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La compagnia diretta da Chiara Olivieri chiude il 2026 con nuovi progetti, residenze e collaborazioni internazionali, guardando al 2027. Si apre una nuova fase nel percorso artistico e produttivo di COD, compagnia mantovana diretta dalla coreografa Chiara Olivieri, sempre più impegnata a costruire un’identità produttiva capace di mettere in dialogo la ricerca contemporanea, il territorio e le nuove generazioni di danzatori e coreografi, in confronto con artisti e realtà di rilievo nazionale e internazionale. Il 2026 si avvia alla conclusione con un calendario che riunisce spettacoli, occasioni di incontro e nuove produzioni, mentre prende già forma il programma del 2027, destinato ad aprire un ulteriore capitolo nella storia della compagnia. DIAMOND: TRE SERATE TRA CREAZIONE E TERRITORIO Tra gli appuntamenti conclusivi dell’anno, COD presenta Diamond, un progetto articolato in più momenti e pensato come spazio d’incontro tra la produzione coreografica e la comunità della danza mantovana. Il primo appuntamento è in programma il 13 novembre, alle ore 21, al Teatro Scientifico Bibiena di Mantova, uno dei luoghi simbolo della città. In questa occasione Chiara Olivieri presenterà Gemini, un suo nuovo lavoro su musica originale di Paolo Ugoletti, interpretato da Adele Piscitelli e Zagana Capilupi. Gemini indaga la natura transitoria della ...

Oggi la danza internazionale celebra il compleanno di Laurent Hilaire (Parigi, 8 novembre 1962), figura monumentale della scena tersicorea contemporanea e supremo interprete di quell’inconfondibile magistero stilistico che radica le sue origini nell’alveo dell’Opéra National de Paris. Formatosi alla storica École de Danse parigina, Hilaire ha incarnato fin dai suoi primi passi una sintesi rara di rigore geometrico, nobiltà di portamento e assoluto nitore accademico. La sua rapida ascesa nelle fila del corpo di ballo d’Oltralpe è divenuta materia di leggenda storiografica quando, il 2 novembre 1985, Rudolf Nureyev volle nominarlo étoile sul palcoscenico del Palais Garnier al termine di una trionfale rappresentazione del Lago dei cigni. Quel conferimento diretto, che superava per via gerarchica la consueta trafila istituzionale senza neppure il passaggio intermedio al rango di premier danseur, consacrò non soltanto la nascita di un ballerino di primissimo ordine, ma l’elezione del suo erede spirituale e tecnico di riferimento. Sotto la guida partecipe del coreografo tartaro, Hilaire divenne l’interprete ideale delle riletture nureyeviane, assimilate ed esaltate in virtù di un’atleticità rigorosa piegata a una sensibilità teatrale profonda. La sua carriera si è snodata attraverso le complessità articolate dei grandi classici, da La Bella addormentata a Raymonda, da Don Chisciotte ...

Il canto di Natale è uno dei più iconici racconti che narrano la magica notte divenuta un momento atteso da tutti i popoli e da tutte le culture, laiche o credenti. Anche le marionette della Carlo Colla & Figli hanno raccontato la trasversalità di questo avvenimento e così, dopo gli spettacoli storici La capanna di Betlemme e I nani burloni e dopo il più recente Lo Schiaccianoci, i piccoli attori di legno adottano uno dei racconti più famosi di Charles Dickens (1844) e che è stato spunto per innumerevoli versioni e interpretazioni. La trama non racconta le vicende religiose o le straordinarie situazioni attorno a maghi ed elfi che abitano vicino alla dimora di Papà Natale. Tanto meno parla di situazioni scaturite dalla fantasia di bimbi incantati dal mondo dei balocchi. Il canto di Natale descrive allo stesso tempo le straordinarie “voci” che risuonano in questa notte particolare e gli effetti che possono avere sulla natura umana. Effetti che, se ascoltati, conducono anche il più cinico e avaro animo a un riscatto morale. Mantenendo la struttura pentapartita del racconto le marionette si calano nei panni del vecchio bisbetico imprenditore Ebenezer Scrooge e dei personaggi che attorno a lui si muovono, ...

