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La scomparsa della ballerina russa Ninel Alexandrovna Petrova, avvenuta il 7 marzo 2026 a San Pietroburgo, ha suscitato commozione negli ambienti della danza classica internazionale. Con lei se ne va una delle ultime testimoni dirette di un’epoca cruciale nella storia del balletto russo, una generazione di artisti cresciuti all’ombra della grande tradizione accademica di Leningrado e formatisi in un periodo storico segnato da profondi mutamenti politici e culturali. La sua lunga vita, durata oltre un secolo, attraversò infatti alcune delle fasi più drammatiche e allo stesso tempo più feconde della cultura coreutica del Novecento, dalla stagione sovietica del dopoguerra fino alla rinascita artistica della Russia contemporanea. Nata a Leningrado il 15 marzo 1924, Petrova crebbe in una città che rappresentava uno dei centri mondiali del balletto. Fin dall’infanzia entrò in contatto con quell’ambiente artistico straordinariamente ricco che aveva ereditato la tradizione del balletto imperiale russo. La madre di Ninel Petrova era amica della famosa ballerina Vera Fokina, moglie del grande maestro Michel Fokine, ballerino e coreografo tra i più influenti innovatori del balletto del XX secolo il quale collaborò con figure del calibro di Anna Pavlova e Sergei Diaghilev. Le due famiglie erano inoltre vicine di casa, circostanza che contribuì ...

Nel firmamento della danza classica del secondo Novecento, il nome di Patrick Dupond brilla con una luce singolare: quella dei talenti destinati a trasformare la disciplina in poesia e il gesto in memoria. Nato a Parigi il 14 marzo 1959, Dupond incarnò per oltre tre decenni l’eleganza ardente della scuola francese, diventando uno dei più carismatici interpreti della sua generazione. La sua formazione avvenne nel tempio stesso del balletto nazionale, l’Opéra National de Paris, dove entrò ancora bambino nella celebre scuola di danza. Il suo talento, precoce e travolgente, emerse con rapidità quasi vertiginosa: nel 1980, a soli ventun anni, venne nominato étoile del Balletto dell’Opéra, consacrazione riservata ai pochi artisti capaci di incarnare l’eccellenza assoluta. Dupond univa alla perfezione tecnica una presenza scenica magnetica. Il suo stile, potente e solare, sembrava fondere il rigore accademico con una vitalità quasi teatrale, rendendo ogni apparizione un evento. Nei grandi ruoli del repertorio classico — da Giselle al Lago dei cigni, fino ai capolavori del Novecento coreografico — la sua danza era insieme slancio e precisione, energia e lirismo. Nel 1990, lo Stato francese gli affidò una responsabilità storica: divenne direttore della danza dell’Opéra National de Paris. In quel ruolo guidò una ...

GENERAZIONE. Pratiche artistiche multidisciplinari nasce per formare, accompagnare, sostenere e dare voce a una nuova generazione di artiste e artisti: uno spazio e un tempo di residenza e condivisione in cui ricerca e sperimentazione si incontrano, dove idee, corpi, suoni, immagini dialogano e l’esperienza di indagine diventa pratica, per trasformarsi in creazione artistica. È un percorso gratuito di alta formazione promosso da Fondazione Fabbrica Europa, rivolto a giovani tra i 18 e i 35 anni attivi in teatro, danza, performance, sound design e arti visive, dedicato a chi vuole esplorare poetiche, narrazioni, prospettive e nuovi linguaggi della scena contemporanea e acquisire strumenti e competenze artistiche multidisciplinari. GENERAZIONE non è solo formazione, è un’esperienza immersiva in cui costruire relazioni, sperimentare pratiche innovative e dare forma a visioni che parlano al presente. Un’occasione per entrare in contatto con la scena artistica contemporanea, mettere in gioco il proprio talento e immaginare nuovi territori creativi. Tra maggio e ottobre 2026 il Teatro Era di Pontedera si trasformerà in un laboratorio vivo, un luogo di confronto e scoperta dove i partecipanti potranno immergersi in un percorso intensivo teorico-pratico guidato da artisti e professionisti di rilievo del panorama nazionale e internazionale. Il programma si articolerà in ...

