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Tero Saarinen, storico collaboratore di Carolyn Carlson, che per lui in oltre trent’anni, ha creato diversi assoli — l’ultimo, Room 7, applaudito nell’edizione ReC25 — torna alla Tosse in veste di coreografo. Presenta in prima assoluta Garden, insieme a Westward Ho!, la sua prima coreografia, quella che ha segnato la svolta internazionale del suo percorso artistico. Garden è un viaggio nell’essere condiviso, un dialogo profondo tra due corpi che si sostengono, si attraversano e si trasformano a vicenda. In uno spazio intimo e mutevole, l’uno diventa il terreno, la spina dorsale, il rifugio dell’altro. La coreografia nasce da una ricerca continua di forme sconosciute, ramificandosi verso l’inaspettato e il nuovo. Ispirato anche alle esperienze di Tero Saarinen come allievo della leggenda del butoh Kazuo Ohno, Garden è un’esperienza sensoriale intensa, dove il movimento rivela legami invisibili e apre a una danza essenziale, potente e profondamente umana. Durata: 30 minuti Westward Ho! è un ritratto assurdamente malinconico e pacatamente umoristico dell’amicizia, dell’egoismo e del tradimento. È stata la prima coreografia creata da Tero Saarinen nel 1996 per la sua compagnia, nota con il nome di Company Toothpick fino al 2002 ed è da sempre parte del repertorio. Westward Ho! è considerata la coreografia della svolta internazionale di Saarinen, e da allora fa ...

In Arena i tecnici sono già al lavoro, iniziano in queste ore i lavori di allestimento del palcoscenico e della platea in vista dell’inaugurazione dell’Opera Festival. A motori già accesi, si pensa già alla Stagione 2027. Approvato dal Consiglio di Indirizzo, alla viglia di Pasqua, il cartellone del prossimo anno. Una stagione che si aprirà eccezionalmente con un grande concerto sinfonico-corale dedicato alla Nona sinfonia di Beethoven. La prima dell’11 giugno sarà un omaggio al bicentenario del compositore di Bonn. Ma la vera novità sarà il ritorno del balletto in Arena dopo ben 34 anni. Saranno quattro le recite di Romeo e Giulietta di Prokof’ev, in una nuova produzione di Fondazione Arena di Verona, nella città dove Shakespeare ha ambientato la storia d’amore più celebre di tutti i tempi. Gli spettacoli di balletto in forma completa mancano in Anfiteatro dal 1993. “Siamo lieti di poter comunicare oggi, con oltre un anno di anticipo, il Festival 2027 – afferma Cecilia Gasdia –. Un cartellone particolare, che segna anche il ritorno del balletto in Arena. In questi anni abbiamo continuato a cercare di raggiungere traguardi importanti, incrementando la qualità artistica, ampliando il pubblico e accrescendo gli incassi, con il desiderio costante di ...

Gianluca Petrucci è un pianista e maestro collaboratore, con oltre trent’anni di esperienza nei più prestigiosi teatri internazionali, tra cui il Teatro alla Scala, l’Arena di Verona e l’Opera di Roma. Riconosciuto come punto di riferimento nell’accompagnamento musicale per il balletto, ha avuto il privilegio di collaborare con artisti di fama mondiale, tra cui Eleonora Abbagnato e Lorca Massine. La sua ricerca artistica ha trovato espressione nella trilogia editoriale Il Pianista del Balletto, un’opera che esplora e codifica il profondo legame tra musica e movimento. Questo lavoro non solo arricchisce la pratica quotidiana in sala, ma rappresenta anche un importante contributo metodologico alla cultura coreutica contemporanea. La Sua carriera nel balletto è iniziata per puro caso nel 1993, quando ha sostituito un collega durante una sessione di esami di danza classica promossa dalla società ISTD. Cosa ha provato in quel primo impatto con la danza e quando ha capito che sarebbe diventata una parte fondamentale della sua identità pianistica? Arrivavo dal concertismo e per me era un’esperienza completamente nuova. Per l’occasione suonavo seguendo gli spartiti specifici della società ISTD, concentrato sulla tecnica e sulla precisione, senza ancora capire quanto la musica dovesse dialogare con il movimento dei danzatori. Solo col ...