Con una masterclass tenuta da Kathryn Bradney per gli allievi dei corsi avanzati della ABT Jacqueline Kennedy Onassis School Losanna / New York, novembre 2026 – Il Prix de Lausanne, la serie Studio 5 e la ABT JKO School uniscono le forze in una partnership storica che celebra l’eccellenza della danza. La collaborazione comprende una serata speciale al New York City Center e una masterclass dedicata agli allievi dei corsi avanzati della Jacqueline Kennedy Onassis School dell’American Ballet Theatre, a testimonianza dell’impegno condiviso nel valorizzare l’evoluzione degli ex allievi del Prix de Lausanne. Lunedì 9 novembre 2026, nell’ambito della visita ufficiale del Prix de Lausanne a New York, Kathryn Bradney — interprete di fama internazionale, docente, straordinaria coreografa nonché Direttrice Artistica ed Esecutiva del Prix de Lausanne — modererà il nuovo appuntamento della serie Studio 5 al New York City Center. Questa celebre rassegna offre al pubblico l’opportunità unica di osservare da vicino i migliori artisti della danza mondiale, attraverso esibizioni dal vivo e conversazioni con le figure di spicco del settore. Per l’occasione, Kathryn sarà affiancata da Stella Abrera, già principal dell’ABT e finalista del Prix de Lausanne. Insieme avranno il piacere di impartire una sessione di coaching a ...

Domenica 8 novembre alle ore 08.05 su Rai5, Rai Cultura regala agli appassionati del grande balletto classico un appuntamento imperdibile con l’arte tersicorea di altissimo livello, riproponendo l’emozionante allestimento de La Bella addormentata nel bosco registrato al Teatro alla Scala di Milano nel 2019. L’opera, fondamento imprescindibile del repertorio ottocentesco, prende vita nell’incantevole versione coreografica firmata da Rudolf Nureyev e vede sul celebre palcoscenico milanese una coppia di interpreti d’eccezione: l’étoile internazionale Polina Semionova, magnetica e luminosa nei panni della principessa Aurora, affiancata dal primo ballerino scaligero Timofej Andrijashenko, un Principe Désiré di raffinato vigore ed eleganza stilistica. Ad accompagnare a livello musicale la fiaba ideata da Charles Perrault è la meravigliosa e monumentale partitura di Pëtr Il’ič Čajkovskij, eseguita dall’Orchestra del Teatro alla Scala sotto la direzione sapiente del maestro Felix Korobov. Questo allestimento rappresenta un capitolo fondamentale nella storia del balletto al Teatro alla Scala. La drammaturgia e la coreografia originaria di Marius Petipa fecero il loro storico debutto al Teatro Mariinskij di San Pietroburgo nel 1890, segnando uno dei punti più alti della collaborazione tra il maestro francese e il compositore russo. Alla Scala, l’opera fece il suo primo, storico ingresso nel 1966 proprio grazie al genio ...

Jan Martens, Anne Teresa De Keersmaeker e Christos Papadopoulos protagonisti della prima nazionale al Romaeuropa Festival. Il 10 e 11 novembre, al Teatro dell’Opera di Roma, tre visioni della danza contemporanea si incontrano sulle musiche di Montague, Beethoven e Bach. Tre generazioni della coreografia contemporanea europea, tre differenti poetiche del movimento e un unico grande dialogo tra corpo e musica. Il Romaeuropa Festival, nella sua quarantunesima edizione, si avvia alla conclusione con uno degli appuntamenti più significativi della sua programmazione internazionale: il 10 e 11 novembre, al Teatro Costanzi, arriva Opera Ballet Vlaanderen, prestigiosa compagnia fiamminga, protagonista di un trittico coreografico in prima nazionale realizzato in collaborazione con il Teatro dell’Opera di Roma. Una serata che riunisce tre autori di primo piano della scena coreografica internazionale: Jan Martens, Anne Teresa De Keersmaeker e Christos Papadopoulos. Tre artisti appartenenti a differenti generazioni e accomunati da una ricerca profonda sulle possibilità espressive del corpo, sulla relazione tra movimento e ritmo e sulla capacità della danza di tradurre in linguaggio visivo le architetture della musica. Presentato con il sostegno di Dance Reflections by Van Cleef & Arpels e Flanders State of the Arts, il programma attraversa quasi quattro secoli di storia musicale, dal ...

Nella pedagogia coreutica odiena si assiste ormai da tempo a una progressiva standardizzazione degli ambienti di lavoro, culminata nell’adozione pressoché esclusiva del linoleum — il comune e ubiquo tappeto-danza in PVC. Se è innegabile che l’avvento di queste superfici sintetiche abbia portato indiscutibili benefici in termini di uniformità di attrito, igiene e facilità di manutenzione, è altrettanto vero che questa consuetudine imperante rischia di impoverire, quasi senza che ce ne si accorga, il bagaglio tecnico e sensoriale delle nuove generazioni di danzatori. L’abitudine a lavorare su una risposta meccanica sempre idilliaca e costante tende a privare gli allievi di quell’attitudine plastica a modulare l’appoggio corporeo al variare della superficie sottostante, una qualità che per secoli ha costituito la spina dorsale della formazione accademica. Ripercorrendo la storia della danza, la relazione tra il corpo del ballerino e il palcoscenico è sempre stata mediata da un unico, nobile materiale: il legno. Dai raffinati parquet delle storiche sale d’esercizio ottocentesche fino alle tavole in abete o cirmolo dei più prestigiosi teatri d’opera del mondo, il legno ha rappresentato per decenni non solo un semplice supporto geografico, ma un vero e proprio partner acustico, dinamico e propriocettivo. In quell’epoca non esistevano coperture sintetiche a ...