Il balletto classico preferito? La Bayadère. Il balletto contemporaneo prediletto? Shoot the Moon di Sol Leon & Paul Lightfoot. Il teatro del cuore? Teatro San Carlo di Napoli. Un romanzo da trasformare in balletto? Non un romanzo, ma un personaggio della letteratura: Luigi Pirandello. Un film da cui ricavare uno spettacolo di balletto? C’è ancora domani di Paola Cortellesi. Il costume di scena che hai preferito indossare? I pantaloni di tulle dello spettacolo TUTU. Quale colore associ alla danza? Bianco. Che profumo ha la danza? Fiori d’arancio. La musica più bella scritta per balletto? La Bayadère. Il film di danza irrinunciabile? Center Stage. Due miti della danza del passato, uomo e donna? Violette Verdy e Rudolf Nureyev. Il tuo passo di danza preferito? Les pirouettes. Chi ti sarebbe piaciuto essere, nella vita reale, tra i personaggi del grande repertorio della danza? L’idolo d’oro ne La Bayadère. Chi è stato il genio per eccellenza nell’arte coreografica? George Balanchine. Tornando indietro, se incontrassi Tersicore, cosa le diresti? Porta la danza ovunque nel mondo, nessun escluso. Tre parole per descrivere la disciplina della danza? Amore, perseveranza e passione. Come ti vedi oggi allo specchio? In pace con me stesso, follemente innamorato della danza ...

L’Opéra national de Paris rafforza il proprio impegno verso la diffusione della danza e l’apertura a nuovi territori culturali con il progetto L’Opéra en Guyane, un’iniziativa che intreccia scambi artistici, formazione e creazione contemporanea tra la Francia metropolitana e la Guyana francese. Mentre il programma è attualmente in corso a Cayenne con la presenza dei danzatori del Balletto dell’istituzione parigina, sarà presto la capitale francese ad accogliere una nuova tappa di questo dialogo artistico. Dal 7 al 12 aprile 2026, l’Académie de l’Opéra de Paris ospiterà infatti all’Amphithéâtre Olivier Messiaen quindici giovani interpreti della compagnia guyanese Compagnie Jeunes Sans Limites, offrendo loro uno spazio di visibilità all’interno della programmazione dedicata al pubblico giovane. L’iniziativa rappresenta un momento importante di scambio culturale e di valorizzazione delle nuove generazioni di artisti provenienti da territori spesso poco rappresentati nei grandi circuiti europei della danza. Cuore della serata sarà YANA, prima creazione coreografica del danzatore e coreografo guyanese Samuel Fania. Commissionata dall’Académie dell’Opéra nell’ambito della sua programmazione per i giovani spettatori, l’opera si configura come una vera immersione nella realtà culturale della Guyana. Il lavoro intreccia linguaggi coreografici differenti: il breaking dialoga con danze tradizionali locali, mentre musica, movimento e identità culturale si fondono ...

Les Étoiles, il gala internazionale a cura di Daniele Cipriani che offre la possibilità di vedere concentrati in un unico spettacolo alcuni nomi di punta del balletto mondiale, ritorna al Teatro Arcimboldi, Milano l’11 (ore 21) e 12 aprile (ore 17) 2026. Queste intanto le stelle che pre-annunciamo e alle quali, prossimamente, si aggiungeranno altri nomi prestigiosi: Marianela Núñez (The Royal Ballet of London) e Patricio Revé (Queensland Ballet, Australia), Davide Dato (Opera di Vienna) e Cassandra Trenary (Opera di Vienna, già principal con l’American Ballet Theatre), Hugo Marchand (Opéra de Paris). L’appuntamento milanese vede la partecipazione della estrella spagnola Sergio Bernal, presenza imprescindibile dei gala Les Étoiles, nonché di Sasha Riva e Simone Repele (Riva & Repele, Ginevra), i coreografi residenti della Daniele Cipriani Entertainment. Il cast si arricchisce ulteriormente della partecipazione straordinaria di Luciana Savignano, nome leggendario del balletto italiano. Saranno offerti, come già nelle edizioni precedenti, alcuni tra i brani più apprezzati tratti dal repertorio dell’Ottocento e del Novecento, insieme ad altri di sofisticata modernità firmati dai coreografi sulla cresta dell’onda oggi. Diamo giusto qualche cenno: accanto a momenti di tradizione, come il virtuosissimo passo a due tratto dal Don Chisciotte di Marius Petipa, interpretato dalla spumeggiante ...

Il volume intitolato Cowboys at the Ballet: The Story of Choreographer Agnes de Mille di Claire Wrenn Bobrow (in lingua inglese, per bambini dai 4 agli 8 anni) si inserisce nella tradizione delle biografie narrative dedicate ai protagonisti delle arti performative, ma lo fa con uno sguardo particolare: raccontare ai lettori più giovani la storia di una figura che contribuì in modo decisivo alla nascita di un linguaggio coreografico autenticamente americano. Attraverso una narrazione fluida e accompagnata dalle illustrazioni di Ilaria Urbinati, il libro ricostruisce la vicenda artistica di Agnes de Mille non solo come storia personale, ma come momento cruciale nella trasformazione della danza del XX secolo. Agnes de Mille nacque nel 1905 in una famiglia profondamente immersa nel mondo dello spettacolo e della cultura cinematografica. Crescere in un ambiente creativo non significò tuttavia trovare subito una strada chiara. Fin da giovane Agnes fu attratta dalla danza, ma non si riconosceva pienamente nel modello del balletto classico che dominava allora la scena internazionale. Nei primi decenni del Novecento, infatti, il balletto era ancora fortemente legato alla tradizione europea, modellata dalle scuole russe e francesi e diffusa nel mondo attraverso compagnie come i Ballets Russes di Sergej Djagilev. Negli Stati Uniti, ...

