Intervista esclusiva al ballerino e pedagogo Gabriel Stoyanov

GABRIEL STOYANOV è un ballerino classico, pedagogo e studioso bulgaro-svizzero, attivo nel panorama internazionale della danza. Nato a Sofia, ha iniziato il suo percorso artistico nella danza fin da bambino, entrando a soli cinque anni nell’ensemble folklorico “Rosna Kitka”, dove ha sviluppato le prime basi di movimento e disciplina artistica. La sua passione per il balletto classico si è accesa all’età di tredici anni, quando ha iniziato un intenso percorso formativo sotto la guida di Krassimira Koldamova, integrando così le radici folkloriche con la tecnica del balletto accademico. Dopo aver completato gli studi presso la National Academy of Music “Pancho Vladigerov” di Sofia, ottenendo il diploma e successivamente il Master in Pedagogia del Balletto, Stoyanov ha ampliato la sua formazione con un dottorato di ricerca (PhD) in Studi artistici – Arti coreografiche presso l’Accademia Vaganova di San Pietroburgo. Nel corso della sua carriera ha lavorato come insegnante, coach e artista ospite in diverse scuole e compagnie, in particolare in Svizzera, dove risiede e insegna, collaborando con istituzioni e centri di danza di alto livello. Stoyanov è noto per il suo approccio integrato alla formazione coreutica, unendo competenze pratiche, pedagogiche e teoriche, e per il suo impegno nella promozione della danza come arte capace di unire discipline artistiche e culture diverse.

Mi parli dei tuoi primi anni nell’ensemble folkloristico “Rosna Kitka”. In che modo quell’esperienza ha influenzato il tuo approccio alla disciplina artistica?
I miei primi anni nell’ensemble folkloristico “Rosna Kitka” sono stati un periodo estremamente formativo per me, sia dal punto di vista artistico che personale. Attraverso la danza popolare ho sviluppato un forte senso del ritmo, della musicalità e una connessione con il movimento che nasce dall’interno, piuttosto che essere costruita artificialmente. Ciò che è stato particolarmente importante è stata l’energia collettiva: danzare come parte di un gruppo, ascoltare gli altri e condividere un’intenzione comune sulla scena. Questo ha creato un naturale senso di responsabilità e concentrazione, in cui la disciplina non era qualcosa di imposto, ma nasceva dal desiderio di essere pienamente presenti e connessi. Questa esperienza mi ha dato un rapporto organico con il movimento, che in seguito si è rivelato estremamente prezioso quando sono entrato nel balletto classico. Ancora oggi mi affido a quel primo senso di musicalità e autenticità, permettendo alla tecnica di servire l’espressione, anziché sostituirla.

A tredici anni hai iniziato a studiare danza classica. Come hai integrato le tue radici folkloristiche con la tecnica accademica? Quali vantaggi hai trovato in questa fusione?
Iniziare la danza classica a tredici anni è stato al tempo stesso una sfida e un’opportunità. Sono entrato in un sistema altamente strutturato e codificato dopo aver vissuto il movimento in modo molto più istintivo e organico attraverso la danza popolare. Piuttosto che considerare questi due mondi separati, ho imparato gradualmente a farli dialogare. La disciplina accademica del balletto mi ha dato chiarezza, precisione e una profonda comprensione della forma, mentre il mio background folkloristico mi ha aiutato a preservare una naturale musicalità, un senso di radicamento e una libertà espressiva. Non dimenticherò mai ciò che mi disse una mia insegnante di lingua e letteratura bulgara dopo avermi visto in scena anni più tardi: “Vedo in te la scuola russa, ma danzi con il fuoco bulgaro.” Per me questa frase descrive perfettamente quel punto d’incontro: la struttura della formazione classica unita ad un’energia interiore e ad un’autenticità che provengono dalle mie radici. Questa fusione ha plasmato la mia identità artistica e mi permette di affrontare la tecnica classica non come qualcosa di rigido, ma come un linguaggio vivo, in cui tecnica ed espressione restano inseparabili.

