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Il balletto La Passione secondo Matteo, creato da John Neumeier nel 1981, rappresenta una delle più alte e complesse sintesi tra musica sacra, riflessione teologica e linguaggio coreografico contemporaneo. Fondato sulla monumentale partitura della Passione secondo Matteo di Johann Sebastian Bach, questo lavoro si colloca in una dimensione artistica che travalica i confini del balletto narrativo tradizionale, assumendo i tratti di una meditazione scenica sul mistero della Passione di Cristo. Neumeier, figura centrale del teatro-danza europeo e direttore per lungo tempo dell’Hamburg Ballet, affronta qui una sfida tanto audace quanto delicata: tradurre in movimento un’opera musicale profondamente intrisa di spiritualità luterana, senza tradirne la densità simbolica né ridurla a mera illustrazione. La genesi dell’opera si inscrive nel contesto di una ricerca artistica che, negli anni Settanta e Ottanta, vede Neumeier impegnato a esplorare il rapporto tra danza e grandi strutture musicali. La scelta della Passione secondo Matteo non è casuale: si tratta di una composizione che già in sé contiene una potente dimensione drammaturgica, articolata attraverso recitativi, arie e cori che narrano e commentano gli eventi evangelici. Neumeier coglie questa struttura polifonica e la traduce in una pluralità di livelli scenici, nei quali il tempo storico della vicenda di Cristo ...

La Pasqua, pur essendo una festività profondamente radicata nella tradizione cristiana, si esprime nel mondo attraverso una sorprendente varietà di linguaggi culturali, e tra questi la danza occupa un posto privilegiato, capace di trasformare il significato spirituale della ricorrenza in gesto, ritmo e movimento condiviso. In molte comunità, il ballo diventa una forma di narrazione collettiva, un modo per celebrare la rinascita, la speranza e il rinnovamento che la Pasqua simboleggia, fondendo elementi religiosi e tradizioni popolari in un’unica esperienza partecipata. Nell’Europa orientale, ad esempio, le danze pasquali si intrecciano con antichi rituali primaverili. Nei villaggi, gruppi di giovani si riuniscono nelle piazze o nei cortili delle chiese per eseguire balli circolari, spesso accompagnati da canti corali che evocano la fertilità della terra e il ritorno della vita dopo l’inverno. I passi sono semplici ma carichi di significato: il cerchio rappresenta l’eternità e la continuità, mentre i movimenti sincronizzati rafforzano il senso di comunità. In alcuni casi, i danzatori indossano abiti tradizionali ricamati, i cui colori vivaci richiamano la natura che rifiorisce. Spostandosi verso il Mediterraneo, la Pasqua assume tonalità più teatrali e intense. In alcune regioni, le celebrazioni includono processioni solenni che, una volta concluse, lasciano spazio a momenti ...

Tornare a vedere la Scuola di Ballo dell’Accademia del Teatro alla Scala sul suo palcoscenico naturale significa, ogni volta, confrontarsi con una tradizione che non è mai semplice memoria, ma materia viva. In quella sala che ha visto passare generazioni di artisti e che continua a rappresentare un punto di riferimento per la danza europea, l’impressione più forte è stata ancora una volta quella di assistere a un passaggio di testimone: giovani interpreti che, pur non ancora diplomati, si misurano con una responsabilità artistica autentica, sostenuti da una struttura didattica solida e da una direzione consapevole come quella di Frédéric Olivieri. La serata si è aperta con la Presentazione, una creazione dello stesso Olivieri costruita sulle Études di Czerny, quasi un manifesto pedagogico tradotto in forma scenica. Non si trattava semplicemente di una successione di esercizi coreografati, ma di un racconto organico della crescita, in cui i corpi più piccoli e ancora acerbi dialogavano idealmente con quelli già prossimi alla maturità. C’era qualcosa di tenero e profondamente umano nel vedere i primi corsi affrontare con concentrazione quasi solenne i loro passaggi, mentre i più grandi restituivano con naturalezza una complessità ormai assimilata. Qui si coglie con chiarezza il senso della ...

