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Ha debuttato il 26 marzo 2026, al Teatro Bellini di Napoli, Pite/Preljocaj/Tortelli, trittico d’autore di grande spessore che unisce tre grandi nomi della danza contemporanea internazionale: Crystal Pite, Angelin Preljocaj e Diego Tortelli, una produzione Fondazione Nazionale della Danza/Aterballetto, coproduzione Fondazione Teatro Comunale di Bologna. Lo spettacolo ‒ in scena al Bellini fino al 29 marzo 2026 ‒ racchiude tre coreografie che attraversano paesaggi interiori ed emotivi, in un percorso multidimensionale che esplora tre diverse modalità di intendere la scrittura coreografica contemporanea: Glory Hall/Reconciliatio/Solo Echo. In apertura, la potenza emotivamente dirompente di Glory Hall, creazione per 16 danzatori su musiche di Goldspeed You! Black Emperor e Oneohtrix Point Never, in cui Diego Tortelli, attraverso una stratificazione di codici, costruisce un paesaggio coreografico che genera un flusso continuo, in cui il corpo non si limita a occupare lo spazio, ma lo struttura e lo mette in tensione, oscillando tra attrazione e resistenza. L’uso della musica non è illustrativo, ma architettonico: definisce spazi di attraversamento più che atmosfere. È qui che Aterballetto mostra la sua piena capacità di sostenere una fisicità estrema senza mai perdere la nitidezza del segno. Ogni gesto assume una duplice densità: è al contempo segno e intensità, traccia e ...

Pablo Girolami debutta in Fonderia, danzando nei vuoti della paura con T.R.I.P.O.F.O.B.I.A – The End. Con una prova aperta al pubblico lunedì 30 marzo alle ore 18.00 e con il debutto di martedì 31 marzo alle ore 21.00, Pablo Girolami porta a Reggio Emilia un lavoro che tratta della paura dei buchi, o meglio, di tutte quelle piccole figure geometriche che, messe insieme, creano ammassi di piccole cavità. Un gioco di immagini basato su accostamenti che si ripetono tridimensionalmente e che provoca un senso di disgusto e repulsione; l’allarme viene attivato grazie a un codice intrinseco, sviluppato nel corso dei secoli dai nostri antenati, che protegge il fobico dal pericolo di essere infettato da forme parassitarie o di essere ferito da animali velenosi. Ansia, angoscia, paura, centinaia di nomi per una singola dimensione esistenziale: la paura di perdere il controllo sul mondo, sul nostro corpo, sull’altro. Il mezzo con cui si forma uno scheletro tripofobico è la geometria, che però, grazie al contributo immaginativo della mente umana, diventa una porta attiva per la paura; riflettendo le insicurezze e le paranoie dell’uomo. Pablo Girolami è un coreografo di origine italo-spagnola formatosi artisticamente alla Tanz Akademie Zürich, dove si è diplomato nel ...

Il balletto Études rappresenta uno dei casi più affascinanti in cui la tecnica, anziché restare nascosta dietro le quinte, diventa il cuore stesso dello spettacolo. Creato nel 1948 dal coreografo Harald Lander su musiche di Carl Czerny orchestrate da Knudåge Riisager, questo balletto non segue una trama narrativa tradizionale, ma costruisce un percorso che è al tempo stesso concreto e simbolico: la nascita della danza a partire dall’esercizio quotidiano. Fin dai primi momenti, lo spettatore viene introdotto in un ambiente che richiama la sala prove più che il palcoscenico. La presenza della sbarra non è un semplice elemento scenografico, ma un vero punto di partenza concettuale: è lì che ogni ballerino costruisce la propria arte, giorno dopo giorno, attraverso disciplina, rigore e ripetizione. I movimenti iniziali sono volutamente semplici, quasi spogli di teatralità. Si tratta di gesti codificati, precisi, che rivelano la struttura nascosta della danza classica. Eppure, proprio in questa apparente semplicità, si intravede già una tensione verso qualcosa di più grande. Man mano che il balletto procede, questa dimensione “didattica” si dissolve gradualmente. La sbarra scompare, i movimenti si ampliano, lo spazio scenico si riempie di energia. È come assistere a una trasformazione organica: la tecnica non viene ...

