggiungere la scuola di danza. Non avrei mai fatto il ballerino, non potevo permettermi questo sogno, ma ero lì, con le mie scarpe consunte ai piedi, con ...

Il Teatro digitale del Teatro dell’Opera di Roma, dopo le prime quattro settimane di programmazione, propone ogni giorno, senza soluzione di continuità, un nuovo appuntamento: una ampia e varia selezione, a titolo gratuito, degli spettacoli applauditi nelle ultime stagioni, sul canale youtube del teatro. Si Parte con il balletto più classico del repertorio romantico, La bella addormentata che, grazie alla musica di Pëtr Il’ič Čajkovskij, non smette mai di far sognare il pubblico di grandi e piccoli. La versione è quella di Jean-Guillaume Bart, andata in scena nel settembre 2018, con Marianela Nuñez, principal dancer al Royal Ballet di Londra, per la prima volta al Teatro dell’Opera, e Vladislav Lantratov, con le magnifiche scene e i preziosi costumi di Aldo Buti. (Giorni di programmazione: mercoledì 15 e sabato 18 aprile). Per gli amanti della danza un titolo che è da subito diventato un’icona della nuova danza di fine ottocento, Le Parc che Angelin Preljocaj – coreografo francese d’origine albanese appartenente alla seconda generazione della “nouvelle danse” – ha creato per i ballerini dell’Opéra di Parigi. Al Costanzi è andato in scena nel maggio 2016 con Eleonora Abbagnato e Stéphane Bullion protagonisti dei raffinati e delicati giochi nei sentieri dell’amore. (Giorni di programmazione: mercoledì 22 e sabato 25 aprile). Sara ...

Julio Bocca argentino, danzatore tra i più brillanti e irripetibili della scena mondiale, con le sue performance perfette ha incantato e sedotto le platee dei teatri più importanti, diventando nell’immaginario di tutti una stella, un’icona della danza mondiale. Gentile Julio, andando indietro nel tempo quali sono i primi ricordi che affiorano legati alla danza? Com’è nata questa sua nobile passione? Mio nonno era italiano, nella nostra casa c’è sempre stata l’arte. Vengo da una famiglia della classe media, mio nonno ha fatto studiare a mia madre il piano, il violino, la danza. L’arte è sempre stata al primo posto nella mia famiglia, sono stato io a chiedere a mia madre di studiare danza per fare il ballerino. Quali sono i ricordi più belli legati a tutto il periodo alla scuola di ballo del Teatro Colòn? La prima scuola che ho frequentato è “Expresión Corporal”, la Scuola Nazionale di Danza qui a Buenos Aires. Ho iniziato a 7 anni. Il mio maestro era un ballerino del Teatro Colòn, e ha proposto a mia mamma di presentarmi lì. Sono andato a fare l’audizione quando avevo 8 anni, ma per entrare il limite era di 10. Essendo l’unico uomo mi hanno preso comunque ...

Rai Cultura in occasione della Giornata Internazionale della Danza (mercoledì 29 aprile alle ore 21.45 su Rai Uno) presenta una serata evento da Palermo con la direzione artistica dell’étoile Eleonora Abbagnato, per celebrare l’arte del movimento come linguaggio universale che unisce epoche, culture e generazioni. Siamo Danza porta in scena un racconto corale che attraversa tradizione classica ed espressioni contemporanee, fra grandi repertori e nuove creazioni. La serata condotta da Giuseppe Fiorello vedrà la partecipazione di Anna Ferzetti, Claudio Baglioni, Fiorella Mannoia, Raf, Giuliano Sangiorgi, Noemi e Dardust. Per la danza saranno presenti i protagonisti dei principali teatri italiani: Teatro alla Scala di Milano, Teatro dell’Opera di Roma, Teatro San Carlo di Napoli, Teatro Massimo di Palermo con numerose stelle della danza nazionale e internazionale del calibro di Alice Mariani (prima ballerina della Scala), Salvatore Manzo (étoile del San Carlo), Michele Satriano (primo ballerino del Teatro dell’Opera di Roma), il Corpo di Ballo del Teatro Massimo di Palermo, il Corpo di Ballo del Teatro dell’Opera di Roma, Gareth Haw (étoile dell’English National Ballet di Londra), Paul Marque (étoile dell’Opéra di Parigi),  Madeline Woo (principal del San Francisco Ballet), Giorgi Potskhishvili (principal del Dutch National Ballet di Amsterdam), Friedemann Vogel (étoile dello Stuttgart ...