Nel contesto di una stagione 2026/2027 della Wiener Staatsoper particolarmente ampia e ambiziosa, in cui l’offerta operistica raggiunge un numero considerevole di titoli, il percorso delineato per il Wiener Staatsballett si distingue per una coerenza interna e una visione artistica che porta con sé un respiro quasi narrativo. È in questo quadro che si inserisce con forza la direzione di Alessandra Ferri, giunta alla sua seconda stagione viennese, e già capace di imprimere una linea riconoscibile, colta e profondamente radicata nella storia della danza, ma al tempo stesso aperta alle urgenze del presente. La costruzione del cartellone, articolata in undici titoli, non appare come una semplice giustapposizione di produzioni, bensì come un tessuto connettivo in cui epoche, linguaggi e poetiche differenti dialogano tra loro. In filigrana si coglie una sensibilità che affonda le proprie radici nella grande tradizione europea del balletto, quella che da Marius Petipa in avanti ha definito i codici del classico, ma che nel corso del Novecento ha saputo reinventarsi attraverso figure decisive come George Balanchine e Jerome Robbins. La direttrice Ferri sembra raccogliere questa eredità e rileggerla con uno sguardo personale, evitando ogni forma di museificazione e restituendo invece al repertorio una vitalità autentica. Le nuove ...

Il Teatro Ristori di Verona si prepara ad accogliere il Ballet de l’Opéra Grand Avignon con la prima nazionale di Olympiade, lavoro per dodici danzatori, firmato dal duo coreografico Antonio De Rosa e Mattia Russo, anime del collettivo Kor’sia. Appuntamento venerdì 17 aprile alle ore 20:30. In scena una ricerca coreografica come metafora universale di competizione ma anche di relazione, di attraversamento e di identità. Tra memoria e futuro. E non è un caso che questo lavoro approdi proprio a Verona nell’anno olimpico, la città è stata infatti uno dei luoghi simbolo dei Giochi Invernali Milano-Cortina 2026. Una coreografia sul tempo, tra individuo e collettività. In bilico tra campo di battaglia e campo di gioco, Olympiade si muove su un terreno simbolico che richiama lo sport e lo supera, trasformandolo in linguaggio. La scena si configura come una pista di atletica con i suoi corridoi segnati da linee che suggeriscono la singolarità di ogni traiettoria. I corpi in movimento sono individui ma insieme compongono un organismo collettivo in cui il tempo non è più lineare: passato e presente si sovrappongono, si contaminano, si ridefiniscono. È una danza che corre contro ma anche dentro il tempo, cercando un equilibrio possibile tra ...

Odette e Odile rappresentano uno dei vertici più complessi e affascinanti del repertorio classico, non solo per la difficoltà tecnica che richiedono, ma per la profondità interpretativa che impongono alla danzatrice. Nel cuore del Lago dei cigni, questi due volti opposti incarnano una dualità che va oltre il semplice contrasto tra bene e male: sono due manifestazioni della stessa identità, due energie che convivono e si scontrano nello stesso corpo. Affrontare questo ruolo significa entrare in una dimensione in cui tecnica e teatro si fondono in modo indissolubile. Dal punto di vista storico, la figura del cigno bianco e del cigno nero nasce nell’Ottocento, ma è attraverso le revisioni successive che il ruolo ha assunto la forma che oggi conosciamo. In origine, Odile non aveva lo stesso peso drammaturgico che possiede nelle versioni moderne. È stato con l’evoluzione del balletto e con l’introduzione di virtuosismi sempre più spettacolari che il personaggio del cigno nero è diventato una vera e propria prova di bravura, pensata per esaltare le capacità tecniche della ballerina protagonista. La tradizione di affidare entrambi i ruoli alla stessa interprete non è solo una scelta pratica, ma una dichiarazione artistica: il pubblico deve credere che l’inganno funzioni proprio ...

Ispirato alla quiete contemplativa della Rothko Chapel di Houston, dipinta dal grande artista Mark Rothko e diventata simbolo di dialogo interreligioso, lo spettacolo Three Verses of Solitude apre uno spazio immersivo in cui la solitudine diventa sia rifugio personale sia condizione condivisa, soprattutto in tempo di guerra. Lo firmano Maya Zbib, regista libanese e co-fondatrice del famoso collettivo teatrale Zoukak di Beirut, il coreografo australiano Lee Serle e Ben Frost, figura di riferimento dell’elettronica sperimentale contemporanea. Gli autori tracciano uno spettro emotivo che va dal bisogno di stare con sé alla paura di restare soli, evocando echi del confinamento pandemico e l’intimità silenziosa della prima maternità. Gesti minimi, attese e presenze delicate invitano a rallentare, a trovare calore nella distanza e bellezza nell’ascolto. La solitudine non è assenza, ma possibilità: uno stato di immaginazione e trasformazione, dove nuovi mondi possono emergere nella quiete. Fondato nel 2006 a Beirut dal regista e performer Maya Zbib insieme a Lamia Abi Azar, Junaid Sarieddeen, Omar Abi Azar e Mohamad Hamdan, Zoukak è un collettivo teatrale dedicato alla creazione collaborativa e al teatro come strumento di riflessione, resistenza e impegno sociale. Le loro performance esplorano temi quali il potere, la memoria e l’emarginazione, e ...

