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Due nuove creazioni, due percorsi artistici profondamente differenti ma accomunati da una stessa ricerca: quella di un dialogo costante tra musica e movimento. È con questa doppia proposta che Roberto Zappalà e la Compagnia Zappalà Danza saranno protagonisti di una personale all’interno di OperaEstate Festival Veneto, portando in scena al Teatro al Castello “Tito Gobbi” di Bassano del Grappa due lavori che confermano la maturità di uno dei più autorevoli coreografi della scena contemporanea italiana. Il primo appuntamento, in programma il 7 agosto, è Brother to Brother – Dall’Etna al Fuji, una creazione che nasce dall’incontro ideale tra due montagne simbolo: l’Etna e il Monte Fuji. Due vulcani, due culture, due identità lontane geograficamente ma accomunate dalla forza primordiale della natura e dal valore spirituale che entrambe rivestono per le rispettive comunità. Zappalà costruisce così un ponte artistico tra Sicilia e Giappone, trasformando il paesaggio naturale in una metafora del dialogo tra popoli. Fondamentale è la presenza dei Munedaiko, maestri del tradizionale tamburo giapponese taiko, la cui esecuzione dal vivo non rappresenta un semplice accompagnamento musicale, ma diventa parte integrante della coreografia. Il ritmo incessante delle percussioni attraversa i corpi dei danzatori, dando vita a un flusso continuo di energia ...

La ricerca di Steve Paxton non si è limitata a creare un nuovo linguaggio coreografico, ma ha ridefinito il concetto di movimento, restituendo al gesto quotidiano una dignità poetica e al corpo una sorprendente libertà espressiva. La sua arte è sempre stata lontana dalla spettacolarità fine a sé stessa: essenziale, rigorosa, silenziosa, e proprio per questo capace di aprire orizzonti inattesi. Nel lavoro di Paxton il corpo non cerca di imporsi sullo spazio, ma di ascoltarlo. Ogni movimento nasce dall’osservazione delle leggi fisiche che regolano peso, equilibrio, gravità e slancio. La danza smette così di essere una successione di forme prestabilite e diventa un processo in continua evoluzione, un dialogo tra il danzatore e ciò che accade nell’istante presente. L’improvvisazione non rappresenta un’eccezione alla coreografia, ma ne diventa il cuore pulsante: un esercizio di attenzione, disponibilità e fiducia. Questa visione ha trovato la sua espressione più celebre nella Contact Improvisation, pratica che ha rivoluzionato il rapporto tra i corpi in movimento. Attraverso il contatto fisico, i partner condividono il peso, seguono l’energia reciproca e costruiscono insieme una danza che non può essere completamente prevista. Non esiste un leader, né un interprete che domina l’altro; esiste piuttosto una continua negoziazione, fatta ...

Nello scenario attuale, la danza rappresenta una delle poche discipline capaci di restituire valore al tempo, all’attesa e alla costruzione paziente del talento. Non è soltanto un linguaggio artistico, né esclusivamente una forma di spettacolo: è un percorso educativo che modella il carattere prima ancora della tecnica. Chi entra in una sala danza scopre presto che il movimento perfetto non nasce dall’ispirazione, ma dalla ripetizione. Dietro ogni gesto che appare naturale si nascondono ore di studio, correzioni, cadute e ripartenze. È qui che prende forma uno dei più grandi insegnamenti della danza: comprendere che l’eccellenza non è un dono, ma una conquista quotidiana. In un’epoca dominata dalla cultura dell’immediatezza, la danza custodisce una virtù quasi rivoluzionaria: la pazienza. Educa a rimandare la gratificazione, ad accettare che la crescita abbia bisogno di tempo e che ogni progresso sia il risultato di un lavoro silenzioso, spesso invisibile agli occhi degli altri. È una lezione che supera il confine della sala prove e diventa una competenza preziosa per affrontare qualsiasi percorso di vita. Ma la danza non costruisce soltanto ballerini più preparati. Costruisce persone più consapevoli. La disciplina richiesta da una lezione non coincide con la rigidità, bensì con il rispetto: degli orari, ...

