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Nello scenario suggestivo di Orsolina28, sospeso tra la quiete delle colline del Monferrato e l’energia della grande danza internazionale, l’estate coreografica del 2026 trova uno dei suoi momenti più alti nella presenza di Medhi Walerski. Celebrato come una delle voci più influenti e innovative della scena contemporanea, Walerski incarna quest’anno una duplice e affascinante veste: quella di custode e mentore nel programma Intensive, in cui guida giovani talenti nell’esplorazione profonda del suo repertorio, e quella di puro creatore per Stelle di Domani, il prestigioso progetto del Balletto di Venezia dedicato alle future promesse delle più grandi accademie del mondo. In questa intervista esclusiva, Walerski ci racconta come il dialogo tra pedagogia e creazione, tra memoria fisica e slancio verso il futuro, si traduca in un’urgenza di movimento capace di ridefinire i confini della danza di oggi.
Quest’anno a Orsolina28 Lei ha un doppio ruolo, di mentore e creatore, nel contesto dei programmi Intensive e Stelle di domani. In che modo queste due dimensioni si alimentano a vicenda?
Questi due ruoli sono in qualche modo collegati. Essere un mentore ed essere un creatore provengono dallo stesso luogo: il desiderio di condividere, di ascoltare e di continuare a imparare attraverso gli altri. Lavorare con gli studenti del programma intensivo mi permette di rivisitare il repertorio esistente con occhi nuovi e curiosi. Vedere ballerini pre-professionisti affrontare il materiale, scoprire la propria voce e portare le loro esperienze personali nel lavoro mi ricorda ciò che per primo mi ha fatto appassionare alla danza. È anche una meravigliosa opportunità per trasmettere non solo passi e coreografia, ma le idee e i valori che esistono dietro il lavoro. Ogni anno gli studenti creano il proprio materiale, quindi il programma diventa un processo creativo in sé, in cui l’esplorazione e la scoperta sono al centro. Al allo stesso tempo, creare un nuovo pezzo per Stelle di Domani potrebbe portare a un diverso tipo di dialogo. Devo ancora iniziare il processo. Questi giovani artisti si trovano in una fase in cui stanno scoprendo chi sono, e questo crea uno spazio molto aperto ed entusiasmante per l’esplorazione. La loro energia e individualità influenzano il processo creativo e mi sfidano a rimanere presente, aperto e ricettivo. In definitiva, entrambe le esperienze si alimentano a vicenda. Guidare la prossima generazione di artisti è sia una grande responsabilità che un privilegio, e continua a ispirarmi come creatore.
Nel programma Intensive a Orsolina28, giovani talenti da tutto il mondo si immergono nel Suo linguaggio stilistico. Nel trasmettere il Suo repertorio a una nuova generazione, cerca la precisione dell’esecuzione filologica o spinge i danzatori a risignificare il movimento attraverso il proprio vissuto personale?
Penso dipenda dal lavoro. Alcuni pezzi hanno un linguaggio, una struttura o un’intenzione molto specifici alla base, e in questi casi è importante avere chiarezza e rispetto per le idee originali che hanno plasmato la coreografia. I dettagli, la musicalità e il linguaggio fanno parte dell’identità dell’opera e devono essere compresi e incarnati. Altri lavori consentono una maggiore libertà di interpretazione. Ciò che mi entusiasma di più è vedere i ballerini portare la propria arte e le proprie esperienze personali nel pezzo. Un’opera non può semplicemente essere riprodotta. Deve essere vissuta. Ogni ballerino arriva con la propria storia, sensibilità e i propri modi di connettersi con il materiale, ed è questo che permette all’opera di continuare a evolversi e a sentirsi viva. L’obiettivo non è una riproduzione puramente tecnica o storica, ma un dialogo tra l’essenza dell’opera e l’individualità dell’interprete. Quando i ballerini comprendono l’intenzione dietro il movimento e sono in grado di portarvi la propria comprensione e interpretazione, l’opera trova una nuova energia a ogni generazione. In definitiva, non cerco che tutti si muovano nello stesso modo. Mi interessano la chiarezza dell’intenzione, la connessione e l’onestà. La ricchezza deriva dal vedere come ogni ballerino fa propria la proposta pur rimanendo parte di un’espressione collettiva.
L’atto di mostrare il lavoro non come uno spettacolo finito e blindato, ma come una condivisione di un percorso ‒ lo Student Sharing ‒ come cambia il rapporto con il pubblico? Diventa un atto di trasparenza del processo creativo?