Hai conseguito un Master in Pedagogia del Balletto e un dottorato in Studi Artistici presso l’Accademia Vaganova. In che modo una formazione accademica così rigorosa ha influenzato la tua pratica scenica e il tuo insegnamento?
La mia formazione accademica presso l’Accademia Vaganova ha avuto un impatto profondo sia sul mio sviluppo artistico che pedagogico. Mi ha dato una comprensione più profonda della logica del movimento: non solo di come si esegue, ma del perché si esegue in un certo modo. Attraverso questo percorso ho iniziato a vedere la tecnica non come un sistema fisso, ma come un linguaggio strutturato e in evoluzione. Questo ha reso la mia pratica scenica più consapevole, precisa e intenzionale, lasciando comunque spazio all’individualità e all’interpretazione. Allo stesso tempo ha modellato il mio approccio all’insegnamento. Cerco di trasmettere non solo l’aspetto fisico del movimento, ma anche la comprensione dei suoi principi — coordinazione, musicalità e relazione tra corpo e intenzione. Questo permette ai danzatori di diventare più autonomi e consapevoli, anziché limitarsi a riprodurre una forma. Per me, la combinazione di pratica e ricerca crea un approccio più completo alla danza, in cui la tradizione è rispettata, ma anche analizzata e compresa in profondità.

Guardando indietro, quali momenti della tua formazione ricordi come fondamentali per il tuo sviluppo artistico?
Ci sono diversi momenti che considero fondamentali, ma soprattutto sono state le transizioni tra ambienti diversi a plasmarmi maggiormente. Il passaggio dalla danza popolare al balletto classico è stato una delle prime esperienze decisive: mi ha costretto a ripensare il mio corpo, la mia coordinazione e la mia concezione del movimento. Successivamente, il periodo trascorso all’Accademia Vaganova mi ha dato una struttura più profonda e una maggiore consapevolezza di ciò che stavo facendo. Un altro periodo molto importante è stato quello al Teatro Bol’šoj. Lavorare in un ambiente dove l’attenzione al dettaglio è estremamente raffinata mi ha insegnato un diverso livello di precisione e responsabilità. Ho incontrato insegnanti incredibilmente esigenti, attenti a ogni sfumatura del movimento. Alcune persone attraversano il tuo percorso, altre invece restano, lasciando un segno duraturo. Quegli incontri hanno formato il mio senso della qualità e continuano a influenzarmi ancora oggi. Ricordo anche momenti in sala in cui qualcosa “scattava” improvvisamente: il movimento diventava più naturale, più connesso, meno forzato. Spesso si trattava di trasformazioni interiori silenziose, più che di risultati visibili, ma hanno cambiato profondamente il mio modo di affrontare la tecnica. Guardando indietro, è proprio questa combinazione di passaggi, incontri e scoperte interiori ad aver costruito gradualmente la mia identità artistica.

Hai lavorato come insegnante, coach e artista ospite in diversi contesti internazionali. Qual è stata finora l’esperienza più significativa e perché?
È difficile individuare una sola esperienza, perché ogni contesto ha contribuito in modo diverso. Tuttavia, i momenti più significativi per me sono sempre stati quelli in cui si crea un vero scambio — non solo esibirsi o insegnare, ma entrare in relazione con culture, mentalità e approcci alla danza differenti. Lavorare a livello internazionale mi ha mostrato quanto diversamente lo stesso linguaggio classico possa essere interpretato. Questo mi ha reso più attento e adattabile, rafforzando allo stesso tempo l’importanza di avere basi solide. Nel mio lavoro cerco sempre di trasmettere il sapere ricevuto dai miei insegnanti e dai miei studi, restando fedele al sistema Vaganova, o scuola russa. Allo stesso tempo, credo sia essenziale rimanere aperti e sensibili alle esigenze individuali di ogni danzatore e di ogni contesto. Per me, le esperienze più significative sono quelle in cui questo equilibrio è possibile: dove la tradizione è rispettata, ma resa viva e attuale attraverso il dialogo e l’adattamento.

Come ti approcci a danzatori provenienti da background culturali e tecnici diversi? Quali sfide e opportunità incontri più spesso?
Quando lavoro con danzatori provenienti da contesti culturali e tecnici diversi, il mio primo approccio è sempre osservare e comprendere. Ogni danzatore porta con sé una storia, una formazione e un modo specifico di relazionarsi al movimento, ed è importante riconoscerlo prima di cercare di modificare o correggere qualcosa. Una delle principali difficoltà è che lo stesso concetto o la stessa correzione possono essere interpretati in modo molto diverso a seconda del background. Ciò che è evidente in un sistema può essere completamente nuovo in un altro. Questo richiede flessibilità nella comunicazione: trovare modi diversi per spiegare, dimostrare e guidare. Allo stesso tempo, questa diversità rappresenta una grande opportunità. Crea un ambiente dinamico in cui emergono qualità differenti — musicalità, precisione, libertà, espressività — e in cui i danzatori possono imparare gli uni dagli altri. Per me, l’obiettivo non è imporre un unico modello, ma costruire un linguaggio comune rispettando l’individualità. In questo modo la tecnica diventa una struttura condivisa, mentre la voce artistica di ciascun danzatore può svilupparsi in modo autentico.

