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L’arte coreutica torna protagonista sul litorale toscano. Presentata ufficialmente la VI Edizione del Festival della Danza Città di Viareggio e le International Ballet Master Classes (IBMC). L’iniziativa, promossa con lungimiranza dal Comune di Viareggio fin dal 2021, si conferma un appuntamento di respiro globale capace di coniugare alta formazione, spettacolo e solidarietà. Sotto la guida del Primo Ballerino Andrea Volpintesta al suo quinto anno di Direzione Artistica, e in collaborazione con la Fondazione Festival Pucciniano, l’edizione 2026 trasformerà il Gran Teatro Giacomo Puccini di Torre del Lago nel cuore pulsante della danza d’eccellenza. Alta Formazione e Perfezionamento con l’Accademia Pucciniana Le IBMC 2026 (27 aprile-3 maggio) si confermano una porta d’accesso privilegiata al professionismo. Durante la settimana di Master Classes, si terranno le selezioni per l’accesso diretto al Corso di Formazione e Perfezionamento di Danza Classica e Contemporanea 2026/27 dell’Accademia Pucciniana, istituzione che vanta la Direzione Artistica del Maestro Placido Domingo. Il settore danza dell’Accademia sarà curato personalmente da Sabrina Brazzo (Étoile, già Prima Ballerina del Teatro alla Scala) e Andrea Volpintesta. Il parterre di docenti per le IBMC 2026 schiera nomi di rilievo internazionale provenienti dai più prestigiosi contesti Accademici Internazionali: Sabrina Brazzo & Andrea Volpintesta (Teatro alla Scala); ...

Drosselmeyer è una delle figure più enigmatiche e affascinanti del balletto Lo Schiaccianoci, un personaggio che sfugge a definizioni univoche e che, proprio per questa sua natura ambigua, rappresenta una sfida interpretativa di grande profondità. Non è semplicemente un comprimario o un narratore, ma il motore stesso della vicenda: colui che innesca il passaggio dal mondo reale a quello fantastico, dal quotidiano all’onirico. Analizzarne la tecnica, l’interpretazione e la storia significa entrare nel cuore stesso del linguaggio del balletto classico e del suo rapporto con il teatro e la narrazione. Dal punto di vista storico, Drosselmeyer nasce nell’adattamento coreografico del racconto romantico di E.T.A. Hoffmann, Schiaccianoci e il re dei topi, filtrato attraverso la versione più edulcorata di Alexandre Dumas. Quando il balletto debuttò nel 1892 con la musica di Čajkovskij e la coreografia iniziale di Marius Petipa (sviluppata poi da Lev Ivanov), il personaggio di Drosselmeyer si configurò immediatamente come figura liminale: padrino della protagonista Clara (o Marie, a seconda delle versioni), inventore eccentrico, mago, burattinaio, ma anche potenziale manipolatore degli eventi. Nel corso delle diverse riprese storiche, il suo ruolo si è ampliato o contratto, ma ha sempre mantenuto questa aura di mistero. Dal punto di vista tecnico, ...

I Familie Flöz tornano a incantare il pubblico di Piacenza, con le grandi maschere che hanno reso celebre la compagnia berlinese in tutto il mondo. Gruppo di punta del teatro di figura contemporaneo europeo, acclamati dai pubblici di tutte le età e dalla critica, saranno in scena con FESTE martedì 21 aprile alle ore 21 al Teatro Municipale a chiusura del cartellone ALTRI PERCORSI della Stagione di Prosa 2025/2026 del Teatro Municipale curata da Teatro Gioco Vita con la direzione artistica di Diego Maj e Jacopo Maj, la XXII organizzata dal centro di produzione teatrale piacentino con Fondazione Teatri e Comune di Piacenza e il sostegno di Fondazione di Piacenza e Vigevano e Iren. Scoperti dal pubblico piacentino al Teatro Filodrammatici nel 2007 con Ristorante immortale grazie a Teatro Gioco Vita, che li ha poi ospitati al Teatro Municipale nel 2025 con Hotel Paradiso e più recentemente nel 2024 con Teatro Delusio, li vedremo ora con una favola per adulti senza parole ma straordinariamente eloquente grazie alle grandi maschere che sono il tratto distintivo dei Familie Flöz, in una poetica miscela di tragedia e slapstick. Un’opera di Andres Angulo, Björn Leese, Johannes Stubenvoll, Thomas van Ouwerkerk, Michael Vogel. Quest’ultimo firma ...

