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Il Balletto di Siena, diretto da Marco Batti, annuncia un’audizione ufficiale per selezionare danzatori e danzatrici da inserire nella stagione artistica 2026/2027. I contratti potranno avere inizio già a partire da giugno 2026. Requisiti di partecipazione L’audizione è aperta a: Danzatori e danzatrici di nazionalità UE Età minima: 18 anni Quando e dove L’audizione si terrà: Data: giovedì 2 aprile 2026 Orario: ore 10:00 (registrazione dalle 9:00) Luogo: Sede del Balletto di Siena In caso di elevato numero di partecipanti, i candidati potranno essere suddivisi in gruppi per la prima fase della selezione. Programma dell’audizione I partecipanti dovranno affrontare diverse prove, tra cui: Lezione di danza classica (punte obbligatorie per le donne) Variazione di repertorio a scelta del candidato (con supporto musicale) Assolo contemporaneo (su richiesta della giuria) Laboratorio coreografico La commissione si riserva la possibilità di richiedere l’esecuzione completa o parziale del programma. I risultati saranno comunicati al termine della giornata.  Modalità di candidatura Per partecipare è necessario inviare la propria candidatura via email all’indirizzo: segreteria@ballettodisiena.it entro: Scadenza: lunedì 30 marzo 2026 Documenti richiesti: Modulo di iscrizione Curriculum vitae Certificato medico Foto recenti  ORARI & INFO Giovedì 2 aprile 2026 Infoline: 0577 222774 segreteria@ballettodisiena.it www.ballettodisiena.it Redazione www.giornaledelladanza.com

Tra gli appuntamenti clou della nona edizione di FOG Performing Arts Festival, Marcos Morau – artista associato di Triennale Milano Teatro – presenta con la sua compagnia La Veronal il nuovo spettacolo La mort i la primavera. Basato sul romanzo omonimo dell’autrice catalana Mercè Rodoreda, il lavoro è una fiaba crudele e visionaria, oscura ed enigmatica, nella quale l’acclamata compagnia catalana si immerge per dare vita a un’allegoria della libertà creativa e della capacità dell’arte di affrontare l’angoscia del ciclo creazione-distruzione. Sul palcoscenico prende vita un universo fantastico, sospeso fra la dimensione spirituale e quella animale, dove non c’è alcuna “legge della vita”, perché la vita ha più poteri delle leggi: un universo che danza, implacabile, attorno alle nostre misere azioni, alla nostra gesticolazione vana, in un viaggio tra illusioni del passato, paura del presente e lotta per un futuro sempre più difficile da immaginare. «Il mondo crudele e senza tempo del romanzo – scrive Morau – è anche un’allegoria dei mali del mondo, delle devastazioni e dei fascismi della modernità: perché presenta la Storia come il risultato di una terribile sordità alla musica segreta di tutti gli esseri viventi; perché mette a nudo un’umanità oppressiva e oppressa, sempre incline ...

Luigi Faccuito, nato Eugene Louis Faccuito e universalmente conosciuto nel mondo della danza semplicemente come Luigi, è stato uno dei protagonisti della storia della jazz dance negli Stati Uniti: ballerino, coreografo e soprattutto pedagogo, è considerato da molti il fondatore della prima vera tecnica strutturata di allenamento per la danza jazz. Il suo lavoro si basava su alcuni principi centrali del movimento: l’allineamento corretto del corpo, la stabilità del centro, il controllo dell’equilibrio e la capacità del danzatore di percepire il movimento dall’interno. Questi elementi confluirono in un sistema di esercizi che Luigi sviluppò nel corso degli anni e che divenne noto come Luigi Warm-Up Technique, un programma di preparazione fisica pensato non solo per migliorare la qualità della danza ma anche per rafforzare il corpo e prevenire o recuperare infortuni. Proprio per queste caratteristiche, il metodo è stato talvolta utilizzato anche in contesti di riabilitazione fisica. Con il tempo questo sistema di lavoro si è affermato come uno dei primi metodi codificati per l’insegnamento della danza jazz e della danza legata al teatro musicale, offrendo agli interpreti una base tecnica stabile su cui costruire il proprio stile. L’origine di questo metodo è legata a un momento molto difficile della ...

