Il palcoscenico del London Coliseum ha recentemente accolto l’atto conclusivo di uno degli appuntamenti più prestigiosi e attesi nel panorama internazionale della danza classica: l’edizione 2026 del Margot Fonteyn International Ballet Competition. Nato originariamente come Genée International Ballet Competition — intitolato alla memoria della leggendaria Adeline Genée, prima presidente della Royal Academy of Dance —, il concorso ha saputo rinnovare nel corso dei decenni la propria identità, legandosi indissolubilmente al nome di Dame Margot Fonteyn, figura monumentale ed epitome stessa della grazia e del rigore accademico britannico. La serata finale ha offerto al pubblico londinese una straordinaria ricognizione sullo stato dell’arte della giovane ginnastica e tecnica tersicorea globale, confermando il ruolo fondamentale che la Royal Academy of Dance riveste nella trasmissione metodologica e nella salvaguardia dei canoni classici. Al termine di una competizione serrata, condotta sotto l’egida di una giuria di altissimo profilo, il podio ha incoronato le eccellenze emerse da un vivaio internazionale di formidabile spessore. La giuria d’eccezione che ha valutato la finale del Margot Fonteyn International Ballet Competition era composta da figure di altissimo profilo del panorama tersicoreo internazionale: Dame Darcey Bussell DBE (Presidente della RAD e celebre ex Étoile del The Royal Ballet). Lynn Wallis OBE ...

Il 26 e 27 novembre i Musei di Vicenza ospitano Future Moves Explores: due giornate di pratiche, dialoghi e scambi internazionali dedicate a danza, musei e salute, seguite da un convegno il 28 novembre nell’Aula Gresele dell’Ospedale S. Bortolo   Future Moves prosegue le sue esplorazioni: il 26 e 27 novembre nelle sale di Palazzo Chiericati di Vicenza, una due giorni di pratiche, dialoghi e scambi internazionali che mettono in relazione danza, patrimonio culturale e benessere. Un programma che nasce dalla collaborazione di e20danza con R.A.A.F. Danst di Rotterdam e il Van Gogh Museum di Amsterdam nella ricerca su danza e benessere nei musei, in quest’occasione anche con il sostegno dell’Ambasciata e del Consolato Generale del Regno dei Paesi Bassi. Le giornate vedono ospiti Annemarie Labinjo‑van der Muelen e Bryndis Ragna Brynjolfsdottir, artiste della danza e fondatrici di R.A.A.F. Danst, programma di danza per giovani adulti che vivono con e oltre il cancro, impegnate da anni nello sviluppo di pratiche corporee e nella relazione tra movimento, cura e immaginazione. Insieme a loro, Sarah Broekhoven e Ann Blockland, curatrici della sezione di servizi educativi del celebre Van Gogh Museum, che portano a Vicenza l’esperienza del museo olandese nell’attivare processi partecipativi, percorsi ...

Dall’incontro tra pratica coreografica e pensiero architettonico nasce The Lovely Gears, un’installazione performativa che rappresenta l’esito del percorso che Chiara Bersani – artista associata di Triennale Milano Teatro – ha sviluppato in collaborazione con LAC Lugano Arte e Cultura e gli studenti e le studentesse dell’Accademia di Architettura dell’Università della Svizzera italiana di Mendrisio. Il dialogo tra corpi e spazio trasforma un paesaggio di oggetti, prototipi e strutture in legno in una comunità. Per FOG questa tribù nomade approda a Milano e ricompone un nuovo accampamento, trasformandosi in un’installazione site specific per gli spazi di Triennale. Il pubblico è invitato a entrare in una foresta di ingranaggi e articolazioni, sguardi e cigolii, sospesa tra umano e non umano. Gli studenti e le studentesse, ormai altrove, affidano questo mondo a nuovi abitanti, che possono attraversarlo, sostare, perdersi e ritrovarsi prima della sua prossima migrazione. L’installazione sarà visitabile liberamente sabato 14 novembre negli orari di apertura di Triennale Milano (10.30-20.00) e domenica 15 novembre dalle ore 14.30 alle 20.00. Chiara Bersani è una performer e autrice italiana attiva nell’ambito delle performing arts, del teatro di ricerca e della danza contemporanea. Presentati in circuiti internazionali, i suoi lavori nascono come creazioni in dialogo ...