Dal 30 aprile al 2 maggio 2026 il Los Angeles Ballet porterà in scena il capolavoro senza tempo Giselle presso l’Ahmanson Theatre del Music Center, offrendo al pubblico un’esperienza indimenticabile in un mondo di romanticismo, dolore e sovrannaturale. Questo balletto iconico, rappresentato per la prima volta a Parigi nel 1841, ha attraversato quasi due secoli mantenendo intatta la sua forza emotiva. Il suo fascino duraturo non risiede solo nell’eleganza della coreografia e nella bellezza della musica, ma soprattutto nella profondità della storia, che esplora l’amore, il tradimento e il perdono in modo straordinariamente coinvolgente e ancora oggi di grande attualità. *Giselle* racconta la vicenda di una giovane contadina il cui amore innocente per un nobile conduce a una tragedia devastante. Ignara del pericoloso segreto nascosto dal suo innamorato, Giselle si abbandona completamente alla passione del momento. Quando la verità viene a galla, il suo mondo crolla: il dolore provato in vita la conduce alla morte, ma è proprio nell’aldilà che emerge tutta la sua forza e la sua compassione. Lo spirito di Giselle diventa parte delle Wilis, misteriose giovani donne fantasma che di notte si vendicano degli uomini che le tradiscono. Tuttavia, in un gesto che definisce la sua figura ...

Petite Mort è uno dei capolavori più emblematici del coreografo ceco Jiří Kylián, creato nel 1991 per il Nederlands Dans Theater in occasione del bicentenario della morte di Wolfgang Amadeus Mozart. Il titolo, tratto da un’espressione francese che allude poeticamente all’orgasmo, introduce immediatamente il tema centrale dell’opera: la sottile e complessa relazione tra eros, vita e morte, tra tensione e abbandono, tra controllo e perdita di sé. Kylián, tra i più raffinati interpreti del linguaggio coreografico contemporaneo, costruisce con Petite Mort un lavoro di straordinaria eleganza formale e profondità simbolica. La scelta musicale ricade su due celebri movimenti lenti per pianoforte e orchestra di Mozart — il Concerto n. 23 in la maggiore (K. 488) e il Concerto n. 21 in do maggiore (K. 467) — che diventano la trama sonora su cui si sviluppa un dialogo continuo tra disciplina classica e libertà espressiva. La musica mozartiana, con la sua limpidezza e il suo equilibrio, viene così attraversata da un sottotesto emotivo più inquieto e sensuale, creando un contrasto affascinante tra superficie e profondità. Il balletto è interpretato da sei uomini e sei donne, figure senza nome che incarnano archetipi più che personaggi definiti. Non esiste una trama narrativa nel ...

Un tappeto spesso, blu ultramarino, ricopre l’intero spazio. Dionne Warwick canta in loop What the World Needs Now, mentre Ewa Dziarnowska e Leah Marojević danzano al centro dello spazio in un continuo fluttuare, in solo e in duo, a tratti in sincronia, sfidandosi a vicenda, entrando in contatto l’una con l’altra e, occasionalmente, con il pubblico. Esplorazione coreografica del desiderio fisico, della speranza e della perdita, This resting, patience è una durational performance in continua evoluzione che esplora i temi dell’attrazione, della ripetizione, del sentimento. Una pratica di connessione che è una celebrazione del potere della danza, nella quale il corpo non si spoglia dei vestiti, ma delle sue tensioni, dei suoi ruoli, delle sue difese, creando un archivio di sensualità inespressa. Come ci si dispone nello spazio, quanto ci si immerge nell’atmosfera: tutto contribuisce a plasmare la percezione della performance in un’esperienza collettiva, capace di sospendere le gerarchie e le convenzioni dello sguardo attraverso il rapporto diretto con lo spettatore, per far emergere il valore salvifico della danza. Danzatrice e coreografa, Ewa Dziarnowska vive a Berlino e lavora nel campo della performance e della ricerca. I suoi progetti recenti – https://4677684728466.com, A Room With a Better View e lo ...