Con la riapertura, dopo la pausa invernale, della Maddalena Centro Arti Performative, Hangartfest inaugura una nuova stagione di attività, racchiusa nel titolo evocativo e programmatico La danza che verrà. Questa progettualità trova una prima concreta declinazione nel contesto delle celebrazioni legate alla Giornata Internazionale della Danza, con due eventi in programma domenica 26 aprile patrocinati dal Comune di Pesaro. Alle 11.30, DANCE! The NELKEN Line, ispirata alla celebre coreografia di Pina Bausch, partirà dalla Palla di Pomodoro (Piazzale della Libertà). La passeggiata danzante dà vita a una festa in movimento aperta alla comunità, pensata per accogliere la primavera attraverso il linguaggio della danza. Ispirata allo spettacolo Nelken (1982), è oggi un rito collettivo diffuso in tutto il mondo come omaggio alla coreografa tedesca, in cui una sequenza semplice e accessibile coinvolge i cittadini, danzatori e curiosi in un cammino condiviso che evoca le quattro stagioni. La partecipazione all’iniziativa, realizzata su gentile concessione della Fondazione Pina Bausch, in collaborazione con AMAT e con la partecipazione di alcuni allievi del Liceo Musicale e Coreutico Marconi, è gratuita e aperta a tutti, con iscrizione e frequenza del laboratorio di preparazione alla Maddalena il 24 aprile alle ore 21.00. Alle 18.00 alla Maddalena Centro ...

  Si apre una fase decisiva per la danza contemporanea in Italia: nasce il primo Master Universitario in Contemporary Dance Performance validato dalla Northern School of Contemporary Dance (NSCD) di Leeds, tra le più autorevoli istituzioni di formazione professionale coreutica nel Regno Unito. Si tratta di un progetto pionieristico firmato Equilibrio Dinamico Ensemble, che introduce nel Paese un percorso finora inedito, segnando una svolta nel panorama della formazione nazionale. A rafforzarne ulteriormente il valore è la sua collocazione: il Master avrà sede a Bari, città d’origine della compagnia, che proprio quest’anno celebra i suoi 15 anni di attività. L’iniziativa si inserisce in un contesto internazionale in cui la richiesta di percorsi certificati è sempre più centrale: oggi il possesso di un titolo accademico rappresenta una condizione essenziale per accedere all’insegnamento nelle università e nelle accademie più prestigiose, oltre che uno strumento fondamentale per costruire una carriera stabile e competitiva nel mondo della danza contemporanea. In questo scenario, la scelta della sede del corso contribuisce a rafforzare l’offerta formativa nazionale, ampliando le opportunità di accesso a percorsi coreutici di livello universitario. Non solo un traguardo per il settore della danza, ma anche un passaggio significativo per il sistema culturale e formativo italiano, capace di attrarre figure altamente qualificate ...

La scomparsa di Jacqueline Rayet, avvenuta il 17 aprile 2026 a Parigi, segna la fine di una delle figure più raffinate e discrete del balletto francese del secondo Novecento. Non era soltanto una grande interprete: era una custode silenziosa di una tradizione coreutica che, attraverso il suo stile, ha continuato a vivere ben oltre i riflettori del palcoscenico. Nata in Francia, esattamente a Parigi il 26 giugno 1932, Rate si formò all’interno della rigorosa scuola dell’Opéra di Parigi, una delle istituzioni più antiche e prestigiose al mondo. Qui assimilò quella purezza di linea, quella precisione musicale e quell’eleganza sobria che costituiscono la cifra distintiva della scuola francese. Fin dagli anni della formazione, mostrò una qualità rara: la capacità di coniugare disciplina tecnica e naturalezza espressiva. Entrata nel corpo di ballo dell’Opéra, la sua ascesa fu costante e meritata. Negli anni Cinquanta e Sessanta, periodo di grandi trasformazioni per il balletto europeo, Jacqueline Rayet si impose come una presenza autorevole e al tempo stesso misurata. Non cercava l’effetto, né indulgava in virtuosismi fini a sé stessi; il suo era un stile costruito sull’equilibrio, sulla chiarezza del gesto e su una musicalità quasi interiore. Divenuta étoile, interpretò ruoli centrali del repertorio classico ...