Nell’autunno del 2026 uno dei musical più iconici della storia del teatro tornerà sulle scene francesi in una cornice spettacolare: La Cage aux Folles sarà rappresentato a La Seine Musicale, uno dei poli culturali più moderni dell’area parigina. L’evento promette di unire la grande tradizione del teatro musicale con una produzione contemporanea, riportando alla ribalta una storia che ha segnato profondamente la cultura popolare europea e americana. La storia di La Cage aux Folles affonda le sue radici nella Francia degli anni Settanta. L’opera originale fu scritta dal drammaturgo Jean Poiret e debuttò a teatro nel 1973, ottenendo immediatamente un enorme successo. La trama ruota attorno alla vita di Georges, proprietario di un locale di cabaret sulla Costa Azzurra, e del suo compagno Albin, star dello spettacolo drag del locale. La commedia giocava con ironia e umanità sui temi dell’identità, della famiglia e della tolleranza, elementi che negli anni Settanta erano ancora relativamente nuovi per il grande pubblico teatrale. Il successo della pièce portò presto a un adattamento cinematografico: il film La Cage aux Folles, diretto da Édouard Molinaro con interpreti Michel Serrault e Ugo Tognazzi, uscì nel 1978 e divenne un fenomeno internazionale, vincendo anche il Golden Globe come miglior film straniero ...

La Stagione 25/26 del Teatro Morlacchi di Perugia prosegue con il quarto appuntamento della Rassegna di danza “Perché non ballate?”: sabato 21 marzo alle ore 18 e domenica 22 marzo alle ore 17 in scena redrum di gruppo nanou; coreografie di Marco Valerio Amico e Rhuena Bracci e con gli interpreti Carolina Amoretti, Marina Bertoni, Rhuena Bracci, Andrea Dionisi, Agnese Gabrielli e Marco Maretti. Vincitore del Premio Ubu 2024 ex-aequo nella categoria “miglior spettacolo di danza”. redrum è il primo capitolo del nuovo progetto pluriennale Overlook Hotel di gruppo nanou, formazione nata nel 2004 come spazio di confronto delle visioni artistiche di Marco Valerio Amico, Rhuena Bracci e Roberto Rettura, diventando luogo dove corpo, suono e immagine trovano un linguaggio comune nella coreografia, dando vita a un’opera organica. Il titolo dello spettacolo omaggia Shining, sia il romanzo di Stephen King che la interpretazione filmica che ne ha dato Stanley Kubrick, evocando l’idea di uno spazio inesistente ma familiare, capace di scatenare un immaginario conturbante popolato da fantasmi e da ricordi in cui si perde il confine tra realtà, sogno e desiderio. redrum è una installazione coreografica per cinque danzatori e un performer in cui vengono riscritte le regole del rito ...

Pietrasanta si prepara ad accogliere la decima edizione di DAP Festival – Danza in Arte a Pietrasanta, in programma dal 27 giugno all’11 luglio 2026, confermandosi come uno dei principali appuntamenti italiani dedicati alla danza contemporanea in dialogo con le arti visive e lo spazio urbano. Con la direzione artistica di Adria Ferrali e la direzione esecutiva di Sara Tartaglia, il festival è patrocinato da Ministero della Cultura, Assemblea parlamentare del Mediterraneo, Regione Toscana e Comune di Pietrasanta, supportato da Centro per le Arti Visive e Fondazione La Versiliana. Il 2026 segna un traguardo simbolico per il festival, che celebra dieci anni di attività rafforzando la propria vocazione internazionale e la capacità di mettere in relazione grandi protagonisti della danza internazionale e nuove generazioni di artisti. Il programma propone un cartellone di 14 spettacoli coinvolgendo compagnie e interpreti provenienti da Europa, Stati Uniti e Africa. Fiore all’occhiello dell’edizione 2026 la collaborazione con il Museo Mitoraj che dà vita – grazie ad una co-produzione tra DAP Festival × Compagnia Bellanda – alla performance di apertura, un’esperienza immersiva che unisce visita al museo e danza, un lavoro che intreccia arte, corpo e memoria ispirato alla scultura “Bocca di Rocca Bianca” del maestro polacco. Tra i protagonisti di questa edizione figurano alcune delle personalità più autorevoli della danza contemporanea internazionale. Oltre a Compagnia Bellanda, ...

