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Dall’incontro tra pratica coreografica e pensiero architettonico nasce The Lovely Gears, un’installazione performativa che rappresenta l’esito del percorso che Chiara Bersani – artista associata di Triennale Milano Teatro – ha sviluppato in collaborazione con LAC Lugano Arte e Cultura e gli studenti e le studentesse dell’Accademia di Architettura dell’Università della Svizzera italiana di Mendrisio. Il dialogo tra corpi e spazio trasforma un paesaggio di oggetti, prototipi e strutture in legno in una comunità. Per FOG questa tribù nomade approda a Milano e ricompone un nuovo accampamento, trasformandosi in un’installazione site specific per gli spazi di Triennale. Il pubblico è invitato a entrare in una foresta di ingranaggi e articolazioni, sguardi e cigolii, sospesa tra umano e non umano. Gli studenti e le studentesse, ormai altrove, affidano questo mondo a nuovi abitanti, che possono attraversarlo, sostare, perdersi e ritrovarsi prima della sua prossima migrazione. L’installazione sarà visitabile liberamente sabato 14 novembre negli orari di apertura di Triennale Milano (10.30-20.00) e domenica 15 novembre dalle ore 14.30 alle 20.00. Chiara Bersani è una performer e autrice italiana attiva nell’ambito delle performing arts, del teatro di ricerca e della danza contemporanea. Presentati in circuiti internazionali, i suoi lavori nascono come creazioni in dialogo ...

Dal 15 gennaio al 29 aprile 2027 partirà il tour italiano di FRIDA OPERA MUSICAL prodotto da MIC International Company, spettacolo che vede la firma di Andrea Ortis alla regia e alla drammaturgia, quest’ultima condivisa con Gianmario Pagano. Le musiche e le liriche di Vincenzo Incenzo costituiscono la trama musicale di un ricco allestimento in cui si incontrano linguaggi espressivi differenti: le coreografie di Marco Bebbu, i costumi di Erika Carretta e le scenografie di Gabriele Moreschi concorrono a definire un universo scenico in continua trasformazione, nel quale la realtà storica dialoga con la dimensione visionaria dell’opera di Frida Kahlo. A completare questa architettura teatrale intervengono il disegno luci associato di Valerio Tiberi e Virginio Levrio, quest’ultimo anche Visual designer dell’opera, il disegno sonoro di Francesco Iannotta e la direzione musicale di Elisa Dal Corso. Lo spettacolo nasce con l’esclusiva collaborazione del Museo Frida Kahlo “Casa Azul” e Museo Diego Rivera Anahuacalli di Città del Messico ed è sostenuto dal prestigioso patrocinio dell’Ambasciata del Messico in Italia e dall’Istituto Culturale del Messico in Italia “Tina Modotti”. FRIDA OPERA MUSICAL è un imponente kolossal teatrale che porta sul palcoscenico non soltanto la vita di Frida Kahlo, ma un intero universo storico, ...

Torna la consueta mini-rassegna per famiglie organizzata da DiDstudio per avvicinare le nuove generazioni alla danza e allo spettacolo dal vivo. Tre appuntamenti che anticipano NAOperformingfestival26 (in programma dal 18 al 20 dicembre) che vedrà ospite speciale il coreografo svizzero Gilles Jobin. Il 21, 22 e 29 novembre negli spazi di Fabbrica del Vapore torna miniNAO, rassegna dedicata alle famiglie che come di consueto anticipa il NAOperformingfestival. Promossa da DiDstudio, miniNAO propone spettacoli che uniscono danza, arti visive, ecologia, temi sociali e nuove tecnologie (come l’interazione tra suono, movimento e media digitali) per avvicinare le nuove generazioni allo spettacolo dal vivo e alla sperimentazione pluridisciplinare. I tre spettacoli selezionati per questa edizione affrontano temi legati al diventare grandi, al passaggio dall’infanzia all’età adulta e alle emozioni che caratterizzano questo delicato e meraviglioso momento della vita. Si apre sabato 21 novembre con Cappuccetto Rosso. C’era una volta il lupo e la fanciulla di Compagnia Atacama, spettacolo per tutte le età che si ispira a una delle fiabe europee più conosciute al mondo. Lasciare il mondo luminoso e sicuro del villaggio per andare in quello oscuro e insidioso della foresta è qui metafora del percorso che ogni individuo deve affrontare per crescere, ...