Il Birmingham Royal Ballet si prepara a segnare una tappa significativa nella propria storia recente con una nuova, ambiziosa produzione di La Bayadère, presentata al Birmingham Hippodrome nel febbraio 2027, uno dei principali poli teatrali del Regno Unito. Questo allestimento, firmato da Carlos Acosta, si distingue sin dalle sue premesse per una scelta di rilettura radicale: l’azione, originariamente ambientata in un’India immaginata secondo i canoni dell’esotismo ottocentesco, viene trasposta nella Venezia rinascimentale, con tutte le implicazioni simboliche, estetiche e drammaturgiche che tale spostamento comporta. Per comprendere la portata di questa operazione, è necessario ricordare che La Bayadère, creata nel 1877 al Teatro Bol’šoj Kamennyj di San Pietroburgo con coreografia di Marius Petipa e musica di Ludwig Minkus, rappresenta uno dei vertici del balletto classico imperiale russo. L’opera, intrisa di un immaginario orientalista tipico del XIX secolo, si fonda su una trama di amore tragico, rivalità e vendetta, culminante nella celebre scena del Regno delle Ombre, uno dei momenti più iconici dell’intero repertorio coreutico. Proprio questa scena, con la sua struttura ipnotica e la purezza geometrica del corpo di ballo, costituisce una sorta di banco di prova per ogni nuova interpretazione. L’intervento di Acosta si inserisce in una più ampia tendenza ...

Siegfried è uno dei ruoli maschili più iconici e complessi del repertorio classico, un personaggio che richiede non solo un’eccellenza tecnica straordinaria, ma anche una profonda maturità interpretativa. Non è semplicemente il principe innamorato del Lago dei cigni: è un giovane uomo in formazione, alle prese con le prime responsabilità, con l’amore e con le illusioni che la vita gli presenta. Ogni gesto, ogni movimento, ogni sguardo contribuisce a raccontare la sua crescita interiore, rendendo il ruolo tanto drammaticamente ricco quanto fisicamente impegnativo. Storicamente, Siegfried nasce nella grande stagione del balletto romantico attraverso la coreografia originale di Marius Petipa e Lev Ivanov alla fine del XIX secolo. La figura del principe romantico riflette l’ideale dell’eroe giovanile: nobile, puro e desideroso di amore autentico. Tuttavia, il balletto lo sviluppa come un personaggio complesso, la cui crescita emotiva è strettamente intrecciata con la storia. Siegfried non è un eroe statico: attraversa una trasformazione continua, che si manifesta nella gestualità, nell’uso dello spazio scenico e nella dinamica del movimento. La sua ingenuità iniziale e la sua vulnerabilità di fronte all’inganno di Odile creano una tensione drammatica che accompagna tutta la seconda parte del balletto, rendendo la sua evoluzione palpabile e coinvolgente per il ...

Il festival Civitanova Danza celebra la sua 33ª edizione dal 3 luglio al 2 agosto, confermandosi un punto di riferimento per la scena coreutica nazionale. Promosso dalla Città di Civitanova Marche, dall’Azienda Teatri di Civitanova e dall’AMAT, con il sostegno di MiC e Regione Marche, il festival – dedicato a Enrico Cecchetti – propone otto appuntamenti tra prime nazionali, residenze artistiche e progetti partecipativi. Il filo conduttore resta lo slogan “Civitanova danza tutto”, che riflette l’apertura a linguaggi, culture e stili differenti. L’inaugurazione, il 3 luglio al Teatro Rossini, è affidata a Näss (Les gens) del coreografo Fouad Boussouf, direttore di Le Phare – Centre chorégraphique national du Havre Normandie, presentato in prima nazionale. Ispirato alla tradizione musicale marocchina dei Nass el Ghiwane, lo spettacolo unisce energia contemporanea e radici culturali in una performance corale e acrobatica interpretata da sette danzatori. Il lavoro esplora il dialogo tra passato e presente, fondendo dimensione urbana e spirituale. Momento centrale è l’11 luglio con il Festival nel festival, una maratona che intreccia spettacoli e partecipazione pubblica. Si apre in Piazza XX Settembre (ore 19) con Carmen. Nous sommes toustes des étoiles di Anna Basti, progetto che coinvolge cittadini non professionisti, attraverso un laboratorio ...

