Il cervello dei danzatori processa le emozioni in modo differente. Il loro sistema nervoso le completa tramite il movimento che attiva il sistema limbico o cervello emotivo, fondamentale per regolare emozioni, motivazione, memoria, apprendimento, e la corteccia motoria, responsabile della pianificazione e dell’esecuzione dei movimenti volontari. Tutto ciò implica che, quando le emozioni aumentano di intensità, non si bloccano in un loop mentale che genera ansia improduttiva, ma vengono espresse e liberate. I ballerini così non portano i pesi emotivi che gravano su chi non balla. I danzatori sviluppano l’abilità cognitiva di tollerare dolore, fatica e disagio, non vi restano bloccati ma incrementano la resilienza emotiva e fisica. In quanto espressione non verbale, infatti, la danza attiva emozioni, memoria, controllo e bilanciamento psicofisico, tutto allo stesso tempo. Questo porta all’integrazione emotiva: il cervello vive le emozioni come esperienze da cui apprendere, momenti che influenzano il vissuto, il comportamento e che rafforzano. Ecco perché i danzatori guariscono prima dai traumi emotivi. Il loro sistema nervoso è allenato a superare le esperienze negative, a trovare soluzioni, non a rimuginarci sopra. Perché il movimento danzato influenza, stimola e scolpisce la neuroplasticità. Quando la vita si fa dura, come è per tutti, chi danza ...

Nel giorno che ne celebra la nascita, Maurice Béjart si impone alla memoria collettiva come una delle figure più alte e determinanti della danza del Novecento. Nato il 1° gennaio 1927, Béjart ha segnato in modo profondo e duraturo il linguaggio coreografico contemporaneo, contribuendo a ridefinirne i confini estetici, culturali e spirituali. Coreografo di straordinaria visione, Béjart ha saputo coniugare rigore e audacia, tradizione e innovazione. La sua opera si distingue per la capacità di dialogare con la grande musica — da Stravinskij a Beethoven, da Ravel a Mahler — e di tradurla in una scrittura coreografica intensa, riconoscibile, universale. Balletto, teatro, filosofia e mito si intrecciano nei suoi lavori in un equilibrio raro, capace di parlare tanto allo spettatore esperto quanto a un pubblico più ampio. Uno degli aspetti più rivoluzionari del suo percorso è stato l’aver restituito centralità al corpo come strumento di pensiero. Nella visione di Béjart, il danzatore non è mai mero esecutore, ma interprete consapevole, portatore di una responsabilità artistica e umana. Il movimento diventa così veicolo di significato, capace di esprimere tensioni interiori, interrogativi esistenziali e aspirazioni collettive. Fondatore di compagnie e scuole che hanno formato intere generazioni di artisti, Béjart ha lasciato un’eredità ...

Per decenni, il nome di Vittoria Ottolenghi ha rappresentato una delle voci più autorevoli, lucide e appassionate del panorama critico italiano dedicato alla danza. Con la sua Maratona d’Estate, trasmessa in diverse edizioni televisive e concepita come un grande evento collettivo, Ottolenghi ha compiuto un gesto rivoluzionario: portare la danza fuori dai teatri elitari e collocarla al centro della cultura popolare, in uno spazio aperto, accessibile e condiviso. Una visione oltre il tempo La Maratona d’Estate non era solo una trasmissione televisiva; era un manifesto culturale. Ottolenghi intuì con anticipo che il mezzo televisivo poteva essere un alleato potente per diffondere l’arte coreutica, troppo spesso relegata ad una nicchia. Nel farlo, combatté due pregiudizi radicati: da un lato l’idea che la danza fosse un linguaggio “minore”, dall’altro che la televisione non potesse essere veicolo di contenuti alti. Con eleganza, rigore e una passione visibile, la critica romana costruiva maratone che erano veri e propri viaggi dentro la storia, l’evoluzione tecnica e l’emozione del movimento. Le sue introduzioni, colte e accessibili, davano al pubblico strumenti critici senza cadere nella pedanteria: un raro equilibrio che contribuì alla sua notorietà e al suo seguito fedele. L’inclusione come missione Uno dei valori più profondi della ...