Torna la consueta mini-rassegna per famiglie organizzata da DiDstudio per avvicinare le nuove generazioni alla danza e allo spettacolo dal vivo. Tre appuntamenti che anticipano NAOperformingfestival26 (in programma dal 18 al 20 dicembre) che vedrà ospite speciale il coreografo svizzero Gilles Jobin. Il 21, 22 e 29 novembre negli spazi di Fabbrica del Vapore torna miniNAO, rassegna dedicata alle famiglie che come di consueto anticipa il NAOperformingfestival. Promossa da DiDstudio, miniNAO propone spettacoli che uniscono danza, arti visive, ecologia, temi sociali e nuove tecnologie (come l’interazione tra suono, movimento e media digitali) per avvicinare le nuove generazioni allo spettacolo dal vivo e alla sperimentazione pluridisciplinare. I tre spettacoli selezionati per questa edizione affrontano temi legati al diventare grandi, al passaggio dall’infanzia all’età adulta e alle emozioni che caratterizzano questo delicato e meraviglioso momento della vita. Si apre sabato 21 novembre con Cappuccetto Rosso. C’era una volta il lupo e la fanciulla di Compagnia Atacama, spettacolo per tutte le età che si ispira a una delle fiabe europee più conosciute al mondo. Lasciare il mondo luminoso e sicuro del villaggio per andare in quello oscuro e insidioso della foresta è qui metafora del percorso che ogni individuo deve affrontare per crescere, ...

Nel panorama della danza del Novecento, pochi titoli segnano uno spartiacque netto e irreversibile come Agon, nato dalla stretta e monumentale collaborazione tra Igor’ Stravinskij e George Balanchine. Questo balletto rappresenta l’apice del neoclassicismo e la definitiva consacrazione della danza astratta, un capolavoro in cui la musica non si limita ad accompagnare il movimento, ma diventa la struttura stessa del gesto. La genesi dell’opera si colloca tra il 1953 e il 1957, anno del suo debutto assoluto, quando la fondazione Lincoln Kirstein commissionò la partitura per il New York City Ballet con l’intento di completare una trilogia di ispirazione greca iniziata con Apollo nel 1928 e proseguita con Orpheus nel 1948. Se nei primi due titoli il richiamo al mito ellenico manteneva un filo narrativo chiaro, con Agon — dal termine greco che significa competizione o sfida — la coppia d’artisti spoglia la scena da ogni residuo aneddotico, evocando sia la gara atletico-ritmica tra i danzatori sul palcoscenico, sia il serrato confronto dialettico tra il linguaggio musicale e quello corporeo. Dal punto di vista compositivo, la partitura segna una transizione cruciale per Stravinskij, che dall’impostazione neoclassica legata ai modi rinascimentali approdò, nel corso della stesura, alla tecnica dodecafonica e seriale ...

Siamo abituati a pensare all’arte coreutica come a uno spettacolo da fruire in teatro o a una tecnica riservata a pochi eletti. Ma se ci ostiniamo a considerarla un esercizio estetico o peggio un passatempo, perdiamo la risposta a una domanda fondamentale: che cosa fa, concretamente, la danza per chi la pratica e di riflesso per la società? Danzare non modella soltanto i corpi, modella i sistemi di pensiero e la qualità della nostra presenza nel mondo. Rimette il corpo al centro dell’esperienza  umana e ridà il senso della fisicità. Insegna a sentire il peso, l’equilibrio, la gravità e la fatica. Riscoprire il movimento coordinato significa riaccendere quel legame tra percezione sensoriale e pensiero che la vita odierna tende a spegnere. La danza insegna il valore del tempo e del processo. In sala si comprende profondamente un concetto che appare banale, ma non lo è: nulla di davvero importante si ottiene per caso. La grazia, la pulizia tecnica e la forza non sono doni della natura, ma l’esito di una disciplina costante e appassionata. Si impara a gestire la frustrazione, ad accettare che i risultati richiedono tempo e cura. La danza necessita di un livello di elaborazione cognitiva straordinario. Non ...

Nel vasto e spesso rumoroso universo della danza, dove la gloria si misura solitamente in applausi accecanti alla ribalta, in recensioni o nella sfolgorante geometria di un arabesque immortalato dai riflettori, esistono figure che scelgono la via opposta. Scelgono l’ascolto, la tutela rigorosa, la custodia silenziosa della memoria e della continuità. Nel mosaico complesso e monumentale legato al nome di Maurice Béjart, Marie-Thérèse Jaccard ha incarnato per decenni esattamente questo: un punto di riferimento incrollabile, una presenza imprescindibile capace di agire dietro le quinte con la stessa grazia e precisione con cui un ballerino cesella il proprio passo d’addio. Quando si pronuncia il nome di Maurice Béjart, la mente corre immediatamente alla deflagrazione visiva e sensoriale del Boléro, alla tensione della Sagra della Primavera, alla grandiosità metafisica della Nona Sinfonia o alla spiritualità laica che ha ridefinito la danza del Novecento. Ma dietro la macchina da presa di questo titanico teatro della mente e del corpo, c’era un’architettura amministrativa, istituzionale e umana che necessitava di polso fermo, dedizione assoluta e profonda intelligenza culturale. Marie-Thérèse Jaccard è stata molto più di una segretaria di fondazione o di una collaboratrice amministrativa vicina al maestro e, successivamente, al Béjart Ballet Lausanne con Gil Roman ...