Pierre Lacotte (Chatou, 4 aprile 1932 – La Seyne-sur-Mer, 10 aprile 2023) si impone come una delle figure più rilevanti e singolari nella storia della danza del XX e XXI secolo, non soltanto per il suo contributo come interprete e coreografo, ma soprattutto per il ruolo, raro e prezioso, di archeologo del balletto. La sua opera si inscrive in quella zona di confine in cui la memoria artistica, fragile e spesso incompleta, viene ricostruita con rigore filologico e insieme restituita alla scena con vitalità contemporanea. In questo senso, Lacotte ha trasformato il passato in una materia viva, sottraendolo al destino di reliquia e restituendolo alla continuità del repertorio. Formatosi all’Opéra di Parigi, Lacotte entra giovanissimo in contatto con la grande tradizione del balletto classico francese, erede diretta di una linea che affonda le proprie radici nel Seicento e che trova nel XIX secolo il suo momento di massimo splendore. Tuttavia, ciò che distingue fin da subito la sua traiettoria è una curiosità intellettuale che eccede la semplice pratica esecutiva: egli si interessa agli archivi, ai documenti, alle notazioni coreografiche, ai bozzetti scenografici, sviluppando una sensibilità storica che lo condurrà a intraprendere un percorso del tutto peculiare nel panorama coreutico. In ...

Nel 2024 TAO Dance Theater ha creato due nuove opere, 16 e 17, della Numerical Series. Questi due imperdibili lavori, in scena al Teatro Ponchielli giovedì 9 aprile (ore 20.30), puntano ad uno studio più approfondito del movimento del corpo, ampliando ulteriormente la ricchezza della Tecnica del movimento circolare ed esplorando la pratica della somaestetica orientale. Partendo dall’immagine di “seguire la sua inerzia”, le opere creano infinite possibilità di “flusso istantaneo”. Le due opere portano la firma di Tao Dance Theater, la Compagnia cinese fondata da Tao Ye, Duan Ni, Leone d’argento alla Biennale di Venezia 2023. 16 è il quindicesimo lavoro della serie numerica ed è ispirata ai giochi Dragon Dance e Snake. 16 danzatori sono connessi e disposti in linea. Fluendo, girando e marciando, le fluttuazioni di energia tra i danzatori sono trasmesse avanti e indietro dall’inizio alla fine, in un uso dinamico dello spazio. Esplorando il movimento, il lavoro sviluppa linguaggi e possibilità di movimento del corpo. Favorisce uno spazio circolare per il movimento a 360 gradi della testa. Nello spazio sono disegnati cerchi di forme diverse. Il corpo del danzatore si muove come un drago. Il piccolo spazio creato dalla testa in 16 presenta un corpo ...

Lo spettacolo annuale della Scuola di Danza dell’Opéra di Parigi, diretta da Élisabeth Platel, permette agli allievi di vivere le loro prime esperienze sul palcoscenico e al pubblico di scoprire la ricchezza del vocabolario coreografico insegnato. In questa stagione, lo spettacolo è segnato da una creazione di Clairemarie Osta, Il Piccolo Principe, ispirata al racconto poetico di Antoine de Saint-Exupéry. Brio, grazia e leggerezza sono alcune delle qualità richieste dal linguaggio classico di Soir de fête, balletto di Léo Staats creato nel 1925 all’Opéra. Infine, Yondering, concepito appositamente da John Neumeier nel 1996 per allievi alla fine degli studi, si ispira allo spirito d’avventura dei pionieri americani alla conquista dell’Ovest per evocare l’ignoto verso cui si dirigeranno gli studenti all’alba dell’inizio della loro carriera professionale. Élisabeth Platel inizia a studiare danza al Conservatorio di Saint-Germain-en-Laye, per poi entrare al Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris. Ne esce nel 1975 con un Premier Prix, che le apre le porte della Scuola di Danza dell’Opéra di Parigi. Ingaggiata l’anno successivo nel Corpo di Ballo, viene promossa Première danseuse nel 1979. Al termine della sua prima interpretazione di Giselle – il 23 dicembre 1981 – Élisabeth Platel viene nominata ...

Atlantic Ballet Atlantique Canada (ABAC), una delle compagnie di danza contemporanea più importanti del Canada, ha annunciato le audizioni per la stagione artistica 2026-2027. La ricerca è rivolta a danzatori e danzatrici con una solida tecnica classica e un alto livello di abilità artistica e tecnica. Il livello richiesto è da solista, con particolare attenzione alla versatilità: i candidati dovranno essere in grado di adattarsi a nuovi stili e a diversi tipi di coreografie. Poiché la compagnia si concentra principalmente sulle nuove opere, i danzatori che sono aperti e adattabili a stili e movimenti diversi troveranno un ambiente creativo ideale. Sotto la direzione artistica di Igor Dobrovolskiy, Atlantic Ballet Atlantique Canada è conosciuta per il suo approccio audace e moderno al balletto classico. La visione della compagnia si concentra su nuove creazioni, e offre spettacoli innovativi che fondono tecnica tradizionale e danza  contemporanea. I danzatori interessati sono invitati a indirizzare la loro candidatura al Sig. Igor Dobrovolskiy, Direttore Artistico, all’indirizzo operations@atlanticballet.ca, includendo CV, foto attuali e un link web che mostri i loro lavori recenti. INFO www.atlanticballet.ca Redazione www.giornaledelladanza.com © Riproduzione riservata

