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Nel vasto repertorio del balletto del Novecento, Gaîté Parisienne occupa una posizione singolare, sospesa tra eleganza operettistica, nostalgia per la Belle Époque e brillante virtuosismo coreografico. L’opera nasce nel 1938 per i Ballets Russes de Monte-Carlo, compagnia che negli anni successivi allo scioglimento dei Ballets Russes di Diaghilev continuò a diffondere nel mondo l’eredità artistica del balletto russo.
La coreografia fu firmata da Léonide Massine, mentre la partitura venne assemblata e orchestrata dal direttore e compositore Manuel Rosenthal a partire dalle melodie di Jacques Offenbach, il maestro dell’operetta francese dell’Ottocento.
L’idea alla base del balletto era semplice ma estremamente efficace: evocare la Parigi brillante e spensierata del Secondo Impero, quella dei boulevard illuminati, dei caffè eleganti e dei locali notturni popolati da aristocratici, artisti e viaggiatori stranieri. Offenbach aveva già incarnato musicalmente questo spirito con le sue operette, piene di ritmo, ironia e vivacità melodica; Rosenthal ne selezionò numerosi temi, trasformandoli in una partitura orchestrale continua che restituisse l’atmosfera effervescente della capitale francese.
La prima rappresentazione ebbe luogo nel 1938 al Théâtre de Monte-Carlo e ottenne immediatamente un grande successo. Il balletto colpiva per la sua capacità di unire spettacolo, umorismo e danza di carattere, creando un affresco teatrale vivace e colorato che rievocava la vita mondana di un elegante locale parigino. Non si trattava di una narrazione lineare nel senso tradizionale, ma piuttosto di una successione di situazioni coreografiche e incontri tra personaggi diversi, ciascuno definito da una precisa identità scenica.
L’azione si svolge infatti all’interno di un ristorante-caffè della Parigi ottocentesca, luogo di ritrovo cosmopolita dove si incontrano aristocratici, ufficiali, artisti e turisti. Tra i protagonisti spicca una raffinata cortigiana, spesso identificata come la figura della Gantée, elegante e seducente, che diventa il centro dell’attenzione maschile. Accanto a lei compaiono un ufficiale, un giovane dandy, un aristocratico brasiliano, una coppia di turisti e un gruppo di ballerine del locale. L’intreccio si sviluppa attraverso una serie di flirt, rivalità e situazioni galanti, creando un gioco teatrale in cui seduzione e ironia si alternano continuamente.
Massine costruì la coreografia come una vera e propria commedia danzata. I personaggi non sono solo interpreti tecnici, ma figure teatrali ben riconoscibili: il dandy elegante, il militare impetuoso, il turista curioso, la ballerina civettuola. Questo approccio conferisce al balletto una dimensione narrativa leggera e brillante, in cui la danza diventa uno strumento per raccontare il clima frivolo e mondano della Parigi di Offenbach.
La musica gioca un ruolo fondamentale nel definire l’atmosfera dello spettacolo. Manuel Rosenthal utilizzò numerosi temi provenienti dalle operette più celebri di Offenbach, tra cui Orphée aux enfers, creando una partitura ricca di valzer, galop e polke che si susseguono con ritmo incalzante. Il risultato è una musica scintillante, capace di evocare immediatamente l’immaginario della Belle Époque e di sostenere il carattere teatrale della coreografia.
Tra le curiosità legate alla nascita del balletto vi è il fatto che Rosenthal inizialmente non era convinto di accettare il progetto. L’idea di assemblare musiche già esistenti non lo entusiasmava, ma il risultato finale superò ogni aspettativa e divenne una delle partiture orchestrali più amate del repertorio ballettistico. Ancora oggi la suite sinfonica di Gaîté Parisienne viene spesso eseguita in concerto indipendentemente dalla coreografia.
Il successo dell’opera fu immediato e duraturo. Il balletto entrò rapidamente nel repertorio delle grandi compagnie internazionali e rimase per decenni uno dei titoli più popolari dei Ballets Russes de Monte-Carlo durante le loro tournée negli Stati Uniti e in Europa. La combinazione di virtuosismo tecnico, comicità teatrale e musica brillante lo rese particolarmente amato dal pubblico, contribuendo a diffondere un’immagine romantica e festosa della Parigi ottocentesca.
Nel tempo Gaîté Parisienne è diventato uno dei migliori esempi di balletto di carattere del Novecento, capace di fondere la tradizione dell’operetta con il linguaggio coreografico classico. L’opera non racconta una storia drammatica, ma celebra un’atmosfera: quella di una città che, attraverso musica e danza, continua a incarnare l’idea stessa di eleganza, leggerezza e joie de vivre. In scena, tra valzer scintillanti e incontri galanti, prende forma un affresco teatrale in cui la danza restituisce tutta la vivacità e lo spirito brillante della Parigi immaginata da Offenbach.
In seguito alcuni coreografi hanno sentito il desiderio di confrontarsi nuovamente con Gaîté Parisienne, allontanandosi dall’immagine brillante e mondana fissata dalla versione di Léonide Massine. Tra queste riletture spicca quella concepita da Maurice Béjart nel 1978 per il Ballet du XXe Siècle, presentata al Théâtre Royal de la Monnaie di Bruxelles. In questa occasione il coreografo belga-francese scelse di utilizzare il titolo come punto di partenza per un’interpretazione completamente diversa, trasformando il balletto in una sorta di racconto interiore legato alla memoria della danza e della città di Parigi.