Il personaggio di Clara, protagonista de Lo Schiaccianoci, occupa un posto singolare nel repertorio del balletto classico, poiché si colloca al confine tra infanzia e maturazione artistica, tra racconto fiabesco e costruzione coreografica di grande raffinatezza. Analizzare Clara significa confrontarsi con un ruolo che, pur non essendo tecnicamente virtuosistico quanto altri grandi ruoli del repertorio ottocentesco, richiede una sensibilità interpretativa estremamente precisa e una consapevolezza stilistica che varia sensibilmente a seconda delle tradizioni coreografiche. Dal punto di vista storico, Lo Schiaccianoci nasce alla fine del XIX secolo nel contesto del teatro imperiale russo, su musica di Pëtr Il’ič Čajkovskij e coreografia originaria di Marius Petipa, poi realizzata in larga parte da Lev Ivanov. Il libretto si ispira al racconto di E. T. A. Hoffmann, filtrato attraverso una versione più addolcita di Alexandre Dumas padre. In questo contesto, Clara emerge come una figura centrale ma sfuggente: una bambina borghese, immersa nell’atmosfera natalizia, che attraversa una dimensione onirica dove il confine tra realtà e fantasia si dissolve progressivamente. Originariamente, il ruolo di Clara (talvolta chiamata Masha nella tradizione russa, oppure Marie nella tradizione russa e nella versione di Balanchine) era affidato a una giovane allieva della scuola imperiale, il che spiega l’assenza ...

Cotillon di George Balanchine rappresenta una delle creazioni più enigmatiche e affascinanti del primo periodo americano del coreografo, un’opera che riflette pienamente il suo passaggio verso una nuova concezione del balletto, sospesa tra memoria della tradizione e sperimentazione neoclassica. Creato nel 1932 su musica di Emmanuel Chabrier, il balletto si inserisce in un contesto artistico profondamente diverso rispetto a quello dei Ballets Russes, segnando una fase di transizione in cui Balanchine inizia a sviluppare un linguaggio sempre più personale. Dal punto di vista storico, Cotillon nasce in un’epoca in cui il balletto europeo stava attraversando una crisi di identità, mentre negli Stati Uniti si aprivano nuove possibilità creative. Dopo la morte di Sergej Djagilev nel 1929, molti artisti legati ai Ballets Russes si trovarono a ridefinire il proprio percorso. Balanchine, trasferitosi negli Stati Uniti, iniziò a lavorare in un contesto meno vincolato dalle convenzioni europee, dando vita a una serie di opere che esploravano nuove forme di espressione coreografica. Cotillon si distingue per la sua struttura apparentemente narrativa, che richiama l’atmosfera dei balli aristocratici ottocenteschi, ma che in realtà si sviluppa in una dimensione quasi onirica e simbolica. Il titolo stesso evoca una danza sociale, elegante e codificata, ma Balanchine utilizza questo riferimento ...

Celebrare ciò che ci rende umani in un mondo sempre più frammentato. Con questa missione Orsolina28 Art Foundation inaugura la sua Stagione 2026, un traguardo significativo che coincide con il decimo anniversario della sua istituzione. Sotto la direzione artistica della fondatrice Simony Monteiro, la Fondazione si conferma un polo d’eccellenza internazionale, rinnovando la propria vocazione internazionale attraverso un programma che pone al centro la creazione coreografica contemporanea, con un focus costante su innovazione e talento. Il filo conduttore di quest’anno è un ritorno alle origini. In un mondo sempre più frammentato, dominato da conflitti, dall’avvento di nuove tecnologie e dalla minaccia del riscaldamento globale, la stagione di Orsolina28 porta l’attenzione su ciò che ci rende umani. Al centro di quello che facciamo c’è un desiderio molto semplice: creare uno spazio in cui si possa essere completamente umani, dove esplorare, esprimersi, cambiare idea, e dove questo cambiamento non sia solo accettato ma accolto ‒ dichiara Simony Monteiro ‒ Quanto accade qui, tra persone, in tempo reale, in uno spazio condiviso, ha un valore unico e insostituibile. Il cuore della stagione è rappresentato dalle residenze artistiche: periodi di lavoro in cui coreografi e danzatori abitano gli spazi della Fondazione sviluppando nuovi progetti. ...