Dopo l’avvio della nuova stagione artistica 2026 in Friuli, Puglia e Abruzzo, Mandala Dance Company – diretta dalla coreografa Paola Sorressa – nel mese di aprile sarà impegnata nella tournée nazionale di Balancier. Lo spettacolo rappresenta oggi uno dei nuclei centrali della ricerca artistica della compagnia, in attesa dei debutti delle nuove creazioni che segneranno il 2026. Un lavoro che sintetizza con rigore e maturità la visione coreografica di Paola Sorressa. La produzione affronta il tema dell’equilibrio – statico e dinamico – come condizione esistenziale prima ancora che fisica. Il corpo diventa luogo di tensione e di ascolto, attraversato da forze opposte che convivono e si trasformano in movimento. In questa riflessione si colloca il cuore concettuale di Balancier: una coreografia che mette in scena l’oscillazione tra opposti – peso e leggerezza, immobilità e slancio, tensione e abbandono – trasformando la fragilità in materia scenica e il disequilibrio in possibilità poetica. Elemento centrale della drammaturgia visiva è la presenza in scena dell’opera dello scultore Fiorenzo Zaffina, che dialoga con il corpo danzante in una relazione costante tra materia e movimento. Nel mese di aprile Balancier sarà protagonista di una tournée nazionale che attraverserà diversi contesti culturali italiani, confermando la vocazione ...

La nuova stagione del Ballet Arizona è la 40ª e si presenta come un traguardo di grande rilievo, celebrando quattro decenni di eccellenza artistica, innovazione e dedizione alla danza. Questo importante anniversario viene onorato con un programma che intreccia capolavori intramontabili e creazioni contemporanee, offrendo al pubblico un’esperienza ricca e variegata, capace di riflettere sia la storia sia il futuro della compagnia. L’apertura di stagione è affidata al ritorno di Romeo e Giulietta, una delle opere più amate del repertorio, che porta in scena l’intensità della celebre tragedia shakespeariana attraverso una coreografia di grande impatto emotivo. A seguire, torna uno degli appuntamenti più attesi dal pubblico, Lo Schiaccianoci, simbolo delle festività e tradizione consolidata, capace di incantare spettatori di tutte le età con la sua atmosfera magica e senza tempo. Con l’inizio del nuovo anno, la stagione prosegue con Don Chisciotte, una brillante commedia romantica del repertorio classico, apprezzata per la sua vivacità, il virtuosismo tecnico e l’energia coinvolgente. Il programma continua con Pulse, un trittico contemporaneo in scena all’Orpheum Theatre, che mette in luce la versatilità artistica della compagnia attraverso tre diverse visioni coreografiche, accomunate da un linguaggio innovativo e dinamico. Tra gli appuntamenti più suggestivi della stagione si ...

GABRIEL STOYANOV è un ballerino classico, pedagogo e studioso bulgaro-svizzero, attivo nel panorama internazionale della danza. Nato a Sofia, ha iniziato il suo percorso artistico nella danza fin da bambino, entrando a soli cinque anni nell’ensemble folklorico “Rosna Kitka”, dove ha sviluppato le prime basi di movimento e disciplina artistica. La sua passione per il balletto classico si è accesa all’età di tredici anni, quando ha iniziato un intenso percorso formativo sotto la guida di Krassimira Koldamova, integrando così le radici folkloriche con la tecnica del balletto accademico. Dopo aver completato gli studi presso la National Academy of Music “Pancho Vladigerov” di Sofia, ottenendo il diploma e successivamente il Master in Pedagogia del Balletto, Stoyanov ha ampliato la sua formazione con un dottorato di ricerca (PhD) in Studi artistici – Arti coreografiche presso l’Accademia Vaganova di San Pietroburgo. Nel corso della sua carriera ha lavorato come insegnante, coach e artista ospite in diverse scuole e compagnie, in particolare in Svizzera, dove risiede e insegna, collaborando con istituzioni e centri di danza di alto livello. Stoyanov è noto per il suo approccio integrato alla formazione coreutica, unendo competenze pratiche, pedagogiche e teoriche, e per il suo impegno nella promozione della danza ...