Se nella creazione di Massine il centro della scena era un elegante caffè della Belle Époque animato da personaggi galanti e da un’atmosfera frivola, Béjart preferì immaginare un percorso più personale. La sua coreografia segue idealmente l’esperienza di un giovane che giunge nella capitale francese per studiare danza, portando con sé aspettative, sogni e timori. Intorno a questa figura si costruisce una sequenza di immagini che evocano il mondo del teatro, della musica e della storia culturale parigina, come se il protagonista attraversasse una città fatta tanto di ricordi quanto di presenze simboliche.
In questo universo scenico compaiono figure inattese per un balletto tradizionale. Tra le apparizioni spicca quella di Jacques Offenbach, il compositore la cui musica costituisce la base della partitura, insieme a personaggi storici come Napoleon III e a evocazioni dei ballerini dell’Opéra de Paris. Queste presenze non sono inserite in un racconto lineare, ma emergono come visioni che affiorano nella mente del protagonista, creando una sorta di mosaico teatrale in cui memoria, immaginazione e storia della danza si intrecciano.
La coreografia alterna momenti di brillante ironia a passaggi più intimi e riflessivi. Accanto a scene corali costruite con energia teatrale, compaiono episodi più raccolti che suggeriscono la solitudine, l’ambizione e la fragilità del giovane artista. In questo modo il balletto assume l’aspetto di un diario coreografico sulla formazione di un danzatore, ambientato nella città che per generazioni di artisti ha rappresentato una meta quasi mitica.
Proprio questa dimensione personale distingue profondamente la lettura di Béjart dalla tradizione precedente. Pur mantenendo la musica di Offenbach nell’orchestrazione realizzata da Manuel Rosenthal, il coreografo modifica completamente il contesto drammaturgico e il significato teatrale dell’opera. La Parigi evocata sulla scena non è più soltanto quella spensierata dei boulevard e dei locali eleganti, ma diventa uno spazio simbolico dove si incontrano storia, arte e memoria.
Nel panorama del repertorio coreografico del Novecento convivono così due visioni molto diverse dello stesso titolo. Da una parte rimane l’immagine brillante e festosa creata da Massine, con il suo affresco vivace della società parigina; dall’altra si colloca la versione di Béjart, più introspettiva e teatrale, che trasforma Gaîté Parisienne in una meditazione coreografica sulla vita artistica e sul mito stesso della capitale francese come luogo di formazione e di sogni per generazioni di danzatori.
Nel corso dei decenni Gaîté Parisienne è stato interpretato da numerosi ballerini di primo piano, soprattutto nella versione originale creata da Léonide Massine. Proprio le lunghe tournée americane della compagnia contribuirono a far conoscere il balletto ad un vasto pubblico e permisero a molti grandi interpreti del Novecento di misurarsi con i suoi ruoli brillanti e teatrali.
Tra le prime interpreti spiccò la grande ballerina russa Alexandra Danilova, che rese celebre il personaggio della seducente Gantée. La sua interpretazione divenne quasi leggendaria e contribuì in modo decisivo al successo del balletto negli Stati Uniti. Accanto a lei si distinsero altri artisti dei Ballets Russes de Monte-Carlo, come Frederic Franklin, Igor Youskevitch, Leon Danielian e Tatiana Riabouchinska, che portarono il balletto in tournée in tutto il mondo tra gli anni Quaranta e Cinquanta.
Il titolo entrò poi nel repertorio di diverse compagnie americane, in particolare dell’American Ballet Theatre e del New York City Ballet, dove fu interpretato da ballerini come Alicia Alonso, John Kriza e André Eglevsky. In queste produzioni il balletto mantenne il suo carattere brillante e teatrale, diventando uno dei titoli più popolari del repertorio leggero del Novecento.
Nel secondo dopoguerra la coreografia continuò a circolare anche in Europa. Interpreti come Yvette Chauviré e Roland Petit presero parte a produzioni ispirate allo spirito della Parigi ottocentesca evocata dal balletto, mentre alcune compagnie britanniche e francesi ne ripresero episodicamente la coreografia.
Un capitolo diverso si apre invece con la rilettura realizzata da Maurice Béjart. In questo adattamento, molto più personale e teatrale, il balletto diventava quasi un racconto autobiografico ambientato nel mondo della danza parigina. Tra gli interpreti di questa produzione figuravano diversi danzatori della compagnia di Béjart, tra cui Jorge Donn, uno dei suoi collaboratori più celebri, e artisti come Paolo Bortoluzzi, che contribuirono a diffondere lo stile espressivo e moderno del coreografo.
Nel complesso, la fortuna di Gaîté Parisienne si deve proprio alla sua natura teatrale e brillante, che permette ai ballerini di unire tecnica classica e interpretazione attoriale. Il balletto non richiede soltanto virtuosismo, ma anche senso del ritmo, ironia e capacità di caratterizzazione, qualità che hanno attratto interpreti molto diversi tra loro nel corso del Novecento.
Michele Olivieri
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