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Un dittico danzato che affianca due opere distinte, entrambe in prima italiana: una rilettura della leggenda della ninfa Eco e un percorso alla volta di quelle parti di noi che preferiamo non mostrare. Sabato 31 gennaio ore 21.00 al Teatro Cantiere Florida di Firenze (via Pisana 111 Rosso) debuttano “Echo – Anatomia di un riflesso” e “Fabula Mala”, doppia produzione coreografica firmata Versiliadanza. Protagonista e autrice di entrambe la dancemaker Valentina Sechi, già collaboratrice di artisti del calibro di Micha Van Hoecke e Davide Livermore, affiancata nella prima dal compositore e sound designer Alberto Maria Gatti e nel secondo dal danzatore Luca Tomao. In “Echo – Anatomia di un riflesso”, il corpo abita una camera di risonanza dove ogni gesto produce una memoria: ogni movimento ritorna come immagine, ogni respiro diventa luce e suono, ogni presenza si moltiplica fino a perdere il suo centro. Come Eco, la danzatrice è in un dialogo con la propria traccia: non risponde, ma rimbalza; non afferma, ma risuona. “Fabula Mala” esplora le emozioni che giudichiamo ignobili eppure proviamo, i pensieri di cui ci vergogniamo, quel male che cerchiamo di non vedere e che tuttavia è necessario per renderci completi. Attraverso il corpo che ascolta, il movimento scioglie i nodi. La musica accompagna e suggerisce, guidando luce e ombra a riconoscersi non ...

Chi danza con costanza raramente resta intrappolato in schemi mentali, spesso negativi, perché il movimento elimina i loop comportamentali, circoli viziosi difficili da eliminare che condizionano la qualità di vita. La maggior parte delle persone infatti ripete gli stessi pattern non per scelta, ma perché il corpo e di conseguenza il cervello preferiscono ‘tensioni’ che già conoscono, che sono familiari. La danza insegna a interrompere questo loop. ‘Costringe’ il corpo e il cervello a eseguire gesti non familiari, nuovi e sconosciuti, spezzando abitudini disfunzionali e limitanti. Quando al ballerino viene chiesto di cambiare ritmo o usare il lato del corpo non dominante, il fisico si adatta. Ciò genera e stimola flessibilità mentale anche sotto stress. Il sistema nervoso smette di considerare il cambiamento come una minaccia, e lo interpreta come un’opportunità, un nuovo obiettivo. Quindi, contrariamente alle altre persone, il danzatore è in grado di cambiare quello che non gli sta più bene, una relazione, un lavoro, senza necessariamente raggiungere il ‘punto di rottura’, che pesa sul benessere psicofisico. Il suo sistema nervoso possiede un modello di uscita da ciò che non vuole più e un modello di entrata in qualcosa di nuovo, senza che la sua identità collassi. Molte ...

Carmen è una donna. Carmen è tante donne. È un’idea, un ideale. È il volto del desiderio che non chiede permesso. È la lotta contro la paura del diverso, la ribellione silenziosa che grida sotto pelle. Carmen sfida l’ordine prestabilito, mette in discussione i ruoli, rompe le maschere di genere con la forza del suo essere. È la conseguenza di tutto ciò che deve cambiare, la crepa che apre il muro, la voce che scuote il silenzio. Carmen è la tempesta prima della quiete. È l’inizio di qualcosa di nuovo. Carmen è rivoluzione. Dal 23 al 25 gennaio 2026, il palco del Teatro Carcano di Milano ospiterà Carmen – Contemporary Dance Piece, una rilettura contemporanea, portata in scena da Formazione Tam (comparto di danza contemporanea di Aub), prodotta dall’Accademia Ucraina di Balletto. Il balletto, che vede la regia e la coreografia firmate da Davide Iacobone, si allontana dalla tradizione per trasformare i protagonisti José e Carmen in marionette simboliche di una guerra di ideali che travalica i loro destini individuali. In questa versione, il palco si trasformerà in un’aula di tribunale. Attraverso un sapiente uso di flashback, la narrazione ricostruisce i fatti come prove a sostegno di una tesi, analizzando ...