Un’opera è mai veramente finita o completamente definita, persino all’interno di una compagnia di danza professionale? Io non credo. È una delle cose che trovo più magiche della nostra forma d’arte: un pezzo è sempre vivo e può continuare a evolversi, mutare e trasformarsi. Presentare il lavoro come un momento di condivisione con gli studenti invita il pubblico a diventare parte del percorso creativo. Non si limitano a testimoniare quello che pensano possa essere un prodotto finale, ma vivono un momento del processo creativo, vedendo dove sono arrivati i ballerini dopo soli cinque giorni di esplorazione, scoperta e collaborazione. C’è qualcosa di molto speciale in questa condivisione. Crea un senso di apertura e vulnerabilità e permette al pubblico di connettersi con il processo stesso.
Per “Stelle di Domani”, lei lavora con i migliori neodiplomati delle più prestigiose accademie del mondo. Qual è la sfida coreografica più complessa nel guidare un danzatore nel delicatissimo passaggio dall’eccellenza accademica alla vulnerabilità richiesta dalla creazione contemporanea?
Connettersi con la vulnerabilità potrebbe essere la mia sfida principale. Questi giovani artisti hanno già raggiunto un livello altissimo di eccellenza tecnica. Sono capaci, disciplinati e hanno lavorato incredibilmente duro per arrivare a questo punto. Il processo creativo richiede qualcosa di diverso. Essi sono parte integrante della creazione. Richiede di abbandonare il bisogno di dimostrare il proprio valore e di lasciare spazio per mettere in discussione, cercare e scoprire. Significa tuffarsi insieme nell’ignoto, senza avere tutte le risposte o sapere esattamente cosa troveremo lungo il cammino. I momenti più entusiasmanti nascono spesso da quel luogo di apertura e fiducia. Non è facile!
L’ecosistema di Orsolina28 è un incubatore artistico, in che modo la residenza coreografica in uno spazio immerso nella natura può cambiare la percezione del tempo e dello spazio?
Rallentiamo, osserviamo e diventiamo più presenti. In studio, lavoriamo spesso all’interno di periodi di creazione molto concentrati e intensi, in uno studio fatto di pareti. Essere circondati dalla natura crea momenti di pausa e riflessione. Permette alle idee di respirare e dà al corpo e alla mente lo spazio per elaborare diversamente ciò che si sta esplorando. Ad Orsolina28, si crea e ci si connette con la terra, il cielo, le stelle, il sole e la luna. È un’esperienza unica che ti tocca profondamente e ha un impatto profondo sul tuo spirito. Quella connessione trova inevitabilmente la sua strada nel lavoro.L’ambiente diventa molto più di un luogo fisico in cui creare. Il paesaggio, i suoni, il silenzio e il legame con la natura influenzano il modo in cui ci muoviamo, ascoltiamo e ci relazioniamo con noi stessi e gli altri. È un privilegio lavorare in queste condizioni. Un dono!
Il progetto del Balletto di Venezia unisce la grande tradizione classica e neoclassica a un approccio fresco e contemporaneo. Nel Suo processo creativo, la tecnica classica viene considerata una struttura da decostruire o una base geometrica su cui innestare nuove possibilità anatomiche?
A essere onesto, non lo so davvero. Il mio rapporto con la danza è sempre stato piuttosto istintivo. Mi sono avvicinato per la prima volta al movimento attraverso il movimento libero con la mia famiglia, come modo per connetterci l’uno con l’altro e celebrare momenti condivisi. Le mie origini e la mia formazione formale affondano le radici nel balletto classico, mentre il mio percorso professionale si è svolto principalmente nella danza contemporanea. Tutte queste esperienze fanno parte di ciò che sono come artista. Non cerco di separare o trasformare consapevolmente una forma nell’altra. Accolgo le mie radici e lascio che tutte queste diverse influenze trovino la loro strada nel mio processo creativo. A volte appaiono attraverso il corpo, a volte attraverso la musicalità, a volte attraverso il modo in cui penso allo spazio, alla composizione e alla connessione umana. Non sempre riesco a spiegare esattamente da dove provengano questi elementi, ma confido nel fatto che siano presenti. Fanno parte della mia storia, delle mie esperienze e del modo in cui vedo il mondo attraverso il movimento.
7) Accanto a Lei, in questa programmazione, figure leggendarie come Sylvie Guillem e Olga Smirnova. Condividere lo spazio pedagogico e creativo con figure che hanno ridefinito la storia della danza, che tipo di stimolo o di responsabilità impone al Suo ruolo di coreografo?
