Giulietta occupa un posto unico nel repertorio del balletto perché richiede alla danzatrice non solo una solida padronanza tecnica, ma anche una capacità narrativa rara, quasi teatrale, capace di attraversare un intero arco di vita in poche ore. A differenza di molti ruoli classici che si basano su archetipi ben definiti, Giulietta è un personaggio in continua trasformazione: da adolescente ingenua a donna determinata, da figura luminosa a presenza tragica. Questa evoluzione non può essere simulata, deve essere costruita con precisione, dettaglio dopo dettaglio, gesto dopo gesto. Le radici del ruolo affondano naturalmente nella tragedia di William Shakespeare, ma è con la musica di Sergej Prokof’ev che Giulietta trova nel balletto una voce nuova, intensa e profondamente moderna. Le versioni coreografiche che si sono affermate nel tempo hanno contribuito a definire il linguaggio di questo personaggio, trasformandolo in una delle sfide più ambiziose per una ballerina. A differenza di ruoli più codificati, qui la tecnica non è mai fine a sé stessa: ogni passo, ogni pausa, ogni respiro è carico di significato drammatico. Dal punto di vista tecnico, Giulietta richiede una versatilità straordinaria. Nelle prime scene, il movimento è leggero, rapido, quasi impulsivo. I piccoli salti, le corse, i cambi ...

Torna in scena martedì 28 aprile 2026 alle ore 20.30 (ore 10 recita per le scuole) presso il Teatro Comunale di Moderna, uno dei capitoli più riusciti di Leggere per… ballare, progetto ideato da Rosanna Pasi che prevede la collaborazione con le scuole di danza aderenti alla Federazione Nazionale Associazioni Scuole di Danza e il coinvolgimento diretto delle scuole pubbliche. Si tratta de L’altro viaggio. La danza nella Divina Commedia, spettacolo dedicato al poema dantesco già presentato con successo a Modena nel febbraio 2024. L’iniziativa, guidata da Arturo Cannistrà, vedrà in scena allievi de LaCapriola, del Centro La Fenice, di Khorovodarte, Movimento Unico, e Tersicore per la Danza ed ha coinvolto scuole primarie e secondarie di secondo grado della città, che, al termine del percorso, accompagnano gli alunni a teatro per assistere allo spettacolo allestito dai loro coetanei, allievi delle scuole di danza, partendo dal testo condiviso in classe. L’altro viaggio. La danza nella Divina Commedia raccoglie e rielabora le immagini di danza che Dante dissemina nel poema, dando vita al viaggio del poeta dalla selva oscura alla luce del Paradiso. Dante conosceva e amava profondamente la danza, tanto che nella Commedia i riferimenti al ballo compaiono in tutte e ...

Un organismo vivo, una visione di rete unica nel suo genere, in cui le eccellenze della città si intrecciano in un progetto condiviso, trasformando il capoluogo etneo in un laboratorio multidisciplinare di arti, relazioni e futuro. Catania Contemporanea / FIC Festival nasce nel 2018, ideato e curato dal Centro di Rilevante Interesse per la Danza Scenario Pubblico, per contribuire allo sviluppo della città attraverso le arti contemporanee. In programma dal 29 aprile al 10 maggio 2026, con 38 eventi e circa 200 artisti italiani e internazionali, il Festival costruisce un’esperienza diffusa e immersiva. Giunto alla sua settima edizione, il Festival inaugura nel 2026 un nuovo corso fondato su una visione condivisa e su un assetto organizzativo rinnovato: la costituzione di un Comitato promotore formato da alcune delle più significative realtà culturali, artistiche e formative del territorio. Un sistema di eccellenze già consolidato in anni di collaborazione – Associazione Musicale Etnea, Conservatorio Vincenzo Bellini, DISUM/Università di Catania, Fondazione OELLE Mediterraneo Antico ETS, Isola Catania, Scenario Pubblico / Compagnia Zappalà Danza, Teatro Stabile di Catania – che, sotto la direzione artistica di Roberto Zappalà, concorre alla costruzione del Festival attraverso un modello di lavoro corale: una visione unitaria e, al tempo stesso, ...