Michel Fokine fu uno dei più importanti coreografi del balletto del Novecento e una figura centrale nella profonda trasformazione della danza classica. Nato a San Pietroburgo nel 1880, si formò presso il Teatro Imperiale, dove iniziò il proprio percorso artistico come danzatore, per affermarsi successivamente come coreografo innovatore. La sua notorietà internazionale crebbe soprattutto grazie alla collaborazione con i Ballets Russes di Sergej Djagilev, esperienza che gli permise di portare la propria concezione della danza sui più importanti palcoscenici europei. Fokine contribuì in maniera decisiva al rinnovamento del linguaggio coreografico, sostenendo la necessità di superare le convenzioni del balletto accademico tradizionale. Secondo la sua visione, tecnica, musica, scenografia e interpretazione non dovevano essere elementi separati, ma parti di un’unica creazione artistica. La danza, quindi, non doveva ridursi a una successione di passi spettacolari o a una dimostrazione di abilità fisica: il movimento doveva nascere dalla musica, dall’atmosfera e dal significato dell’opera, diventando uno strumento autentico di espressione. Questa concezione innovativa diede origine ad alcune delle opere più celebri della storia del balletto, tra cui L’uccello di fuoco, Petrushka e Les Sylphides. In particolare, quest’ultima rappresenta uno degli esempi più significativi della sua idea di danza. Attraverso Les Sylphides, Fokine volle ...

Per oltre un quarantennio, l’esegesi della danza in Italia ha riconosciuto nella figura di Vittoria Ottolenghi la sua declinazione più alta, nitida e feconda. Figura d’intellettuale di rara statura, la saggista e critica romana non si è limitata a interpretare con acume e rigore le morfologie del gesto e le metamorfosi della scena coreutica: ne ha riscritto il destino sociale, restituendo all’arte del movimento la sua statura di linguaggio universale e pensiero incarnato. Il suo capolavoro d’ingegneria culturale, la celeberrima Maratona d’Estate — palinsesto ed evento corale entusiasmante diffuso dal servizio radiotelevisivo pubblico —, ha rappresentato una frattura epistemologica di portata storica. In un’epoca in cui la grande coreografia restava gelosamente custodita nei templi chiusi e talvolta aristocratici delle fondazioni liriche, Ottolenghi ha compiuto un gesto di autentica e visionaria audacia: scardinare la distanza elitaria per insediare il balletto e la danza contemporanea nel cuore vivo e pulsante del pubblico immaginario, trasformando il piccolo schermo in una grande agorà della bellezza.   Una visione oltre il tempo: la televisione come spazio sacro e popolare La Maratona d’Estate non fu un mero contenitore d’intrattenimento, bensì un manifesto di politica culturale e poetica della visione. Vittoria Ottolenghi comprese prima d’altri la potenza ...

Il linguaggio della tecnica Cunningham si distingue per una concezione del movimento basata sull’autonomia del corpo rispetto alla narrazione e all’espressione emotiva. In questa visione la danza non ha il compito di raccontare una storia o rappresentare uno stato d’animo specifico, ma diventa un’esplorazione delle infinite possibilità del movimento nello spazio e nel tempo. Ogni gesto possiede un valore in sé, indipendentemente da un significato simbolico, e nasce dall’interazione tra precisione tecnica, coordinazione e consapevolezza del corpo. Lo stile della tecnica Cunningham è caratterizzato da grande chiarezza formale, controllo e complessità. Il busto mantiene generalmente una posizione eretta e stabile, mentre braccia e gambe si muovono con estrema indipendenza, dando vita a sequenze articolate che richiedono equilibrio, rapidità e precisione. Cambi improvvisi di direzione, variazioni ritmiche, salti, rotazioni e spostamenti nello spazio si alternano con continuità, creando un movimento dinamico e imprevedibile. La tecnica valorizza la neutralità espressiva del danzatore, privilegiando la qualità dell’esecuzione piuttosto che l’interpretazione drammatica. Un elemento fondamentale del linguaggio Cunningham è il rapporto con lo spazio. Ogni punto della scena può diventare il centro dell’azione, senza una gerarchia prestabilita tra primo piano e sfondo. I danzatori si muovono in tutte le direzioni, costruendo percorsi complessi che ...