Nel panorama della danza del Novecento, pochi titoli segnano uno spartiacque netto e irreversibile come Agon, nato dalla stretta e monumentale collaborazione tra Igor’ Stravinskij e George Balanchine. Questo balletto rappresenta l’apice del neoclassicismo e la definitiva consacrazione della danza astratta, un capolavoro in cui la musica non si limita ad accompagnare il movimento, ma diventa la struttura stessa del gesto. La genesi dell’opera si colloca tra il 1953 e il 1957, anno del suo debutto assoluto, quando la fondazione Lincoln Kirstein commissionò la partitura per il New York City Ballet con l’intento di completare una trilogia di ispirazione greca iniziata con Apollo nel 1928 e proseguita con Orpheus nel 1948. Se nei primi due titoli il richiamo al mito ellenico manteneva un filo narrativo chiaro, con Agon — dal termine greco che significa competizione o sfida — la coppia d’artisti spoglia la scena da ogni residuo aneddotico, evocando sia la gara atletico-ritmica tra i danzatori sul palcoscenico, sia il serrato confronto dialettico tra il linguaggio musicale e quello corporeo. Dal punto di vista compositivo, la partitura segna una transizione cruciale per Stravinskij, che dall’impostazione neoclassica legata ai modi rinascimentali approdò, nel corso della stesura, alla tecnica dodecafonica e seriale ...

Siamo abituati a pensare all’arte coreutica come a uno spettacolo da fruire in teatro o a una tecnica riservata a pochi eletti. Ma se ci ostiniamo a considerarla un esercizio estetico o peggio un passatempo, perdiamo la risposta a una domanda fondamentale: che cosa fa, concretamente, la danza per chi la pratica e di riflesso per la società? Danzare non modella soltanto i corpi, modella i sistemi di pensiero e la qualità della nostra presenza nel mondo. Rimette il corpo al centro dell’esperienza  umana e ridà il senso della fisicità. Insegna a sentire il peso, l’equilibrio, la gravità e la fatica. Riscoprire il movimento coordinato significa riaccendere quel legame tra percezione sensoriale e pensiero che la vita odierna tende a spegnere. La danza insegna il valore del tempo e del processo. In sala si comprende profondamente un concetto che appare banale, ma non lo è: nulla di davvero importante si ottiene per caso. La grazia, la pulizia tecnica e la forza non sono doni della natura, ma l’esito di una disciplina costante e appassionata. Si impara a gestire la frustrazione, ad accettare che i risultati richiedono tempo e cura. La danza necessita di un livello di elaborazione cognitiva straordinario. Non ...

Nel vasto e spesso rumoroso universo della danza, dove la gloria si misura solitamente in applausi accecanti alla ribalta, in recensioni o nella sfolgorante geometria di un arabesque immortalato dai riflettori, esistono figure che scelgono la via opposta. Scelgono l’ascolto, la tutela rigorosa, la custodia silenziosa della memoria e della continuità. Nel mosaico complesso e monumentale legato al nome di Maurice Béjart, Marie-Thérèse Jaccard ha incarnato per decenni esattamente questo: un punto di riferimento incrollabile, una presenza imprescindibile capace di agire dietro le quinte con la stessa grazia e precisione con cui un ballerino cesella il proprio passo d’addio. Quando si pronuncia il nome di Maurice Béjart, la mente corre immediatamente alla deflagrazione visiva e sensoriale del Boléro, alla tensione della Sagra della Primavera, alla grandiosità metafisica della Nona Sinfonia o alla spiritualità laica che ha ridefinito la danza del Novecento. Ma dietro la macchina da presa di questo titanico teatro della mente e del corpo, c’era un’architettura amministrativa, istituzionale e umana che necessitava di polso fermo, dedizione assoluta e profonda intelligenza culturale. Marie-Thérèse Jaccard è stata molto più di una segretaria di fondazione o di una collaboratrice amministrativa vicina al maestro e, successivamente, al Béjart Ballet Lausanne con Gil Roman ...

Michel Fokine fu uno dei più importanti coreografi del balletto del Novecento e una figura centrale nella profonda trasformazione della danza classica. Nato a San Pietroburgo nel 1880, si formò presso il Teatro Imperiale, dove iniziò il proprio percorso artistico come danzatore, per affermarsi successivamente come coreografo innovatore. La sua notorietà internazionale crebbe soprattutto grazie alla collaborazione con i Ballets Russes di Sergej Djagilev, esperienza che gli permise di portare la propria concezione della danza sui più importanti palcoscenici europei. Fokine contribuì in maniera decisiva al rinnovamento del linguaggio coreografico, sostenendo la necessità di superare le convenzioni del balletto accademico tradizionale. Secondo la sua visione, tecnica, musica, scenografia e interpretazione non dovevano essere elementi separati, ma parti di un’unica creazione artistica. La danza, quindi, non doveva ridursi a una successione di passi spettacolari o a una dimostrazione di abilità fisica: il movimento doveva nascere dalla musica, dall’atmosfera e dal significato dell’opera, diventando uno strumento autentico di espressione. Questa concezione innovativa diede origine ad alcune delle opere più celebri della storia del balletto, tra cui L’uccello di fuoco, Petrushka e Les Sylphides. In particolare, quest’ultima rappresenta uno degli esempi più significativi della sua idea di danza. Attraverso Les Sylphides, Fokine volle ...