Essere maturi non significa solo raggiungere una certa età o accumulare esperienze, ma implica saper affrontare le sfide dell’esistenza con forza ed equilibrio. Tutto ciò si ottiene sviluppando consapevolezza e apertura mentale. La danza è maestra anche in questo ambito, è un percorso di trasformazione che plasma individui completi. Il rigore della disciplina e la costanza dell’allenamento permettono al danzatore di conoscere i propri limiti e di affrontarli progressivamente. Questo processo non si riflette solo nella postura, nella tecnica e nelle performance, ma soprattutto nella maturità emotiva: la danza infatti, tra le altre cose, insegna a gestire le emozioni, a esprimerle e a canalizzarle, e ad affrontare i problemi in modo costruttivo. L’arte del movimento trasmette il valore della fatica e della perseveranza: ogni gesto richiede pazienza, dedizione e il superamento di ostacoli che non concedono scorciatoie. La padronanza del corpo, costruita attraverso esercizi mirati e ripetuti, si traduce in sicurezza e autocontrollo, elementi che contribuiscono a rendere il danzatore una persona equilibrata. In un’epoca in cui l’attenzione è rivolta più al proprio riflesso digitale che al dialogo reale, la danza si distingue come pratica di ascolto autentico, interiore e verso l’esterno. L’egocentrismo dominante, le interazioni superficiali e la ricerca ...

La scomparsa di Jacqueline Rayet, avvenuta il 17 aprile 2026 a Parigi, segna la fine di una delle figure più raffinate e discrete del balletto francese del secondo Novecento. Non era soltanto una grande interprete: era una custode silenziosa di una tradizione coreutica che, attraverso il suo stile, ha continuato a vivere ben oltre i riflettori del palcoscenico. Nata in Francia, esattamente a Parigi il 26 giugno 1932, Rate si formò all’interno della rigorosa scuola dell’Opéra di Parigi, una delle istituzioni più antiche e prestigiose al mondo. Qui assimilò quella purezza di linea, quella precisione musicale e quell’eleganza sobria che costituiscono la cifra distintiva della scuola francese. Fin dagli anni della formazione, mostrò una qualità rara: la capacità di coniugare disciplina tecnica e naturalezza espressiva. Entrata nel corpo di ballo dell’Opéra, la sua ascesa fu costante e meritata. Negli anni Cinquanta e Sessanta, periodo di grandi trasformazioni per il balletto europeo, Jacqueline Rayet si impose come una presenza autorevole e al tempo stesso misurata. Non cercava l’effetto, né indulgava in virtuosismi fini a sé stessi; il suo era un stile costruito sull’equilibrio, sulla chiarezza del gesto e su una musicalità quasi interiore. Divenuta étoile, interpretò ruoli centrali del repertorio classico ...

Il Birmingham Royal Ballet si prepara a segnare una tappa significativa nella propria storia recente con una nuova, ambiziosa produzione di La Bayadère, presentata al Birmingham Hippodrome nel febbraio 2027, uno dei principali poli teatrali del Regno Unito. Questo allestimento, firmato da Carlos Acosta, si distingue sin dalle sue premesse per una scelta di rilettura radicale: l’azione, originariamente ambientata in un’India immaginata secondo i canoni dell’esotismo ottocentesco, viene trasposta nella Venezia rinascimentale, con tutte le implicazioni simboliche, estetiche e drammaturgiche che tale spostamento comporta. Per comprendere la portata di questa operazione, è necessario ricordare che La Bayadère, creata nel 1877 al Teatro Bol’šoj Kamennyj di San Pietroburgo con coreografia di Marius Petipa e musica di Ludwig Minkus, rappresenta uno dei vertici del balletto classico imperiale russo. L’opera, intrisa di un immaginario orientalista tipico del XIX secolo, si fonda su una trama di amore tragico, rivalità e vendetta, culminante nella celebre scena del Regno delle Ombre, uno dei momenti più iconici dell’intero repertorio coreutico. Proprio questa scena, con la sua struttura ipnotica e la purezza geometrica del corpo di ballo, costituisce una sorta di banco di prova per ogni nuova interpretazione. L’intervento di Acosta si inserisce in una più ampia tendenza ...

Siegfried è uno dei ruoli maschili più iconici e complessi del repertorio classico, un personaggio che richiede non solo un’eccellenza tecnica straordinaria, ma anche una profonda maturità interpretativa. Non è semplicemente il principe innamorato del Lago dei cigni: è un giovane uomo in formazione, alle prese con le prime responsabilità, con l’amore e con le illusioni che la vita gli presenta. Ogni gesto, ogni movimento, ogni sguardo contribuisce a raccontare la sua crescita interiore, rendendo il ruolo tanto drammaticamente ricco quanto fisicamente impegnativo. Storicamente, Siegfried nasce nella grande stagione del balletto romantico attraverso la coreografia originale di Marius Petipa e Lev Ivanov alla fine del XIX secolo. La figura del principe romantico riflette l’ideale dell’eroe giovanile: nobile, puro e desideroso di amore autentico. Tuttavia, il balletto lo sviluppa come un personaggio complesso, la cui crescita emotiva è strettamente intrecciata con la storia. Siegfried non è un eroe statico: attraversa una trasformazione continua, che si manifesta nella gestualità, nell’uso dello spazio scenico e nella dinamica del movimento. La sua ingenuità iniziale e la sua vulnerabilità di fronte all’inganno di Odile creano una tensione drammatica che accompagna tutta la seconda parte del balletto, rendendo la sua evoluzione palpabile e coinvolgente per il ...

