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Per tutto il mese di giugno, Rai 5 dedica il tradizionale spazio del sabato mattina a una rassegna esclusiva che ripercorre produzioni, spettacoli e progetti che hanno contribuito a rendere Roberto Bolle una delle figure più riconosciute del panorama internazionale. La programmazione, in onda ogni sabato alle ore 8.00, offrirà al pubblico l’opportunità di riscoprire alcune delle interpretazioni più prestigiose dell’étoile, tra grandi classici del repertorio, produzioni innovative e iniziative volte alla diffusione della cultura della danza. Il secondo appuntamento è in onda sabato 13 giugno 2026 con il Sogno di una notte di mezza estate, balletto su musica di Mendelssohn-Bartholdy con la coreografia di George Balanchine. Protagonisti tre grandi étoiles: Alessandra Ferri, Roberto Bolle e Massimo Murru. In un mondo popolato di fate ed elfi, Ferri, Bolle, Murru, con il Corpo di Ballo del Teatro alla Scala, sono i protagonisti del balletto Sogno di una notte di mezza estate, tratto dall’omonima commedia di William Shakespeare. La versione proposta è quella firmata da un genio della coreografia del XX secolo: George Balanchine, su musica di Felix Mendelssohn-Bartholdy. Sul podio, il maestro Nir Kabaretti. Lo spettacolo, andato in scena nel 2007 con le scene e i costumi di Luisa Spinatelli, è uno dei ...

Il balletto classico preferito? Il Lago dei cigni che trovo sia il balletto classico per eccellenza ma adoro anche Giselle e Manon per la loro drammaticità. Il balletto contemporaneo prediletto? Bella Figura di Jiří Kylián e The Four Seasons di David Dawson anche se è più neo classico. Il Teatro del cuore? Il mio, dove ballo da già 7 anni, il Dutch National Ballet. Un romanzo da trasformare in balletto? Orgoglio e Pregiudizio, un grande tributo all’amore a lieto fine. Mentre un film da cui ricavare uno spettacolo di balletto? The Shape of Water, un amore impossibile e complesso. Il costume di scena indossato che hai preferito? Ne ho diversi, ho adorato i costumi di Diamonds in Jewels e i tutú di Henriette della nuova produzione di Raymonda di Rachel Beaujean. Quale colore associ alla danza? Non credo di riuscire ad associare solo un colore alla danza dato che i sentimenti e le emozioni che sa trasmettere vanno oltre lo spettro dei colori. Che profumo ha la danza? La danza per me ha il profumo del backstage: sudore, pece e sipario di velluto. La musica più bella scritta per balletto? Penso Il lago dei cigni di Tchaikovsky: varia dalla musica ...

PLANETARIO 19 e 30 giugno, 27 luglio, 13 settembre 2026 – San Casciano in Val di Pesa (Firenze) Direzione artistica di Pietro Gaglianò Promosso e finanziato da Comune di San Casciano in Val di Pesa e Sistema Museale del Chianti e del Valdarno fiorentino «Il planetario è come il teatro: un luogo per la visione. E in entrambi è cruciale la postura di chi osserva: un soggetto che tesse relazioni variabili con elementi consimili, misurando le prossimità e scoprendo le differenze. Tutti i progetti delle artiste e degli artisti coinvolti in questo planetario hanno a che fare con l’osservazione: del mondo vegetale, del cielo, della storia, delle storie di altri uomini e donne. E nel compiersi di questo esercizio emergono una cura per la coesistenza, un pensiero di emancipazione, un desiderio di comprensione reciproca e un’invocazione di pace». Pietro Gaglianò PLANETARIO è un progetto che coinvolge protagonisti della danza e delle arti visive in un confronto con il paesaggio del Chianti, il mondo rurale e urbano che lo caratterizza, la sua memoria, le trasformazioni del presente e le visioni del futuro. Opere e performance prendono vita dentro le mura e nel vasto panorama che circonda il centro storico di San ...