Vivendo e lavorando in Svizzera, quali differenze hai notato tra la scena della danza svizzera e quella di altri Paesi?
Lavorando in Svizzera ho trovato un ambiente molto strutturato e ben organizzato, in cui professionalità e rispetto delle condizioni di lavoro sono altamente valorizzati. Esiste un forte equilibrio tra attività artistica e benessere personale, che crea un contesto stabile e favorevole per i danzatori. Allo stesso tempo, rispetto a Paesi con una tradizione ballettistica più lunga e centralizzata, la scena svizzera appare più diversificata nelle influenze e negli approcci. Questo comporta una certa apertura, ma richiede anche ai danzatori di essere adattabili e versatili. In altri contesti, soprattutto nei sistemi più tradizionali, si riscontra spesso una gerarchia più marcata e un’identità stilistica più definita. Questo può portare ad un altissimo livello di precisione e disciplina, ma talvolta con minore flessibilità. Per me, vivere queste diverse realtà è stato estremamente arricchente. Mi ha permesso di apprezzare sia la struttura sia l’apertura, comprendendo che ogni sistema offre qualcosa di prezioso a seconda di come viene vissuto.

Hai collaborato con molte istituzioni. Qual è la chiave per costruire relazioni professionali solide nel mondo della danza?
Per me, costruire relazioni professionali solide nella danza si basa su fiducia, coerenza e rispetto reciproco. Allo stesso tempo, la danza è un ambiente profondamente umano e soggettivo. Oltre al livello tecnico e alla professionalità, anche la connessione personale e l’affinità artistica giocano un ruolo importante. Il modo in cui si viene percepiti, come si comunica e come ci si integra in un contesto lavorativo può influenzare le opportunità tanto quanto le proprie capacità. Per questo credo sia essenziale rimanere autentici, ma anche consapevoli delle dinamiche di ogni istituzione o compagnia. Essere affidabili, aperti e rispettosi crea una base solida, mentre la sensibilità verso le persone e l’ambiente permette alle relazioni di svilupparsi in modo naturale. In definitiva, le relazioni professionali si costruiscono nel tempo, attraverso esperienze condivise, fiducia e una connessione autentica nel lavoro.

Il tuo approccio integrato combina pratica, pedagogia e teoria. Come si è sviluppato e quali risultati hai osservato nei tuoi studenti?
Questo approccio integrato si è sviluppato in modo naturale attraverso la combinazione tra esperienza scenica, insegnamento e ricerca accademica. Danzando, ho iniziato a interessarmi sempre più non solo a come eseguire il movimento, ma anche a come analizzarlo e trasmetterlo. I miei studi all’Accademia Vaganova mi hanno fornito una solida struttura per collegare pratica e teoria, permettendomi di affrontare la danza in modo più consapevole e organizzato. Nell’insegnamento, questo si traduce spesso nell’incoraggiare i danzatori a pensare, piuttosto che limitarsi a imitare. Ci sono momenti in cui posso sedermi e spiegare un esercizio, e lo studente lo comprende senza bisogno di una dimostrazione fisica costante. Per me questo è fondamentale: non voglio che i danzatori dipendano dalla copia, ma che sviluppino consapevolezza, memoria e capacità di elaborare rapidamente le informazioni. Questo approccio li aiuta a diventare più autonomi e adattabili. Non eseguono soltanto i movimenti, ma li comprendono, acquisendo maggiore sicurezza e flessibilità nei diversi contesti. Allo stesso tempo, resto attento alla dimensione artistica, affinché questa consapevolezza sostenga l’espressione senza limitarla. Il mio obiettivo è formare danzatori tecnicamente solidi e mentalmente partecipi del proprio lavoro.