Il personaggio di Clara, protagonista de Lo Schiaccianoci, occupa un posto singolare nel repertorio del balletto classico, poiché si colloca al confine tra infanzia e maturazione artistica, tra racconto fiabesco e costruzione coreografica di grande raffinatezza. Analizzare Clara significa confrontarsi con un ruolo che, pur non essendo tecnicamente virtuosistico quanto altri grandi ruoli del repertorio ottocentesco, richiede una sensibilità interpretativa estremamente precisa e una consapevolezza stilistica che varia sensibilmente a seconda delle tradizioni coreografiche. Dal punto di vista storico, Lo Schiaccianoci nasce alla fine del XIX secolo nel contesto del teatro imperiale russo, su musica di Pëtr Il’ič Čajkovskij e coreografia originaria di Marius Petipa, poi realizzata in larga parte da Lev Ivanov. Il libretto si ispira al racconto di E. T. A. Hoffmann, filtrato attraverso una versione più addolcita di Alexandre Dumas padre. In questo contesto, Clara emerge come una figura centrale ma sfuggente: una bambina borghese, immersa nell’atmosfera natalizia, che attraversa una dimensione onirica dove il confine tra realtà e fantasia si dissolve progressivamente. Originariamente, il ruolo di Clara (talvolta chiamata Masha nella tradizione russa, oppure Marie nella tradizione russa e nella versione di Balanchine) era affidato a una giovane allieva della scuola imperiale, il che spiega l’assenza ...

Cotillon di George Balanchine rappresenta una delle creazioni più enigmatiche e affascinanti del primo periodo americano del coreografo, un’opera che riflette pienamente il suo passaggio verso una nuova concezione del balletto, sospesa tra memoria della tradizione e sperimentazione neoclassica. Creato nel 1932 su musica di Emmanuel Chabrier, il balletto si inserisce in un contesto artistico profondamente diverso rispetto a quello dei Ballets Russes, segnando una fase di transizione in cui Balanchine inizia a sviluppare un linguaggio sempre più personale. Dal punto di vista storico, Cotillon nasce in un’epoca in cui il balletto europeo stava attraversando una crisi di identità, mentre negli Stati Uniti si aprivano nuove possibilità creative. Dopo la morte di Sergej Djagilev nel 1929, molti artisti legati ai Ballets Russes si trovarono a ridefinire il proprio percorso. Balanchine, trasferitosi negli Stati Uniti, iniziò a lavorare in un contesto meno vincolato dalle convenzioni europee, dando vita a una serie di opere che esploravano nuove forme di espressione coreografica. Cotillon si distingue per la sua struttura apparentemente narrativa, che richiama l’atmosfera dei balli aristocratici ottocenteschi, ma che in realtà si sviluppa in una dimensione quasi onirica e simbolica. Il titolo stesso evoca una danza sociale, elegante e codificata, ma Balanchine utilizza questo riferimento ...

L’arte coreutica torna protagonista sul litorale toscano. Presentata ufficialmente la VI Edizione del Festival della Danza Città di Viareggio e le International Ballet Master Classes (IBMC). L’iniziativa, promossa con lungimiranza dal Comune di Viareggio fin dal 2021, si conferma un appuntamento di respiro globale capace di coniugare alta formazione, spettacolo e solidarietà. Sotto la guida del Primo Ballerino Andrea Volpintesta al suo quinto anno di Direzione Artistica, e in collaborazione con la Fondazione Festival Pucciniano, l’edizione 2026 trasformerà il Gran Teatro Giacomo Puccini di Torre del Lago nel cuore pulsante della danza d’eccellenza. Alta Formazione e Perfezionamento con l’Accademia Pucciniana Le IBMC 2026 (27 aprile-3 maggio) si confermano una porta d’accesso privilegiata al professionismo. Durante la settimana di Master Classes, si terranno le selezioni per l’accesso diretto al Corso di Formazione e Perfezionamento di Danza Classica e Contemporanea 2026/27 dell’Accademia Pucciniana, istituzione che vanta la Direzione Artistica del Maestro Placido Domingo. Il settore danza dell’Accademia sarà curato personalmente da Sabrina Brazzo (Étoile, già Prima Ballerina del Teatro alla Scala) e Andrea Volpintesta. Il parterre di docenti per le IBMC 2026 schiera nomi di rilievo internazionale provenienti dai più prestigiosi contesti Accademici Internazionali: Sabrina Brazzo & Andrea Volpintesta (Teatro alla Scala); ...