Dal 10 al 28 agosto 2026 il danzatore e coreografo Aristide Rontini sarà in residenza creativa presso Introdans, ad Arnhem, nei Paesi Bassi, per la realizzazione di Skins In Between, nuova produzione commissionata dalla prestigiosa compagnia olandese, da oltre cinquant’anni punto di riferimento della danza contemporanea europea. La residenza rappresenta una fase decisiva del processo creativo dell’opera. Nel corso delle tre settimane di lavoro, Rontini svilupperà la ricerca coreografica direttamente in sala prove, confrontandosi con i danzatori di Introdans e costruendo il linguaggio scenico della nuova creazione attraverso un dialogo costante tra movimento, interpretazione e sperimentazione. Un percorso che consentirà di dare forma a una coreografia pensata appositamente per gli interpreti della compagnia, valorizzandone le qualità tecniche ed espressive. Skins In Between nasce come un’indagine sul corpo e sulle relazioni, esplorando gli spazi di confine tra identità individuale e collettiva, tra ciò che si mostra e ciò che rimane nascosto. Il titolo richiama l’idea di “pelli” e di superfici che separano ma, allo stesso tempo, mettono in contatto, suggerendo una riflessione sulla trasformazione, sulla vulnerabilità e sulla continua negoziazione dell’essere con l’altro. La ricerca coreografica si sviluppa così attraverso un linguaggio fisico intenso, in cui gesto, contatto e dinamica diventano ...

Sabato 8 agosto 2026 l’Open Air Stage di Orsolina28 Art Foundation ospiterà una serata dedicata alla danza contemporanea, in cui la ricerca coreografica internazionale dialogherà con l’eredità di uno dei più grandi maestri del Novecento, Maurice Béjart. Ad aprire la serata saranno i giovani danzatori del programma Intensive dedicato a Maurice Béjart. La performance rappresenta la restituzione pubblica del percorso di studio svolto durante la settimana di formazione a Orsolina28, offrendo al pubblico l’opportunità di assistere al lavoro sviluppato dagli allievi sul repertorio del grande coreografo. Sul palco si esibiranno gli studenti del corso intensivo sotto la guida di Julien Favreau, Direttore Artistico del Béjart Ballet Lausanne, affiancato da Elisabet Ros e Juichi Kobayashi. Un’occasione per osservare da vicino la trasmissione viva del repertorio, della tecnica e della visione artistica di Maurice Béjart alle nuove generazioni di interpreti. A seguire, protagonista della serata sarà la compagnia Small Axe AMKE, fondata nel 2015 dai coreografi Danae & Dionysos, duo artistico che opera tra Grecia e Filippine. Durante la residenza artistica ospitata da Orsolina28 dal 19 luglio al 9 agosto 2026, i due artisti stanno sviluppando Δράκος – Hymn of Decay, una nuova creazione che esplora la dimensione più autentica dell’essere umano ...

L’acconciatura a bandeaux rappresentò uno degli elementi più distintivi dell’estetica delle ballerine dell’Ottocento, contribuendo a definire un’immagine di grazia, disciplina e armonia che andava ben oltre il semplice aspetto decorativo. Il termine francese bandeaux indica le ciocche di capelli accuratamente lisciate ai lati del volto, separate da una scriminatura centrale e fatte aderire alle tempie con estrema precisione. Dietro la nuca, i capelli venivano raccolti in uno chignon compatto, spesso fissato con forcine, nastri o sottili retine. Questa pettinatura rispondeva sia a esigenze pratiche sia a precisi canoni estetici. Durante gli spettacoli era fondamentale mantenere il volto completamente libero, evitando che i capelli interferissero con i movimenti o alterassero la pulizia delle linee del corpo. Allo stesso tempo, il bandeaux conferiva al viso un senso di equilibrio e di compostezza, enfatizzando l’espressività dello sguardo e la purezza del profilo, qualità particolarmente apprezzate nel balletto romantico. L’affermazione di questa acconciatura coincise con il periodo d’oro del balletto romantico, quando figure come le celebri étoile dei principali teatri europei contribuirono a diffondere un ideale femminile etereo e raffinato. Le immagini conservate nei dipinti, nelle incisioni e nelle prime fotografie testimoniano come il bandeaux fosse ormai parte integrante dell’identità visiva della ballerina, insieme ...

La danza diventa memoria, la musica si trasforma in racconto e il teatro restituisce voce a due protagoniste assolute della cultura italiana. È questo il cuore di “Deledda e Duse – La rivoluzione silenziosa”, la nuova produzione firmata da Mvula Sungani ed Emanuela Bianchini, che debutta in prima nazionale il 5 agosto a San Giovanni di Sinis, nell’ambito della rassegna I Giganti dell’Arte 2026 – Penisola del Sinis, promossa dalla Fondazione Mont’e Prama. Lo spettacolo rappresenta l’evento centrale delle celebrazioni dedicate al centenario del Premio Nobel per la Letteratura conferito a Grazia Deledda nel 1926, un anniversario che assume oggi un significato ancora più profondo. La scrittrice sarda non viene infatti celebrata soltanto come prima donna italiana insignita del Nobel, ma come figura straordinariamente moderna, capace di anticipare, con la propria esistenza e la propria opera, temi che appartengono pienamente al nostro presente: l’emancipazione femminile, la libertà individuale e il valore della cultura come strumento di trasformazione sociale. L’originalità del progetto risiede proprio nella scelta di mettere in relazione la figura di Grazia Deledda con quella di Eleonora Duse, due artiste apparentemente lontane ma accomunate da una rivoluzione silenziosa. La prima attraverso la scrittura, la seconda attraverso una recitazione che ...