Quali strumenti consideri essenziali per trasmettere non solo la tecnica, ma anche musicalità ed espressività?
Per me, gli strumenti essenziali sono chiarezza, consapevolezza musicale e intenzione. La tecnica deve essere ben strutturata — coordinazione, posizionamento e tempi — perché costituisce la base. Allo stesso tempo, la musicalità deve essere presente fin dall’inizio, attraverso ritmo, fraseggio e comprensione del rapporto tra movimento e musica. Mi concentro molto anche sull’intenzione: anche i movimenti più semplici devono avere una direzione e uno scopo, che portano naturalmente all’espressione. In definitiva, quando i danzatori comprendono cosa stanno facendo e perché, musicalità ed espressività si sviluppano in modo organico, anziché essere aggiunte artificialmente.

In che modo il tuo ruolo di pedagogo influenza la tua pratica come danzatore o coach?
Il mio ruolo di pedagogo mi rende più consapevole e preciso nella mia pratica come danzatore. Insegnare richiede di analizzare il movimento nel dettaglio, e questo si riflette naturalmente sul lavoro su me stesso. Mi mantiene inoltre costantemente attento ai fondamentali — coordinazione, chiarezza ed efficienza — perché devo spiegarli e dimostrarli regolarmente. Allo stesso tempo, si crea un dialogo continuo tra pratica e riflessione. Ciò che vivo in sala o in scena influisce sul mio insegnamento, e ciò che scopro insegnando influenza il modo in cui affronto il mio lavoro personale. Per me, questi ruoli sono strettamente connessi e si arricchiscono reciprocamente.

Come bilanci disciplina e creatività nel lavoro con i giovani danzatori?
La disciplina fornisce la struttura: crea chiarezza, continuità e senso di responsabilità nel lavoro. Senza di essa, lo sviluppo diventa instabile. Allo stesso tempo, la creatività nasce dallo spazio che si lascia all’interno di questa struttura. Incoraggio i giovani danzatori a rimanere curiosi, a esplorare qualità diverse e a essere coinvolti in ciò che fanno, anziché limitarsi a ripetere i movimenti. L’equilibrio consiste nel guidarli con chiarezza, lasciando però spazio all’espressione individuale. In questo modo, la disciplina sostiene la creatività invece di limitarla.

La danza classica è spesso percepita come tradizionale. Come concili il rispetto del repertorio storico con la sperimentazione e l’innovazione?
Onorare il repertorio classico significa innanzitutto comprenderlo: il suo stile, il contesto e l’intenzione. La tradizione non va affrontata superficialmente, ma con rispetto e conoscenza. Allo stesso tempo, credo che la danza classica sia un’arte viva. Si evolve attraverso l’interpretazione, l’individualità del danzatore e il contesto in cui viene eseguita. In questo senso, innovare non significa necessariamente modificare il materiale, ma portare a esso una maggiore consapevolezza e autenticità. Quando la base è solida, esiste spazio per l’interpretazione senza perdere l’essenza. Per me, si tratta di mantenere questo equilibrio: rispettare la tradizione permettendole di restare viva e attuale.

La tua biografia sottolinea l’impegno nel mettere in relazione discipline e culture diverse. Puoi condividere un progetto concreto che rifletta questa visione?
Questa visione si è sviluppata gradualmente attraverso le mie esperienze in diversi Paesi e contesti artistici, che mi hanno esposto a molteplici approcci alla danza e alla performance. Un esempio concreto è il progetto su cui sto attualmente lavorando: un’iniziativa indipendente che unisce balletto classico, influenze musicali e una prospettiva più contemporanea e interdisciplinare. L’idea è creare uno spazio in cui tradizioni e linguaggi artistici diversi possano convivere, mantenendo però un alto livello di raffinatezza e chiarezza. Parallelamente, attraverso l’insegnamento e i workshop, lavoro spesso con danzatori provenienti da background differenti, creando un dialogo tra sistemi e modalità di pensiero. Questo diventa di per sé una forma di integrazione, in cui le differenze non vengono annullate, ma valorizzate. Per me, questo tipo di lavoro rappresenta la possibilità di costruire ponti tra discipline e culture, restando radicato in una forte identità artistica.

Quali sono le principali sfide che la danza classica deve affrontare oggi?
Una delle principali sfide è mantenere profondità e qualità in un’epoca in cui tutto si muove molto velocemente. Esiste una tendenza verso la rapidità, la visibilità e i risultati immediati, che talvolta vanno a discapito dello sviluppo a lungo termine. La danza classica, invece, richiede tempo, pazienza e costanza. Allo stesso tempo, si pone la questione della rilevanza. È interessante osservare come il pubblico continui a tornare a titoli come Il lago dei cigni, Lo Schiaccianoci o Giselle: questi balletti restano senza tempo e difficilmente diventeranno obsoleti. La sfida, quindi, non è reinventare tutto, ma preservare l’integrità della forma d’arte mantenendola viva attraverso interpretazione, qualità e autenticità.