Trasformò il corpo in pura forma: Nelle sue danze il corpo quasi scompariva: grazie a lunghissimi veli di seta mossi con bacchette nascoste, Fuller creava figure astratte come fiori, fiamme o farfalle, rompendo con la danza narrativa tradizionale. Fu una pioniera dell’illuminazione teatrale: Sperimentò luci colorate, riflettori mobili e proiezioni, arrivando a brevettare sistemi di illuminazione scenica. Il suo lavoro anticipò l’uso creativo della luce nel teatro e nel cinema. Collaborò con scienza e tecnologia: Era affascinata dalla scienza e frequentò ambienti scientifici d’avanguardia: collaborò anche con Marie Curie, interessandosi agli effetti luminosi di sostanze fosforescenti e radioattive (all’epoca non ancora considerate pericolose). In America non fu capita, in Europa idolatrata: Negli Stati Uniti il suo stile fu giudicato troppo sperimentale; in Francia invece divenne un mito della Belle Époque, celebrata da artisti come Toulouse-Lautrec e Stéphane Mallarmé. Simbolo di emancipazione femminile e queer: Loïe Fuller fu una donna indipendente, imprenditrice di se stessa, con una compagnia composta quasi solo da donne e relazioni affettive femminili. Oggi è considerata una figura chiave della storia queer e femminista delle arti performative. Michele Olivieri www.giornaledelladanza.com ©️ Riproduzione riservata

Il balletto classico preferito? Lago dei cigni. Il balletto contemporaneo prediletto? Decadence di Ohad Naharin. Il Teatro del cuore? Teatro Massimo di Palermo (non solo perché è il teatro della mia città natale, ma principalmente per le esperienze che mi ha regalato). Un romanzo da trasformare in balletto? Il ritratto di Dorian Grey di Oscar Wilde. Mentre un film da cui ricavare uno spettacolo di balletto? La città incantata di Hayao Miyazaki. Il costume di scena indossato che hai preferito? Il Cinese in Parade disegnato da Pablo Picasso. Quale colore associ alla danza? Tutti per le sue infinite sfaccettature. Che profumo ha la danza? L’odore del dietro le quinte. La musica più bella scritta per balletto? Romeo e Giulietta di Sergej Prokof’ev. Il film di danza irrinunciabile? Il sole a mezzanotte (White Nights) di Taylor Hackford, con protagonista Michail Baryšnikov. Due miti della danza del passato, uomo e donna? Rudolf Nureyev e Carla Fracci. Il tuo “passo di danza” preferito? Tour en l’air. Chi ti sarebbe piaciuto essere nella vita reale tra i personaggi del grande repertorio di balletto classico? Mercuzio. Chi è stato il genio per eccellenza nell’arte coreografica? Pina Baush. Tornando indietro, se incontrassi Tersicore, cosa le diresti? Grazie. ...

Per la prima volta arriva al Teatro Fraschini di Pavia (venerdì 30 gennaio 2026 – ore 20.30) la storica compagnia Nederlands Dans Theater (NDT 2). Fondata oltre 30 anni fa con lo scopo di rifornire di forze giovani l’ammiraglia Nederlands Dans Theater (NDT 1), oggi la NDT 2 è una compagnia a tutti gli effetti, una realtà di fama internazionale che si esprime ai massimi livelli qualitativi nei teatri di tutto il mondo. La compagnia presenterà al Fraschini un trittico composto da tre coreografie differenti, ideate da tre grandi artisti contemporanei: Marcos Morau, Marco Goecke e Alexander Ekman. Tre coreografi visionari, che con una compagnia di altissimo livello danno vita a uno spettacolo di respiro internazionale. Nederlands Dans Theater Fondato nel 1959, il Nederlands Dans Theater (NDT) è una delle principali compagnie di danza contemporanea a livello internazionale. Da sempre dedito alla ricerca, all’innovazione e alla realizzazione di nuove opere coreografi che, NDT collabora con eccezionali artisti provenienti sia dal mondo della danza che da altre discipline, presentando nelle proprie creazioni una varietà di voci e prospettive diverse. Attraverso il suo lavoro, la compagnia si fa catalizzatore per il futuro dell’arte tersicorea, alimentando la creatività e supportando danzatori e creatori ...

La danza classica è una disciplina che unisce tecnica, grazia e rigore, costruita su fondamenta precise che ne definiscono l’estetica e il movimento. Alla base di questa arte troviamo le cinque posizioni fondamentali dei piedi, codificate nel XVII secolo alla corte del Re Sole, Luigi XIV, e ancora oggi immutate nei metodi delle principali scuole di balletto del mondo. Queste posizioni non sono semplici pose, ma rappresentano il punto di partenza di ogni passo, salto o rotazione. Vediamole una per una: Prima posizione: la prima posizione è l’essenza della danza classica: i talloni si toccano e le punte dei piedi si aprono verso l’esterno, idealmente formando una linea retta. Il peso è distribuito equamente su entrambi i piedi e il corpo si eleva verso l’alto con leggerezza. È una posizione di stabilità e controllo, ma anche di apertura verso il movimento. Seconda posizione: a partire dalla prima posizione, i piedi si allontanano lateralmente mantenendo le punte rivolte all’esterno. La distanza tra i talloni è di circa una lunghezza di piede. Questa posizione offre maggiore stabilità e prepara il corpo ai movimenti ampi, come plié o port de bras, favorendo una postura ben radicata ma fluida. Terza posizione: un piede si ...