Negli ultimi anni, il confine tra ciò che è esibizionismo e ciò che è artistico è diventato incredibilmente sottile. Spesso si confonde la performance con l’arte, l’acrobazia con l’espressione, l’individualismo con l’autonomia e la consapevolezza. Ma la danza, quella vera, è tutta un’altra faccenda. Vi proponiamo un viaggio in quattordici punti per esplorare l’universo coreutico per come è davvero. Sette cose che non sono danza. L’esibizionismo vuoto Muovere il corpo allo scopo di catturare l’attenzione altrui, cercando l’approvazione, non è danza. È spettacolarizzazione di sé. Il movimento serve a dire ‘guardami’ e l’arte svanisce. Il culto dell’Ego Pensare di essere il centro della coreografia, superiori ai compagni o immuni alle correzioni. L’ego smisurato irrigidisce il corpo e chiude la mente, trasforma il palcoscenico in un piedistallo sterile. Virtuosismi senza anima Eseguire dieci pirouette o sollevare la gamba a 180 gradi dimostra un’eccellente dote atletica, ma se dietro il gesto non c’è un’intenzione, un sentimento o una storia, resta un esercizio ginnico. Come abbiamo già dichiarato, la tecnica è il mezzo, non il fine. Il confronto tossico Criticare i compagni per sentirsi migliori. La sala danza non è un’arena; chi vive il confronto in modo distruttivo non sta danzando, sta gareggiando. ...

Un’artista totale tra cinema e musica Judy Garland è ricordata soprattutto come una delle più grandi voci della storia dello spettacolo e come un’attrice capace di un’intensità emotiva rara. Dalla Hollywood degli anni d’oro fino ai palcoscenici dei concerti dal vivo, la sua figura ha incarnato l’idea stessa di performer totale: cantante, attrice e interprete di straordinaria sensibilità. Film come Il mago di Oz l’hanno resa immortale, mentre la sua carriera musicale ha consolidato un legame profondo con il pubblico. Tuttavia, ridurre Garland alla sola dimensione vocale sarebbe limitante: il suo talento si esprimeva anche attraverso il corpo, il movimento e il senso del ritmo. Sebbene non fosse una ballerina classica nel senso accademico del termine, Judy Garland possedeva un naturale senso del tempo, della musicalità e della presenza scenica che le permetteva di affrontare numeri coreografici con grande efficacia. Nei musical prodotti negli anni ’30 e ’40, la sua capacità di integrarsi nelle coreografie era fondamentale: non si limitava a cantare, ma partecipava attivamente alla costruzione visiva dello spettacolo. Il suo stile di danza non puntava sulla perfezione tecnica, bensì sull’espressività e sull’energia. Uno degli aspetti più interessanti della sua esperienza nella danza riguarda i partner con cui ha ...

La scomparsa di Daniel Léveillé (1952-2026) lascia un vuoto discreto ma profondo nel panorama della danza contemporanea. Non un artista dell’eccesso o dell’effetto, ma uno di quelli che hanno costruito un linguaggio intero a partire dalla riduzione, dal silenzio e dalla nudità del gesto. Il suo percorso si è sviluppato lontano dalle mode, seguendo una traiettoria coerente e quasi ostinata. Dopo la formazione e i primi anni di esperienza nella scena canadese, Léveillé ha scelto presto l’indipendenza creativa, fondando la propria compagnia e definendo una poetica personale riconoscibile: pochi elementi, movimenti essenziali, corpi esposti non come provocazione ma come condizione di verità. Nel suo lavoro, la danza non è mai decorazione. È piuttosto una forma di esposizione radicale: il corpo non interpreta, ma si presenta. Fragile, ripetitivo, a volte quasi immobile, diventa il luogo in cui si concentra una tensione emotiva che non ha bisogno di essere spiegata. La sua scrittura coreografica elimina il superfluo fino a lasciare ciò che resiste: respiro, peso, limite, presenza. Opere come Amour, acide et noix o La pudeur des icebergs hanno segnato una svolta nella percezione della danza contemporanea canadese e internazionale. In esse, Léveillé ha costruito un’estetica della sottrazione che non cerca mai ...

L’edizione del Milano Flamenco Festival 2026 mette al centro la figura di Federico García Lorca e il suo profondo legame con il flamenco, nel 90° anniversario della sua morte. Tre artisti di primo piano — Úrsula López, Manuel Liñán e José Maya — portano in scena, in prima nazionale, tre mondi diversi che si illuminano reciprocamente, riflettendo il mondo del grande artista granadino: visceralmente flamenco, poetico, visionario, sociale, politico e identitario. Le loro creazioni condividono la capacità di rinascere, di ridisegnare i confini dell’identità e di interrogare la tradizione, aprendola al presente. Proiezioni, incontri con gli artisti, performance diffuse completeranno il programma del Festival. Fin dalla sua nascita, il festival è stato un punto di riferimento nella danza internazionale, ospitando più di 70 compagnie e riunendo sia icone mondiali del flamenco che artisti emergenti e d’avanguardia. Nel 2024 Milano Flamenco Festival ha contribuito all’assegnazione all’Italia del Premio Catedral del Cante. Il premio è stato consegnato all’Ambasciatore Buccino Grimaldi, che lo ha ritirato personalmente. In questa nuova edizione, il Milano Flamenco Festival riafferma la sua missione di espandere gli orizzonti dell’arte flamenco, aprendo la strada a nuove forme di espressione ed esplorazione. 15 giugno COMEDIA SIN TÍTULO Compagnia ÚRSULA LÓPEZ (già ...