Come vedi il ruolo della danza oggi nella costruzione di ponti culturali e sociali?
La danza ha una capacità unica di connettere le persone al di là delle differenze linguistiche e culturali. Comunica attraverso il corpo, il movimento e l’emozione, risultando immediatamente accessibile. Nella mia esperienza, lavorando in diversi Paesi e con danzatori di varie provenienze, ho visto come la danza crei un terreno comune. Anche quando i sistemi di formazione o le tradizioni differiscono, esiste sempre una comprensione condivisa attraverso il movimento. Allo stesso tempo, la danza permette di unire influenze diverse — culturali, musicali e artistiche — senza perdere identità. Questo genera dialogo, non divisione. Per me, la danza non è solo una forma d’arte, ma anche uno strumento di connessione e comprensione tra le persone.

C’è una performance o un coreografo che ha influenzato profondamente la tua visione della danza?
Più che un singolo coreografo, la mia visione è stata plasmata da diverse influenze nel tempo. La scuola russa e il metodo Vaganova hanno avuto un impatto forte sulla mia comprensione della struttura e della chiarezza. Allo stesso tempo, alcuni insegnanti e incontri artistici — soprattutto quelli attenti al dettaglio e all’intenzione — hanno lasciato un segno duraturo. È questa combinazione di tradizioni ed esperienze ad aver formato il mio approccio alla danza.

A quali progetti stai lavorando attualmente e quali obiettivi ti poni per i prossimi anni?
Attualmente sto lavorando ad un progetto molto personale, che spero possa prendere forma ed essere condiviso in futuro. Parallelamente, continuo a sviluppare la mia attività a livello internazionale — esibendomi, partecipando a gala e ampliando il mio lavoro didattico attraverso workshop e programmi intensivi. Per i prossimi anni, il mio obiettivo è mantenere questo equilibrio: continuare a esibirmi ad alto livello, approfondendo al contempo la mia direzione artistica e sviluppando collaborazioni significative.

Guardando alla tua carriera, quali momenti consideri decisivi?
Ripensando al mio percorso, i momenti più decisivi sono spesso quelli di transizione — passare da un ambiente all’altro ed essere messo alla prova nell’adattamento. Il passaggio dalla danza popolare al balletto classico, gli studi all’Accademia Vaganova e le esperienze in diverse compagnie sono stati tutti determinanti. Un momento particolarmente importante è stato il mio lavoro con Nina Ananiashvili e la sua decisione di promuovermi a Leading Soloist. Per me non si trattava tanto del titolo, quanto della fiducia che ha riposto in me come artista. Lavorare con figure di questo livello nel mondo del balletto è sempre decisivo: questi incontri lasciano un segno profondo e trasformano la tua comprensione dell’arte.

Quale consiglio daresti a giovani danzatori o pedagoghi che desiderano seguire un percorso simile al tuo?
Direi di rimanere pazienti e costanti nel proprio lavoro. Lo sviluppo nella danza richiede tempo e non esistono scorciatoie. È importante costruire basi solide, ma anche restare aperti a diversi approcci, insegnanti ed esperienze. Ogni contesto può insegnare qualcosa di prezioso. Allo stesso tempo, credo sia fondamentale sviluppare un pensiero indipendente e non basarsi solo sull’imitazione. Comprendere ciò che si fa e perché lo si fa offre molta più libertà nel lungo termine. Infine, rimanere fedeli a sé stessi — sia come artisti sia come persone. È questo che dà senso al lavoro.

Se dovessi definire il significato della danza in tre parole, quali sceglieresti?
Espressione, disciplina e connessione.

Cosa ti motiva ogni giorno a continuare a danzare, insegnare e studiare danza?
La mia motivazione nasce dall’interno. Mi sprono ogni giorno, sapendo che c’è sempre qualcosa che posso migliorare, imparare e approfondire. Allo stesso tempo, le persone con cui lavoro — in sala e in scena — rappresentano una fonte fondamentale di energia e ispirazione.

Michele Olivieri

www.giornaledelladanza.com

© Riproduzione riservata