In Adieu à l’Opéra, Yonathan Kellerman firma un documentario di rara delicatezza, capace di guardare al mondo del balletto non attraverso l’abbaglio della perfezione scenica, ma dal punto esatto in cui la luce si spegne e resta il silenzio. È un film sull’addio, certo, ma soprattutto sul tempo: quello che modella i corpi, ridefinisce le identità e impone scelte irrevocabili. Il regista costruisce il racconto intrecciando tre traiettorie molto diverse all’interno dell’Opéra di Parigi. Da un lato le Étoiles Alice Renavand e Stéphane Bullion, figure consacrate, corpi che hanno incarnato l’ideale assoluto del balletto classico; dall’altro Aurélia Bellet, ballerina del corpo di ballo, presenza essenziale ma invisibile, che ha vissuto l’arte senza mai godere del riconoscimento pubblico. Kellerman evita ogni gerarchia retorica: la fama e l’anonimato vengono messi sullo stesso piano, accomunati dalla stessa fine obbligata. La forza del documentario risiede nella sua messa in scena sobria e rispettosa. La macchina da presa osserva, attende, non invade. I momenti più intensi non sono le prove o gli applausi, ma le pause: uno sguardo nello specchio della sala danza, un gesto ripetuto per l’ultima volta, il rumore secco delle scarpette sul pavimento. È lì che emerge la verità del film: il ...

Il balletto classico preferito? Giselle. Il balletto contemporaneo prediletto? God and Dogs di Jiří Kylián. Il Teatro del cuore? Teatro dell’Opera di Roma. Un romanzo da trasformare in balletto? Il conte di Montecristo di Alexandre Dumas. Mentre un film da cui ricavare uno spettacolo di balletto? Guerre stellari (Star Wars) di George Lucas. Il costume di scena indossato che hai preferito? Albrecht. Quale colore associ alla danza? Verde. Che profumo ha la danza? Dipende dal tipo di balletto ma direi che in generale profumo di legno. La musica più bella scritta per balletto? Morte di Giulietta, composta da Sergej Prokof’ev. Il film di danza irrinunciabile? Il ritmo del successo (Center Stage) diretto da Nicholas Hytner. Due miti della danza del passato, uomo e donna? Sylvie Guillem e Michail Barysnikov. Il tuo “passo di danza” preferito? Fondu. Chi ti sarebbe piaciuto essere nella vita reale tra i personaggi del grande repertorio di balletto classico? Drosselmeyer. Chi è stato il genio per eccellenza nell’arte coreografica? George Balanchine. Tornando indietro, se incontrassi Tersicore, cosa le diresti? Sii più clemente con le punte per le danzatrici. Tre parole per descrivere la disciplina della danza? Estetica, emozione, passione. Come ti vedi oggi allo specchio? Che ancora ...

Dal 25 al 28 febbraio 2026 l’Anfiteatro Olivier Messiaen dell’Opéra Bastille torna a essere un laboratorio creativo privilegiato con il ritorno del programma Danseurs Chorégraphes, un appuntamento che mette in primo piano la voce autoriale dei danzatori del Balletto dell’Opéra national de Paris. Più che una semplice rassegna, Danseurs Chorégraphes rappresenta da anni uno spazio di sperimentazione e di passaggio: un luogo in cui l’interprete si trasforma in creatore, esplorando nuovi linguaggi e mettendo alla prova la propria visione coreografica. Per l’Opéra di Parigi è anche un gesto strategico e culturale forte, volto a far emergere – o consolidare – talenti interni alla Compagnia che potrebbero, in futuro, firmare creazioni di più ampia portata sui grandi palcoscenici internazionali. Per questa edizione 2026 sono sette i danzatori coinvolti: Adèle Belem, Félicia Calazans, Yvon Demol, Manuel Garrido, Charlotte Ranson, Rubens Simon e Maxime Thomas. Artisti provenienti da percorsi, sensibilità e immaginari differenti, accomunati dal desiderio di interrogare il corpo danzante oltre i confini dell’interpretazione classica. Le loro creazioni nascono da ricerche personali che intrecciano movimento, musica, spazio e identità, offrendo al pubblico uno sguardo diretto sui processi creativi interni al Balletto. L’Anfiteatro Olivier Messiaen, per dimensioni e atmosfera, si conferma il luogo ...