L’Idolo d’Oro è un personaggio solista del terzo atto de La Bayadère, inserito nella scena del divertissement che segue il matrimonio di Solor con Gamzatti. Affidato generalmente a un danzatore uomo di spicco della compagnia, è un ruolo di grande virtuosismo che rappresenta una divinità dorata: una statua sacra che prende vita sul palcoscenico. Privo di un vero sviluppo narrativo, come quello dei protagonisti Solor, Nikiya e Gamzatti, l’Idolo d’Oro è soprattutto un momento di pura esaltazione tecnica e simbolica. La sua variazione, breve ma spettacolare, trasforma il corpo del danzatore in un’immagine di forza, perfezione e magnificenza, incarnando lo splendore della divinità attraverso una danza brillante e imponente. La coreografia condensa molti elementi dello stile del balletto classico ottocentesco: virtuosismo maschile, eleganza, teatralità e gusto per il meraviglioso. Salti, batterie, giri e pose scultoree richiedono grande preparazione tecnica, oltre a una presenza scenica capace di comunicare regalità e potenza. Difficoltà tecniche principali: Salti e batterie: richiedono elevazione, rapidità dei piedi e precisione ritmica, mantenendo leggerezza e brillantezza nell’esecuzione. Giri: necessitano di un forte controllo del centro, stabilità dell’asse e capacità di mantenere una linea pulita anche nelle combinazioni più rapide. Forza e resistenza: nonostante la durata contenuta, la variazione è ...

Il Teatro Rossini di Pesaro riapre le sue porte alla danza con una stagione che conferma la centralità della città marchigiana nel panorama coreutico italiano. La Stagione Danza 2026/2027, promossa dal Comune di Pesaro e da AMAT con il contributo della Regione Marche e del Ministero della Cultura, propone un cartellone ricco e articolato che, da novembre 2026 a maggio 2027, attraversa il repertorio classico, la creazione contemporanea e la formazione d’eccellenza, offrendo al pubblico sette appuntamenti di alto profilo, di cui cinque in abbonamento e due fuori abbonamento. La nuova stagione si distingue per una programmazione capace di mettere in dialogo compagnie internazionali, grandi coreografi, interpreti affermati e giovani talenti, confermando il Teatro Rossini come uno dei luoghi privilegiati per la diffusione della cultura della danza in Italia. Un percorso che alterna ricerca e tradizione, sperimentazione e repertorio, con particolare attenzione alla qualità artistica e alla pluralità dei linguaggi espressivi. Ad aprire il cartellone, il 6 novembre, sarà ResExtensa Dance Company con Dittico delle Radici, progetto ideato e diretto da Elisa Barucchieri. Lo spettacolo riunisce due creazioni, Mors ed Wolf Spider, firmate rispettivamente da Elisa Barucchieri e dal collettivo composto da Moreno Guadalupi, Mattia Russo e Antonio De Rosa, ...

Nel panorama della danza contemporanea Heinz Spoerli occupa un posto singolare, quello di un artista capace di unire la purezza della forma classica alla libertà espressiva del movimento moderno. La sua arte nasce da un profondo rispetto per la tradizione, ma non si limita mai alla conservazione: ogni gesto, ogni linea del corpo, ogni relazione nello spazio diventa per lui un’occasione per rivelare una nuova sensibilità. La danza, nelle sue creazioni, non è soltanto tecnica o virtuosismo, ma un linguaggio poetico in cui disciplina e immaginazione convivono con straordinaria armonia. Il tratto distintivo della coreografia di Spoerli risiede nella capacità di trasformare la precisione accademica in emozione pura. Il corpo del danzatore, educato attraverso un rigoroso controllo, non appare mai prigioniero della forma, ma al contrario sembra trovare nella regola una possibilità di libertà. Le sue composizioni sono caratterizzate da una musicalità raffinata, da un’attenzione quasi architettonica alle geometrie del movimento e da una continua ricerca dell’equilibrio tra individuo e insieme. Nei suoi lavori il balletto diventa un tessuto vivo, dove ogni interprete contribuisce alla costruzione di un’immagine collettiva senza perdere la propria identità. La grandezza di Spoerli emerge anche nel modo in cui ha saputo guardare ai capolavori della ...