La figura di Marie Sallé (spesso italianizzata in Maria Sallé) occupa un posto di singolare rilievo nella storia del balletto europeo del primo Settecento, non solo per la qualità della sua arte interpretativa, ma soprattutto per il valore riformatore delle sue scelte estetiche, che prefigurano alcuni dei principi destinati a trovare sistemazione teorica qualche decennio più tardi con Jean-Georges Noverre e il suo ballet d’action*. Nata a Parigi nel 1707 in una famiglia di artisti itineranti – il padre Étienne e la madre Françoise erano entrambi danzatori e attori – Sallé fu precocemente immersa in un ambiente teatrale che favorì una formazione non rigidamente accademica, bensì aperta alla contaminazione tra danza, pantomima e recitazione. Questo dato biografico, apparentemente marginale, risulta invece determinante per comprendere la sua successiva presa di distanza dalle convenzioni codificate dell’Académie Royale de Musique. La sua carriera si svolse tra Parigi e Londra, due centri nevralgici della cultura spettacolare europea, e fu proprio nella capitale inglese che ella poté sperimentare con maggiore libertà le proprie intuizioni. Nel contesto del Royal Opera House (all’epoca noto come Covent Garden), Sallé collaborò con George Frideric Handel, partecipando a produzioni operistiche e coreutiche che le permisero di affinare una concezione drammatica ...

Nikiya è una delle figure più emblematiche del repertorio classico, protagonista de La Bayadère, balletto che incarna l’estetica e le contraddizioni del grande teatro ottocentesco. Analizzare questo ruolo significa entrare in un territorio complesso in cui tecnica accademica, sensibilità interpretativa e stratificazione storica si intrecciano in modo indissolubile. Nikiya non è soltanto una danzatrice del tempio: è un archetipo tragico, una presenza sospesa tra sacro e umano, tra amore e morte, tra realtà e visione. Dal punto di vista storico, La Bayadère nasce nella Russia imperiale del XIX secolo, in un contesto artistico fortemente influenzato dall’orientalismo europeo. L’immaginario dell’India, filtrato attraverso uno sguardo occidentale, diventa lo sfondo esotico per una vicenda di amore proibito e destino ineluttabile. Nikiya, devadasi consacrata al tempio, rappresenta una figura idealizzata, quasi simbolica, che riflette più le fantasie romantiche europee che una realtà culturale autentica. Tuttavia, proprio questa distanza tra realtà e rappresentazione contribuisce alla sua forza scenica: Nikiya diventa un’icona, una figura universale di purezza e sacrificio. Tecnicamente, il ruolo di Nikiya è tra i più esigenti del repertorio classico. Richiede una padronanza assoluta della tecnica accademica, ma anche una qualità del movimento che trascenda la mera esecuzione. Le linee devono essere morbide e ...

Mercoledì 22 aprile alle ore 21 presso il Politeama Clarici di Foligno, per la Stagione 25/26, in scena la danza con lo spettacolo LA DUSE – Nessuna Opera, per la coreografia di Adriano Bolognino – uno dei coreografi dell’apertura dei Giochi Olimpici di Milano-Cortina 2026 – e Rosaria Di Maro, prodotta dalla Compagnia Opus Ballet diretta da Rosanna Brocanello. Le danzatrici: Giuliana Bonaffini, Rosaria Di Maro, Ginevra Gioli, Gaia Mondini, Giulia Orlando, Cristina Roggerini, Giovanna Santoro, Sara Schiavo, Rebeca Zucchegni. Spiegano gli autori: “Il lavoro si divide in due, e la divisione segue la marcia della Duse verso un’arte sempre più consapevole. Una prima parte “squisitamente artefatta” e un’ultima Duse, ormai anziana, “tutta luce immacolata”. È una NON OPERA, un inno alle donne. Un ringraziamento doveroso al testo di Mirella Schino, Eleonora Duse – Storia e immagini di una rivoluzione teatrale, per aver raccontato questa straordinaria donna, trascendendo le influenze maschili che hanno confuso le sue tracce e liberandola dai cliché che oscurano il genio femminile. È stato il punto di partenza indiscusso di tutta la ricerca.” Nessuna Opera, Eleonora Duse: “Recitare? Che brutta parola! Se si trattasse di recitare soltanto; io sento che non ho mai saputo né saprò ...

La Concurrence di George Balanchine rappresenta un esempio particolarmente significativo della fase iniziale della sua carriera, quando il giovane coreografo, formatosi nella tradizione imperiale russa, iniziava a confrontarsi con i fermenti artistici dell’Europa occidentale e con una nuova concezione del balletto, più libera, sperimentale e aperta alle contaminazioni musicali e culturali del Novecento. Creato nel 1928 su musica di Georges Bizet, il balletto si inserisce nel contesto delle produzioni dei Ballets Russes, un ambiente in cui innovazione e tradizione convivevano in una tensione costante. Dal punto di vista storico, La Concurrence nasce in un momento di transizione, non solo per Balanchine ma per l’intero linguaggio del balletto. Dopo l’eredità monumentale di Marius Petipa, il balletto classico si trovava a dover ridefinire i propri codici in un’epoca segnata dalle avanguardie artistiche. Sergej Djagilev, con i suoi Ballets Russes, aveva già avviato questo processo, promuovendo collaborazioni con artisti, musicisti e coreografi innovativi. In questo contesto, Balanchine sviluppa una sensibilità coreografica che, pur radicata nella tecnica accademica, tende verso una maggiore essenzialità e una nuova relazione con la musica. La Concurrence si distingue per il suo carattere leggero, quasi ironico, lontano dalla narrazione drammatica dei grandi balletti ottocenteschi. Il titolo stesso suggerisce una dimensione competitiva, un ...