Per oltre un quarantennio, l’esegesi della danza in Italia ha riconosciuto nella figura di Vittoria Ottolenghi la sua declinazione più alta, nitida e feconda. Figura d’intellettuale di rara statura, la saggista e critica romana non si è limitata a interpretare con acume e rigore le morfologie del gesto e le metamorfosi della scena coreutica: ne ha riscritto il destino sociale, restituendo all’arte del movimento la sua statura di linguaggio universale e pensiero incarnato. Il suo capolavoro d’ingegneria culturale, la celeberrima Maratona d’Estate — palinsesto ed evento corale entusiasmante diffuso dal servizio radiotelevisivo pubblico —, ha rappresentato una frattura epistemologica di portata storica. In un’epoca in cui la grande coreografia restava gelosamente custodita nei templi chiusi e talvolta aristocratici delle fondazioni liriche, Ottolenghi ha compiuto un gesto di autentica e visionaria audacia: scardinare la distanza elitaria per insediare il balletto e la danza contemporanea nel cuore vivo e pulsante del pubblico immaginario, trasformando il piccolo schermo in una grande agorà della bellezza.   Una visione oltre il tempo: la televisione come spazio sacro e popolare La Maratona d’Estate non fu un mero contenitore d’intrattenimento, bensì un manifesto di politica culturale e poetica della visione. Vittoria Ottolenghi comprese prima d’altri la potenza ...

Il linguaggio della tecnica Cunningham si distingue per una concezione del movimento basata sull’autonomia del corpo rispetto alla narrazione e all’espressione emotiva. In questa visione la danza non ha il compito di raccontare una storia o rappresentare uno stato d’animo specifico, ma diventa un’esplorazione delle infinite possibilità del movimento nello spazio e nel tempo. Ogni gesto possiede un valore in sé, indipendentemente da un significato simbolico, e nasce dall’interazione tra precisione tecnica, coordinazione e consapevolezza del corpo. Lo stile della tecnica Cunningham è caratterizzato da grande chiarezza formale, controllo e complessità. Il busto mantiene generalmente una posizione eretta e stabile, mentre braccia e gambe si muovono con estrema indipendenza, dando vita a sequenze articolate che richiedono equilibrio, rapidità e precisione. Cambi improvvisi di direzione, variazioni ritmiche, salti, rotazioni e spostamenti nello spazio si alternano con continuità, creando un movimento dinamico e imprevedibile. La tecnica valorizza la neutralità espressiva del danzatore, privilegiando la qualità dell’esecuzione piuttosto che l’interpretazione drammatica. Un elemento fondamentale del linguaggio Cunningham è il rapporto con lo spazio. Ogni punto della scena può diventare il centro dell’azione, senza una gerarchia prestabilita tra primo piano e sfondo. I danzatori si muovono in tutte le direzioni, costruendo percorsi complessi che ...

Nel giorno dell’anniversario della sua nascita, il ricordo di una pioniera che trasformò un sogno in una delle più grandi tradizioni coreutiche del Novecento. Il 6 giugno 1898 nasceva a Baltyboys, nella contea di Wicklow in Irlanda, una bambina destinata a cambiare per sempre la storia della danza. Il suo nome era Edris Stannus, ma il mondo l’avrebbe conosciuta come Ninette de Valois: ballerina, coreografa, pedagoga, visionaria. Una donna che non si limitò a interpretare il balletto, ma ne costruì le fondamenta di una nuova identità nazionale. Quando Ninette iniziò a studiare danza nei primi anni del Novecento, la Gran Bretagna non possedeva una tradizione classica paragonabile a quella francese, russa o italiana. Il balletto era considerato soprattutto un’arte d’importazione. Fu proprio questa assenza a suggerirle una missione che avrebbe occupato tutta la sua vita: creare una scuola inglese, una compagnia inglese e un repertorio inglese. Dopo gli esordi sulle scene londinesi, entrò a far parte dei leggendari Ballets Russes di Serge Diaghilev, la più rivoluzionaria compagnia del secolo. Fu un’esperienza determinante. Lavorando accanto a figure come Léonide Massine e Bronislava Nijinska, comprese che il balletto non era soltanto tecnica, ma anche organizzazione, cultura, educazione e visione artistica. Negli anni ...