Nella Stagione 2026/2027 il Teatro alla Scala e il Piccolo Teatro di Milano – Teatro d’Europa, nell’anno del suo Ottantesimo, intrecciano le proprie rotte e, con un doppio progetto, rinnovano una storica collaborazione. Il primo appuntamento prende forma nel segno della danza contemporanea. Al Piccolo, danzatrici e danzatori del Corpo di Ballo del Teatro alla Scala, diretto da Frédéric Olivieri, sono protagonisti di Mont Ventoux, lavoro coreografico firmato da Mattia Russo e Antonio de Rosa per il collettivo KOR’SIA, fondato nel 2015 da Antonio de Rosa, Mattia Russo e Giuseppe Dagostino e basato a Madrid. De Rosa e Russo, dopo gli studi alla Scuola di Ballo dell’Accademia Teatro alla Scala, hanno attraversato, come interpreti, compagnie e repertori internazionali, prima di avviare una ricerca che ibrida movimento, drammaturgia e arti visive; il lavoro con il Corpo di Ballo comincerà nelle sale prova della Scala il 9 febbraio 2027, per approdare, dal 17 al 21 marzo 2027, sul palcoscenico del Teatro Strehler. Il secondo progetto interessa Arlecchino servitore di due padroni, spettacolo-simbolo del Piccolo e ambasciatore della cultura italiana nel mondo. Dopo l’omaggio che, nel 2007, lo aveva portato alla Scala – primo spettacolo di prosa sul palcoscenico del Piermarini – in ...

Tra gli appuntamenti, l’omaggio a Ennio Morricone ed Eliodoro Sollima, la danza internazionale, il talento delle formazioni giovanili, la prima esecuzione della composizione di Maria Chiara Casà, la rarità de La Navarraise di Massenet e le attività a Danisinni, a Brancaccio e allo Zen. Palermo, 06.06 2026. Un mese di programmazione, dal 28 giugno al 26 luglio, tra le sale del Teatro di Piazza Verdi, la scalinata monumentale e nei quartieri della città. La stagione estiva 2026 del Teatro Massimo di Palermo si sviluppa lungo diverse linee tematiche: il dialogo interculturale con il Vietnam, l’omaggio ai maestri Ennio Morricone ed Eliodoro Sollima, la centralità del Corpo di ballo, la riscoperta di un’opera rara come La Navarraise, e la prima esecuzione assoluta dell’opera commissionata alla compositrice Maria Chiara Casà. I concerti sinfonici, corali e cameristici delle Formazioni Giovanili (Massimo Youth Orchestra, Massimo Kids Orchestra, Cantoria e Coro di voci bianche), e l’apertura verso il territorio, declinata attraverso “Il Massimo per la città”, che prosegue anche in estate con un programma di spettacoli nei quartieri di Danisinni, Brancaccio (Centro Padre Nostro) e Zen (Anfiteatro e Chiesa di San Filippo Neri), oltre a toccare l’Orto Botanico e la Società Siciliana per la Storia ...

Una giornata speciale dedicata alla città di Milano, alle sue scuole di teatro, ma anche alle sue Università e Accademie che lavorano in ambito performativo. Un appuntamento all’insegna della creatività, promosso da Triennale Milano, che vedrà alternarsi domenica 14 giugno a partire dalle ore 14.00 sul palco del Teatro Continuo di Alberto Burri, nel cuore di Parco Sempione, nove performance create da altrettante realtà cittadine a partire dalle linee ispiratrici del progetto artistico del Teatro. Progettato da Alberto Burri nel 1973 nell’ambito della 15a Esposizione Internazionale, abbattuto nel 1989 e ricostruito nel 2015 per essere ceduto al Comune di Milano (che ne ha affidato la cura a Triennale Milano), il Teatro Continuo è uno straordinario palcoscenico democratico, pensato per accogliere spettacoli e sperimentazioni sceniche in dialogo con il landscape cittadino. In questo senso le performance di Burri Palcoscenico Aperto, della durata di circa 30 minuti ciascuna, prenderanno spunto dall’idea di apertura alla comunità che sta alla base del Teatro, dalle sue caratteristiche di essenzialità e modularità, capaci di ripensare il rapporto tra pubblico, performer e paesaggio, in un senso più ampio di incontro fra culture, scambio di esperienze e inclusione. Il progetto è realizzato con il supporto di un comitato ...