La Strada è un balletto ispirato all’omonimo film di Federico Fellini, con coreografia di Mario Pistoni, musiche di Nino Rota e scene e costumi di Luciano Damiani. L’opera coreografica nasce dal desiderio di tradurre in linguaggio danzato la poesia malinconica e profondamente umana del celebre film La Strada, uscito nel 1954 e interpretato da Giulietta Masina nel ruolo della fragile e indimenticabile Gelsomina, da Anthony Quinn nel ruolo del rude Zampanò e da Richard Basehart in quello del Matto. Il film, considerato uno dei capolavori del cinema del dopoguerra, contribuì in maniera decisiva alla consacrazione internazionale di Fellini e vinse nel 1957 il premio Oscar come miglior film straniero. La trasposizione coreografica venne presentata per la prima volta nel 1967 al Teatro alla Scala di Milano. I ruoli principali furono affidati a interpreti di grande rilievo della danza italiana: Carla Fracci nel ruolo di Gelsomina, Aldo Santambrogio in quello di Zampanò e lo stesso Mario Pistoni nel ruolo del Matto. La creazione si impose immediatamente per la sua forza teatrale e per la capacità di fondere danza, pantomima e drammaturgia in un linguaggio coreografico intenso e moderno. La musica di Nino Rota, già celebre per il film e caratterizzata da ...

“In the bel mezzo of everything” è il claim inedito con cui il Festival dei Due Mondi sceglie di raccontarsi da quando Daniele Cipriani ne è il nuovo Direttore Artistico. Una frase ibrida, volutamente sospesa tra italiano e inglese. Un’espressione che ha il ritmo di una battuta musicale, che si apre in inglese e si posa nell’italiano, unendo due lingue senza tradurle del tutto, per rimanere nel luogo dell’incontro. “Il bel mezzo non è soltanto un luogo fisico” dichiara Cipriani. “È una postura, uno stato mentale. È la scelta di stare nel centro e nell’equilibrio delle cose. Significa scegliere una posizione etica e culturale: stare nel cuore della bellezza e della complessità, nel cuore dell’eccellenza e dell’inclusività, nel dialogo tra la storia e la sperimentazione, tra pubblico e artisti, tra istituzioni e nuove generazioni”. “Nel bel mezzo descrive anche il momento che stiamo vivendo” aggiunge Cipriani “Siamo nel pieno di una grande impresa: la costruzione di un Festival pensato per un pubblico ampio, trasversale, internazionale, soprattutto di nuova generazione”. Il nuovo corso dei Due Mondi riparte così, con una nuova narrazione, una nuova idea di programmazione e una nuova identità visiva che sarà svelata soltanto durante la conferenza stampa ufficiale. ...

Nella storia della danza esistono figure che appartengono pienamente al loro tempo e altre che sembrano provenire da una regione più rara dell’esperienza artistica, dove il talento si mescola al mistero e alla fragilità. Tra queste ultime si colloca Vaslav Nijinsky, una delle presenze più enigmatiche e folgoranti del balletto del Novecento, un interprete che trasformò il movimento in un linguaggio quasi metafisico e la scena in un luogo di rivelazione. Nato il 12 marzo 1889 a Kiev, Nijinsky crebbe all’interno di una famiglia di danzatori itineranti. Il teatro fu per lui un ambiente naturale prima ancora che una scelta. Il bambino fragile e silenzioso mostrò presto una sensibilità fuori dal comune, accompagnata da una disciplina fisica straordinaria. Quando entrò alla Scuola Imperiale di Balletto a San Pietroburgo, gli insegnanti compresero quasi immediatamente di trovarsi davanti a qualcosa di eccezionale. Non si trattava soltanto di una tecnica impeccabile, ma di una qualità scenica difficilmente definibile: Nijinsky sembrava abitare la danza con una concentrazione assoluta, come se ogni gesto fosse parte di un rito antico. I contemporanei rimasero soprattutto colpiti dalla sua capacità nel salto. Molti raccontarono di aver avuto l’impressione che il suo corpo sfidasse la gravità, che il tempo ...