Sabato 14 novembre 2026, Rai5 alle ore 08.00 trasmette La bayadère nella registrazione del 2006 dal Teatro alla Scala, con Svetlana Zakharova (Nikiya) e Roberto Bolle (Solor). Nel cast troviamo inoltre Isabelle Brusson (Gamzatti), Bryar Rewisor (Il Gran Bramino). Scene di Pierluigi Samaritani, costumi Yolanda Sonnabend. Regia televisiva a cura di Tina Protasoni. Direzione musicale di David Coleman. La bayadère, uno dei balletti cardine del repertorio classico, vide la sua prima assoluta a San Pietroburgo nel 1877. Il fascino dei paesi esotici e il successo di opere letterarie ispirarono Petipa, che creò una perfetta armonia fra scene di massa e protagonisti, alto lirismo e fascino poetico. Su tutti, la meraviglia del Regno delle Ombre, quadro che aprì la strada alla fortuna occidentale di questo balletto. La versione curata da Natalia Makarova (dall’originale di Marius Petipa) è indicata come il più audace e il più deferente lavoro di ripristino del balletto di Petipa. E proprio la Scala, nel 1992, tenne a battesimo il debutto italiano di questa versione; prima di allora il Teatro milanese non aveva avuto in repertorio nessun allestimento di questo balletto. In un’India da leggenda, tra intrighi e drammi d’amore brillano le étoile Svetlana Zakharova e Roberto Bolle. ...

All’ombra della maestosa cattedrale di Worcester, tra le dolci colline dell’Inghilterra tardo-vittoriana, prende forma uno dei ritratti coreografici più intimi, eleganti e struggenti della storia della danza del Novecento: Enigma Variations, capolavoro firmato da Sir Frederick Ashton per il Royal Ballet nel 1968. In questa creazione, la cui prima assoluta ebbe luogo il 25 ottobre di quell’anno sul palcoscenico della Royal Opera House di Covent Garden a Londra, il coreografo britannico trasformò la celebre partitura orchestrale Variations on an Original Theme, op. 36, composta da Edward Elgar tra il 1898 e il 1899, in una meditazione lirica sull’amicizia, sulla creatività artistica e sugli affetti domestici. L’opera si colloca in un momento di straordinaria maturità espressiva di Ashton, il quale, scegliendo la musica del compositore simbolo del romanticismo inglese, distillò un Neoclassicismo intriso di sobrio humor, malinconia autunnale e acuta penetrazione psicologica. La genesi di Enigma Variations affonda le sue radici nella genesi stessa del capolavoro musicale di Elgar. Nel 1898, ancora sconosciuto e tormentato dal dubbio sul proprio talento, il compositore si sedette al pianoforte al termine di una faticosa giornata d’insegnamento e iniziò a improvvisare un tema malinconico. La moglie Alice ne fu colpita, spingendolo a sviluppare quel motivo ...

Sky Castaways due entità catapultate nel tunnel dell’eternità. Due esseri si ritrovano come fossili di ciò che erano nell’ultimo attimo della loro realtà cosciente. Approderanno a una meta o la ragione della loro esistenza assoluta è essa stessa in un farsi? La loro nuova vita transdimensionale sembra muta e statica ma è in continua micro-macro trasformazione adattiva. Tra déjà vu immediatamente smentiti e cicli potenzialmente infiniti di inizi e fini, i corpi si cristallizzano in de-formazioni sulla soglia dell’animarsi. Le loro orbite nel movimento perpetuamente mutevole suggeriscono la realizzazione di un senso d’eterno in un’apparente fissità. Come in una tassellatura di avvenimenti, i vissuti dei corpi si modificano in una progressione di incastri e di associazioni d’immagini. Similitudini e opposizioni, sfasamenti e inversioni, rotazioni e traslazioni, segnano il passo di visioni oniriche e iconografie mutanti che strutturano il perdersi in istanti senza fine. E poi, chissà. Ilenia Romano: Laureata con lode all’Accademia Nazionale di Danza, si forma tra danza classica, contemporanea e arti marziali interne. Da interprete in la Compagnia dell’Accademia, lavora con Cristiana Morganti, Pina Bausch, Jacopo Godani, W. McGregor, Ismael Ivo, Robin Orlin. Danza per Les gens d’Uterpan, M. Van Hoecke e DEOS/G. Di Cicco. È danzatrice e ...