Balletto classico preferito? La Bayadère. Balletto contemporaneo preferito? Swan Lake di Matthew Bourne. Teatro del tuo cuore? Teatro Mariinskij, Opéra di Parigi. Un romanzo che vorresti trasformare in un balletto? Il Fantasma dell’Opera di Gaston Leroux. Un film/serie che potrebbe diventare un balletto? Bridgerton (basato sui romanzi di Julia Quinn). Il costume di scena che hai amato di più? Un costume da “Principe”. A quale colore associ la danza? Bianco. Che odore ha la danza? Sudore, pece e libertà. La musica più bella mai scritta per il balletto? Il Lago dei Cigni di Pëtr Il’ič Čajkovskij. Un film di danza indimenticabile? La troisième jeunesse (su Petipa). Due miti della danza del passato: uomo e donna? Anna Pavlova e Vaslav Nižinskij. Il tuo passo di danza preferito? Grand jeté. Quale personaggio del balletto classico ti piacerebbe essere nella vita reale? Conrad de Il Corsaro. Chi era il genio dei geni della coreografia? Marius Petipa. Se incontrassi Tersicore, cosa le diresti? “Grazie”. Tre parole che descrivono la disciplina della danza? Lavoro, fede, abnegazione. Come ti vedi allo specchio oggi? Cerco di non guardarmi troppo allo specchio. Michele Olivieri www.giornaledelladanza.com © Riproduzione riservata

Cari lettori, la danza è molto più di una disciplina: è un linguaggio universale, un respiro condiviso, un’emozione che prende forma nel movimento. In ogni passo, in ogni salto, in ogni silenzio tra una nota e l’altra, si racconta una storia che unisce palcoscenico e platea, artisti e pubblico, sogni e realtà. In questo momento speciale dell’anno, Il Giornale della Danza – con il suo direttore e la redazione tutta – desidera rivolgere a ciascuno di voi un augurio sincero e profondo. Grazie per aver camminato (e danzato) con noi: per la curiosità con cui seguite le novità, per la passione con cui sostenete i giovani talenti, per l’attenzione che dedicate alla tradizione e all’innovazione del nostro mondo. Che i prossimi mesi siano colmi di ispirazione, di studio, di crescita e di bellezza. Che le sale prova risuonino di energia positiva, che i teatri tornino a vibrare di applausi, che ogni danzatore trovi la forza di credere nel proprio percorso e ogni spettatore la magia di emozionarsi ancora. Continueremo a raccontare la danza con lo stesso impegno e la stessa cura, dando voce a chi vive di movimento e a chi, nel movimento, trova libertà. A tutti voi, lettori, artisti, ...

Il balletto classico preferito? La Bayadère (“la danzatrice del tempio”). Porta con sé l’essenza del desiderio spirituale, del destino e della devozione. Il balletto contemporaneo prediletto? Boléro: il suo ritmo ipnotico è come un battito cardiaco che non si ferma mai. Il Teatro del cuore? Il Teatro Romano di Palmira, in Siria. È lì che ho ballato la mia prima esibizione… e la mia ultima in Siria. Ho ballato lì da solo per dire agli estremisti che i teatri sono per l’arte, non per uccidere. Un mese dopo è stato bombardato. Sono diventato l’ultimo ballerino ad esibirsi su quel palco. Sarà per sempre il mio tempio. Un romanzo da trasformare in balletto? L’Alchimista di Paulo Coelho: perché ogni ballerino è un viaggiatore alla ricerca del tesoro interiore. Mentre un film da cui ricavare uno spettacolo di balletto? The Fountain – L’albero della vita diretto da Darren Aronofsky: i suoi temi di amore, sacrificio e rinascita sono pura coreografia in attesa di essere realizzata. Il costume di scena che preferisci nel grande repertorio classico? Rothbart nel Lago dei Cigni. Potere, mistero e libertà in un unico ruolo. Quale colore associ alla danza? Il bianco: perché è divino, pacifico e porta con ...

I Social continuano a trasformare il modo in cui balliamo: ciò che nasce in una sala prove può diventare virale in poche ore, mentre stili di nicchia trovano una nuova vita grazie a coreografi digitali e community globali.
 Ecco i 10 tipi di danza che nel 2025 sono esplosi su TikTok, Instagram e YouTube, tra challenge, remix e contaminazioni. 1. Afrobeats Fusion Energia allo stato puro: 
movimenti fluidi, spalle vibranti, footwork veloce: l’Afrobeats continua a dominare i trend grazie ad artisti che mescolano elementi tradizionali con stili moderni.
 È lo stile che più spesso genera coreografie virali in pochi giorni. 2. Heels Dance Tacchi, tecnica e tanta presenza scenica: il 2025 ha visto una nuova ondata di Heels: più inclusiva, aperta a tutte le corporature, e sempre più focalizzata sulla performance cinematografica. 
I video “one shot” in sala prove hanno spopolato. 3. K-pop Dance Cover 2.0: le cover non passano mai di moda, ma ora arrivano in versione “2.0” con inquadrature multiple, tagli stile videoclip, gruppi con outfit identici agli originali. 
Le fandom mantengono questo stile in cima ai trend quasi senza sforzo. 4. Latin Sensual (Bachata e Salsa Fusion): durante il 2025 cresce la popolarità delle coreografie “social-friendly”; meno ...