È un grande onore condividere questo spazio con artisti così straordinari e mi sento molto grato per l’opportunità. La responsabilità è qualcosa che avverto sempre, indipendentemente da con chi sto lavorando o con chi sto condividendo un programma. Naturalmente, essere accanto ad artisti che hanno avuto carriere così incredibili e che hanno dato un contributo così grande alla storia della danza è fonte d’ispirazione, ma in fin dei conti sento una responsabilità verso la nostra stessa forma d’arte, verso ciò che tutti condividiamo, ciò che ci unisce e ciò che continua a riunirci. Per me, il privilegio più grande è aver scoperto una passione ed essere in grado di dedicare la mia vita ad essa. Creare, insegnare e condividere la danza con gli altri è qualcosa che non do mai per scontato. Essere parte di questa stirpe di artisti mi ispira a continuare a imparare e a contribuire con onestà, curiosità e l’impegno a continuare a esplorare ciò che la danza può essere.
Del progetto fanno parte ragazzi di 17-19 anni provenienti da culture formative diversissime, dall’ABT di New York alla Royal Ballet School di Londra, che si ritrovano a danzare insieme le sue coreografie. Ha notato l’emergere di un’estetica globale comune in questa nuova generazione, o le differenze culturali e di formazione rimangono evidenti nel modo in cui assimilano il Suo stile?
C’è sicuramente un’estetica globale condivisa che sta emergendo tra le nuove generazioni. Attraverso l’accessibilità delle informazioni, i social media e le opportunità di formazione internazionale, i giovani ballerini sono esposti a molti degli stessi riferimenti, influenze e conversazioni artistiche. Allo stesso tempo, credo fermamente che i background culturali e le esperienze personali continuino a plasmare il modo in cui ogni ballerino si approccia al movimento. Anche quando i ballerini condividono una simile base tecnica o sono ispirati da voci simili, ognuno di loro porta una sensibilità, una fisicità e un modo di comprendere il lavoro differenti. Per me si tratta di rivelare la loro individualità e la loro umanità. Siamo tutti unici, e questa è la bellezza di tutto ciò. Ciò che trovo entusiasmante non è cancellare queste differenze, ma scoprire come possano coesistere. Quando ballerini provenienti da diversi background si uniscono, il lavoro diventa un punto d’incontro tra un linguaggio condiviso e le voci individuali.
Per molti di questi giovani, interpretare le Sue opere rappresenta la prima vera esperienza professionale. Che impronta spera di lasciare nella loro memoria e nella loro identità artistica prima che spicchino il volo verso le carriere di future étoile?
Più di ogni altra cosa, spero che facciano un’esperienza significativa, che si godano il fatto di far parte del processo, dello scambio e della scoperta che avvengono quando gli artisti si uniscono. Spero che provino l’entusiasmo di imparare un nuovo linguaggio coreografico, di essere messi alla prova e di avventurarsi in qualcosa di non familiare. Creare è un viaggio, e se troveranno piacere nel processo stesso: nel cercare, mettere in discussione, collaborare e scoprire nuove possibilità dentro di sé e gli uni con gli altri come artisti, allora sarò felice.
Lei è considerato uno dei coreografi più influenti e significativi della scena internazionale contemporanea. Qual è l’urgenza tematica o l’interrogativo esistenziale che muove la Sua ricerca in questo preciso momento storico?
La condizione umana è per me una fonte inesauribile di ispirazione, interrogativi e contraddizioni. Nel mondo in cui viviamo oggi, dove c’è così tanta divisione, incertezza e distruzione, mi ritrovo sempre più attratto dalle idee di connessione umana e speranza. Queste non sono risposte, ma domande che continuano a guidare il mio lavoro. Piuttosto che cercare di fare dichiarazioni, mi interessa creare spazi in cui le persone possano creare, sentire, riflettere e connettersi le une con le altre. Se la danza può ricordarci la nostra umanità condivisa, anche solo per un breve momento, allora sento che ha un ruolo importante da svolgere.
Progetti futuri?
Creerò un nuovo lavoro per il Ballet BC, il che è particolarmente significativo poiché sarà la mia ultima creazione lì in qualità di Direttore Artistico. Sono anche entusiasta di vedere opere esistenti continuare il loro percorso con compagnie tra cui il Royal Swedish Ballet e il National Ballet of Canada, insieme ad altre compagnie che interpreteranno parte del mio repertorio nel corso della stagione.
Lorena Coppola
Photo Credits: Hunt Harder – Rahi Rezvani
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