      Sergej Diaghilev non fu semplicemente un impresario: fu un catalizzatore, una mente che trasformò l’arte in un organismo vivo capace di attraversare confini, discipline e sensibilità. La sua figura si muove tra contraddizioni affascinanti: aristocratico senza fortuna, visionario senza tecnica specifica, organizzatore senza compromessi. Eppure proprio da queste tensioni nacque una delle rivoluzioni culturali più decisive del primo Novecento. Nato nella Russia imperiale, Diaghilev crebbe in un ambiente in cui la cultura era segno di distinzione sociale ma anche spazio di sperimentazione. Sin da giovane mostrò una predisposizione non tanto per la creazione artistica diretta, quanto per il riconoscimento del talento altrui. Questa capacità, apparentemente secondaria, si rivelò invece il fulcro della sua grandezza: vedere prima degli altri, comprendere ciò che ancora non era stato pienamente espresso, e metterlo nelle condizioni di esistere. Il suo primo campo d’azione fu quello delle arti visive e della critica. Ma ben presto intuì che il vero salto non stava nel perfezionare un linguaggio, bensì nel metterli tutti in relazione. Fu qui che nacque la sua idea più radicale: l’arte totale non come semplice somma di elementi, ma come collisione fertile tra forme diverse. La danza, la musica, la pittura, la ...

Un musical fuori dagli schemi, dove l’opera lirica incontra la comicità travolgente del teatro fisico. Arriva per la prima volta a Reggio Emilia Opera Locos, lo spettacolo della compagnia spagnola Yllana che ha conquistato i palcoscenici internazionali con una formula originale e irresistibile. Lo spettacolo sarà in scena al Teatro Municipale Valli di Reggio Emilia venerdì 20 e sabato 21 marzo alle ore 20.30 e domenica 22 marzo alle ore 15.30, con la regia dei direttori artistici David Ottone e Joe O’Curneen, la direzione musicale di Marc Álvarez e Manuel Coves e le coreografie di Carlos Chamorro. Lontano dai musical tradizionali, Opera Locos propone un incontro sorprendente tra lirica, teatro gestuale e comicità. Sul palco cinque cantanti lirici di grande tecnica vocale si muovono tra virtuosismi musicali e situazioni esilaranti, dando vita a uno spettacolo che alterna momenti di grande qualità musicale a gag irresistibili. Debuttato a Madrid nel maggio 2018, Opera Locos ha rapidamente conquistato il pubblico internazionale ed è stato rappresentato in numerosi paesi, tra cui Spagna, Francia, Regno Unito, Stati Uniti, Corea del Sud e Cina. Ha ottenuto particolare successo all’Edinburgh Fringe Festival e al Sadler’s Wells di Londra, mentre in Francia la produzione è arrivata alla ...

La felicità è un concetto sfuggente e spesso difficile da definire. Cambia forma a seconda di chi la vive: per alcuni coincide con momenti di gioia intensa, per altri con una costante serenità. La felicità quindi è più una questione di percezione e di stato d’animo che di circostanze oggettive. Ma c’è un campo in cui essa trova indiscutibilmente terreno fertile per germogliare e manifestarsi: la danza. La connessione tra salute fisica e felicità è universalmente riconosciuta: un corpo allenato, libero da tensioni, permette di vivere meglio e di comprendere ed esprimere le emozioni in modo più autentico e intenso. La danza diventa così uno strumento per valorizzare la felicità: la sensazione di benessere fisico si riflette sullo stato mentale, generando una profonda sensazione di completezza. La ricerca dell’eccellenza tecnica infatti si intreccia con la creatività e con la soddisfazione personale: ogni movimento appreso e ben eseguito diventa un traguardo raggiunto, una piccola vittoria che alimenta la gioia. Quando si crea o si fruisce arte, infatti, ci si immerge in un’esperienza che trascende la quotidianità, libera dallo stress e favorisce la connessione con se stessi e con gli altri. La danza non offre solo momenti di euforia, ma crea una ...

C’è un dolce che danza sul palato con la leggerezza di una piuma sospinta dal vento: la Pavlova. La sua crosta esterna, fragile e croccante, cela un cuore morbido e dolce, quasi etereo, che sembra sfidare la gravità, proprio come la ballerina a cui deve il suo nome. Ogni morso è un piccolo arabesco di gusto, un volteggio tra dolcezza e acidità, tra la sofficità della meringa e la freschezza della frutta che la adorna, come un costume scintillante sotto i riflettori di un palcoscenico. La nascita della Pavlova è avvolta in una leggenda che attraversa oceani e cucine: si racconta che negli anni ’20, in Australia o in Nuova Zelanda — la paternità è contesa — un pasticcere volle rendere omaggio alla grande ballerina russa Anna Pavlova, in tournée nel Sud Pacifico. Affascinato dalla sua leggerezza e dalla grazia dei suoi movimenti, creò un dolce che potesse incarnare la stessa eterea eleganza: meringa montata a neve ferma, croccante fuori e morbida dentro, ricoperta di panna fresca e decorata con frutti succosi, un vero balletto di sapori e consistenze. In un colpo di genio culinario, il dolce diventò un tributo non solo alla danza, ma alla capacità di librarsi oltre ...