Ogni 31 dicembre, mentre il mondo si prepara a salutare l’anno trascorso, c’è un’antica tradizione che continua a brillare con la stessa eleganza di sempre: il valzer. Più che un semplice ballo, è un simbolo di rinascita, un invito a entrare nel nuovo anno con passo leggero e spirito gioioso. Nato tra le comunità rurali dell’Europa centrale e poi adottato dall’aristocrazia viennese, il valzer è riuscito a trasformare un ballo popolare in una delle forme più raffinate della danza da sala. Il suo ritmo in tre quarti avvolge i ballerini in un movimento circolare che sembra sospendere il tempo, rendendolo il protagonista ideale delle notti dedicate alla festa. Vienna, con le sue sale sfarzose e la tradizione degli Strauss, ha contribuito a rendere questa danza un’icona della notte di San Silvestro, esportandone il fascino in tutto il mondo. Il valzer è spesso associato alla fortuna e alla prosperità. In molti paesi europei si ritiene che iniziare l’anno “girando” su una pista porti equilibrio e serenità nei mesi futuri. Non sorprende quindi che, allo scoccare della mezzanotte, le prime note a risuonare siano spesso quelle di Sul bel Danubio blu, un vero e proprio inno al nuovo inizio. La danza diventa ...

Il 2025 si è rivelato un anno di straordinaria vitalità per la danza e il balletto a livello globale, confermando il ruolo centrale di quest’arte nel panorama culturale internazionale. Le stagioni dei grandi teatri, i festival e le tournée hanno restituito un’immagine di forte equilibrio tra fedeltà al repertorio classico e spinta verso la sperimentazione contemporanea, con un’attenzione crescente alla multidisciplinarità, al dialogo interculturale e all’innovazione dei linguaggi scenici. Il repertorio classico: continuità, riletture e nuove generazioni Nel corso del 2025 i grandi titoli del balletto classico hanno continuato a occupare un posto di rilievo nei cartelloni dei principali teatri del mondo. Il lago dei cigni, Giselle, La bella addormentata, Don Chisciotte e Lo Schiaccianoci sono stati riproposti da numerose compagnie, spesso in allestimenti rinnovati dal punto di vista scenografico e drammaturgico. Molti direttori artistici hanno scelto di lavorare su nuove letture dei classici, mantenendo intatta la struttura coreografica tradizionale ma aggiornando costumi, luci e dinamiche interpretative. In diversi casi, le produzioni hanno messo in risalto una maggiore profondità psicologica dei personaggi, avvicinando il balletto narrativo alla sensibilità del pubblico contemporaneo. Il 2025 ha anche segnato l’ascesa di una nuova generazione di primi ballerini e ballerine nonché di solisti ed ...

Agrippina Jakovlevna Vaganova (San Pietroburgo, 1879 – Leningrado, 1951) è una delle figure più fondamentali nella storia della danza classica. Ballerina, insegnante e teorica, la sua influenza è talmente profonda che ancora oggi il suo nome è sinonimo di perfezione tecnica e rigore artistico. Figlia di un soldato, Vaganova entrò giovanissima all’Accademia Imperiale di Danza di San Pietroburgo, dove studiò con alcuni dei maestri più importanti dell’epoca. Dopo il diploma, entrò a far parte del Teatro Mariinskij, ma la sua carriera di interprete non fu particolarmente brillante: la sua tecnica e la sua presenza scenica furono a lungo considerate meno spettacolari rispetto a quelle delle grandi stelle del tempo. Tuttavia, proprio in quegli anni Vaganova maturò una sensibilità particolare per la struttura del movimento, l’equilibrio tra forza e grazia, e il legame profondo tra corpo e musica. Quando lasciò la scena per dedicarsi all’insegnamento, rivelò la sua vera vocazione. Negli anni Venti e Trenta, in un’epoca di grandi cambiamenti culturali, Vaganova divenne docente all’Accademia di Ballo del Teatro Kirov (oggi Accademia Vaganova di San Pietroburgo), dove elaborò un metodo sistematico per l’insegnamento della danza classica. Il metodo Vaganova sintetizzava l’eleganza della tradizione francese, la forza e il virtuosismo italiani e ...