Nell’ambito di un ampio progetto di collaborazione e coproduzione con il Teatro Nazionale Croato, il Teatro Regio di Parma ospita a Parma Danza il Balletto del Teatro Nazionale Croato Ivan Zajc di Fiume che giovedì 2 aprile 2026, ore 20.30, presenta Cenerentola con la coreografia Leo Mujić su musica di Sergej Prokof’ev, con la drammaturgia di Bálint Rauscher, le scene di Stefano Katunar, i costumi di Manuela Paladin Šabanović e le luci di Aleksandar Čavlek. Protagonisti Yurika Kimura (Ella/Cenerentola), Leonard Cela (John/principe), Marta Kanazir (Cindy/madre e fata madrina), Marta Voinea Čavrak (Zorica/sorellastra), Tea Rušin (Ljubica/ sorellastra), Ksenija Krutova (Milosija/matrigna), Ali Viktor Tabbouch (Dr. Vanja/padre), Isabelle Zabot (Maestro di cerimonie), Giovanni Liverani (Ragazzo con le arance), insieme all’Ensemble del Balletto del Teatro Nazionale Croato Ivan Zajc di Fiume Sonja Milovanov, Laura Anamaria Orlić, Alessia Tacchini, Jody Bet, Benjamin Cockwell, Giorgio Otranto, Federico Rubisse, Samuele Taccone. Il compositore russo iniziò a scrivere la partitura nel 1941, ma la completò solo nel 1944, debuttando nel 1945 al Teatro Bol’šoj, con la coreografia di Rostislav Zakharov. A proposito di Cenerentola, Prokof’ev scrisse “Vedo Cenerentola non solo come un personaggio fiabesco, ma come una persona reale, che sente, vive e si muove tra di noi. Ciò che ...

Opera emblematica della letteratura francese del XIX secolo, La Dame aux camélias di Alexandre Dumas figlio continua ancora oggi a esercitare un fascino profondo sugli artisti di ogni disciplina. La sua capacità di attraversare i linguaggi — dal teatro all’opera, fino alla danza — testimonia la forza universale di una storia che, pur radicata in un preciso contesto storico e sociale, parla in modo diretto alle emozioni più intime e universali dell’essere umano. Al centro del racconto si trova la tragica relazione tra Marguerite Gautier e Armand Duval, un amore intenso e impossibile, segnato da ostacoli morali, differenze sociali e da un destino che sembra ineluttabile. La figura di Marguerite, cortigiana parigina dal passato controverso ma dalla profonda sensibilità, incarna un ideale romantico intriso di contraddizioni: fragile e al tempo stesso forte, consapevole del proprio destino ma capace di un amore assoluto. Armand, dal canto suo, rappresenta l’impeto giovanile e la passione sincera, ma anche la rigidità di una società che fatica ad accettare il loro legame. È proprio questo scontro tra sentimento individuale e convenzioni sociali a rendere l’opera di Dumas figlio ancora così attuale: un dramma che interroga il lettore e lo spettatore sul prezzo del sacrificio e ...

Future Moves, progetto che introduce gruppi di giovani alla danza negli spazi dei Musei di Vicenza, invitandoli a danzare in dialogo con le opere e con gli immaginari del patrimonio artistico, celebra la Giornata mondiale della danza il 29 aprile con una giornata di attività aperte a tutti, dal titolo Il Museo in Movimento – giornata internazionale della danza a Palazzo Chiericati. Nato per sostenere il benessere degli adolescenti, in particolare coloro che vivono situazioni di fragilità psicologica, Future Moves valorizza la dimensione generativa e trasformativa della danza, attivando soft skills individuali e collettive, migliorando la salute psicofisica e offrendo strumenti per affrontare le complessità della crescita, trasformando l’approccio dei giovani al museo e ampliando le definizioni di bellezza ed eccellenza. Racconta l’Assessore alla Cultura, Ilaria Fantin: “La pratica della danza ha un impatto significativo sulla capacità dei giovani di affrontare le difficoltà legate alla crescita e offrire a ragazze e ragazzi uno spazio di espressione e sollievo all’interno del patrimonio museale rappresenta un’opportunità unica. Future Moves ha già realizzato 30 classi di danza, coinvolgendo adolescenti provenienti da Vicenza, Altavilla Vicentina, Altissimo, Arzignano, Bassano del Grappa e tante altre realtà vicine. Un percorso strutturato e ben articolato che, grazie al ...

Resistere alla separazione, abitare il tremore. Virgilio Sieni e il Centro Nazionale di Produzione della Danza Cango/Firenze celebrano, il 28 e 29 marzo, i 100 anni della Stamperia Braille della Regione Toscana, prima e unica stamperia braille in Italia gestita da un’istituzione pubblica con sede all’Ex Istituto dei Ciechi Vittorio Emanuele II di Firenze con il progetto Braille. La Stamperia Braille nasce nel 1926 dopo lo scioglimento dell’Istituto per Ciechi Vittorio Emanuele II al quale era annessa, dal 1979 diventa parte della Regione Toscana. La Stamperia opera a favore dei diritti della persona con disabilità visiva e collabora con varie associazioni, in particolare con l’Unione Italiana Ciechi ed Ipovedenti per la soluzione dei problemi legati all’accessibilità e all’integrazione. Produce e diffonde testi in braille, illustrazioni in rilievo e mappe tattili per le persone non vedenti e ipovedenti; offre consulenza in materia di braille e partecipa a progetti per l’accessibilità con soggetti pubblici e privati, quali Enti locali, Università, Fondazioni e musei; promuove la conoscenza e l’utilizzo del codice braille; favorisce l’informazione e l’attenzione diffusa alle tematiche della disabilità visiva, anche attraverso la presenza a manifestazioni, mostre ed eventi legati. Per il suo centenario è previsto un ampliamento delle funzioni della ...