La compagnia di danza Sasha Waltz & Guests, fondata da Sasha Waltz e Jochen Sandig nel 1993 a Berlino, approda al Teatro Ponchielli di Cremona mercoledì 22 aprile (ore 20.30) con Beethoven 7, lavoro dal forte impatto visivo, di grande forza scenografica e d’intensità emotiva, costruito sulle note della celeberrima Settima Sinfonia del grande compositore tedesco. Un appuntamento imperdibile che chiude la rassegna Danza 2026. Considerata l’erede per eccellenza di Pina Bausch, la coreografa tedesca Sasha Waltz si distingue per la capacità di indagare le pieghe più nascoste dell’animo umano, la sua meravigliosa vulnerabilità e fragile bellezza, e per la capacità di tradurre questa indagine esistenziale in teatro-danza, ponendoci di fronte a questioni e temi universali. Con Beethoven 7, Waltz prosegue la sua ricerca sulla relazione tra danza e musica: quattordici danzatori della sua compagnia si confrontano con la Sinfonia no. 7 in La maggiore Op. 92 di Ludwig van Beethoven e con le sonorità elettroniche di Freiheit/Extasis, nuovo lavoro appositamente commissionato al compositore cileno Diego Noguera come risposta ai temi e alle domande poste da questo monumento della cultura musicale mondiale. Nel 1812 Beethoven annotava nel suo diario: “Le persone reali sono schiave dell’ambiente in cui vivono o possono ...

Il Birmingham Royal Ballet dedica il prossimo 18 giugno una serata di particolare rilievo alla celebrazione del centenario di Sir Peter Wright, figura fondamentale non solo per la storia della compagnia, ma per l’intero sviluppo del balletto britannico del secondo Novecento. Più che un semplice omaggio, l’evento si configura come un percorso nella memoria artistica di Wright, costruito attraverso alcune delle pagine più emblematiche del grande repertorio classico, cui egli ha saputo conferire nel tempo una cifra stilistica riconoscibile e duratura. La serata si sviluppa come una successione di momenti tratti da titoli che hanno segnato in maniera decisiva la sua carriera e il profilo stesso della compagnia: Il lago dei cigni, La bella addormentata, Coppélia e Giselle. Opere che appartengono al cuore della tradizione accademica, ma che, attraverso le produzioni firmate o curate da Wright, hanno trovato una nuova vitalità scenica, capace di coniugare rigore formale e chiarezza narrativa. In esse si riflette quella visione del balletto che ha sempre contraddistinto il coreografo inglese: un teatro della danza in cui la costruzione drammaturgica, la musicalità e l’attenzione al dettaglio concorrono a creare un’esperienza pienamente immersiva. Questa prima parte della serata assume così il valore di una vera e propria ...

La compagnia porta in scena due coreografie del suo direttore Edward Clug ispirate a capolavori di Pergolesi e Carl Orff: Stabat Mater e Carmina Burana. Prosegue domenica 19 aprile alle 20.30 la stagione di Danza al Teatro Comunale di Modena con il Balletto di Maribor impegnato in due brani di matrice classico-contemporanea firmati da Edward Clug, direttore della compagnia: Stabat Mater, su musica di Giovanni Battista Pergolesi e, in prima italiana, Carmina Burana, titolo della notissima partitura musicale di Carl Orff. Radicato a Maribor da più di trent’anni, il coreografo rumeno Edward Clug è alla guida del Balletto del Teatro Nazionale Sloveno dal 2003. Con lui, la principale compagnia di danza del Paese sta attraversando un momento di grande popolarità, grazie a un vasto repertorio, tra cui compaiono diversi suoi titoli di successo. Autore capace di reinterpretare tanto la tradizione ballettistica ottocentesca e novecentesca (Schiaccianoci, Coppelia, Petrushka) quanto di incrociare la grande letteratura (Faust, Il maestro e Margherita, Peer Gynt), Clug ha sperimentato audaci accostamenti tra passato e presente. È accaduto con il suo brano cult Radio & Juliet, presentato a Modena nel 2014, nel quale la tragica vicenda shakespeariana degli amanti veronesi incontrava la musica rock dei Radiohead. Molti ...