Il progetto Visionary Dances nasce come un incontro tra visioni coreografiche profondamente diverse, ma sorprendentemente capaci di dialogare tra loro in un unico spazio scenico. Sul palcoscenico della Wiener Staatsoper, questo trittico riunisce tre figure centrali della danza contemporanea — Justin Peck, Wayne McGregor e Twyla Tharp — offrendo non solo una panoramica delle tendenze attuali del balletto, ma anche una riflessione su ciò che la danza può ancora diventare. Ciò che rende questo progetto particolarmente interessante non è soltanto la presenza di tre firme così autorevoli, ma il modo in cui ciascuna di esse porta in scena un’idea distinta di corpo, spazio e movimento. Justin Peck con Heatscape costruisce architetture coreografiche che sembrano nascere da un impulso musicale immediato, dove il gruppo si muove come un organismo fluido e dinamico. Wayne McGregor con Yugen, al contrario, esplora i limiti del corpo umano con una fisicità quasi futuristica, spingendo i danzatori verso una gestualità estrema e frammentata. Twyla Tharp con In the Upper Room, infine, intreccia tradizione e libertà, fondendo tecnica classica e influenze moderne in uno stile che sfugge a ogni definizione rigida. A sostenere questo dialogo coreografico è una scelta musicale altrettanto ricca e stratificata. Le partiture di ...

Il panorama delle arti performative contemporanee si prepara a uno degli appuntamenti più attesi, con il 20. Festival Internazionale di Danza Contemporanea della Biennale di Venezia, dal 17 luglio al 1 agosto 2026. Sotto la direzione di Sir Wayne McGregor, la manifestazione si propone quest’anno come un’indagine ontologica attraverso il tema Time Does Not Exist – Il Tempo non esiste. Ispirandosi alle teorie fisiche di Carlo Rovelli, McGregor invita la comunità coreutica a riflettere sulla danza non come una successione cronologica, ma come un “archivio vivente”, capace di scardinare la percezione lineare della realtà. La programmazione 2026, che vanta 140 artisti e un ventaglio di novità che include 9 prime assolute, 3 prime europee e 8 prime italiane, si distingue per una forte impronta etica e decoloniale. Il Leone d’oro alla carriera è stato assegnato al Bangarra Dance Theatre, la prima formazione australiana interamente composta da danzatori aborigeni, che debutterà con la prima europea di Terrain (coreografia di Frances Rings), un’opera che evoca la forza del corpo ispirata alla bellezza del lago salato Kati Thanda-Lake Eyre. Parallelamente, il Leone d’argento a Mamela Nyamza sottolinea l’importanza della danza come strumento di attivismo; con la prima europea di The Herd/Less, la coreografa ...

La danza non è solo una strada verso l’eccellenza tecnica, ma soprattutto un potente insegnamento di coraggio. In sala prove, l’errore viene normalizzato e accolto come parte integrante del percorso. Diventa l’occasione per imparare qualcosa di nuovo su se stessi e sulle propria capacità. Il danzatore interiorizza un concetto essenziale anche nella vita: il vero fallimento è arrendersi al rischio di sbagliare e non tentare nemmeno. Abituarsi all’errore, infatti, significa smettere di temerlo e considerarlo un alleato. La danza insegna che il progresso nasce proprio dall’affrontare le proprie insicurezze e dal superare il timore del giudizio, personale e altrui. Solo accettando la possibilità di sbagliare si può davvero crescere, diventando artisti completi e persone più forti. La disciplina dunque non è sinonimo di rigidità, ma di apertura mentale e capacità di rialzarsi. È la volontà di mettersi in gioco, di affrontare quel rischio che trasforma il danzatore in un individuo pronto ad affrontare ogni sfida, dentro e fuori la sala. Inoltre, la disciplina della danza favorisce lo sviluppo della crescita emotiva: ogni sfida diventa un’occasione per allenare la capacità di gestire la frustrazione. Attraverso la ripetizione e il confronto con i propri limiti e con le potenzialità altrui, il ballerino ...