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Nel mese di aprile 2026 l’attività dell’American Ballet Theatre si inserisce in quella fase intermedia della stagione che, pur priva della stabilità di una lunga tenitura nella sede newyorkese, rivela con particolare chiarezza la natura itinerante e internazionale della compagnia. Fondata nel 1939 da Lucia Chase e Richard Pleasant, l’ABT nacque con l’ambizione di creare negli Stati Uniti una compagnia capace di raccogliere e rappresentare l’intero patrimonio del balletto classico e moderno. Questo spirito enciclopedico è rimasto una costante nel corso dei decenni e continua a riflettersi anche nella programmazione contemporanea. Dopo aver concluso a marzo la propria stagione primaverile al David H. Koch Theater di New York, dove sono stati presentati lavori che spaziano dal repertorio classico alle creazioni del Novecento e contemporanee, la compagnia prosegue in aprile con una tournée che la porta sulla costa occidentale degli Stati Uniti. In particolare, tra il 9 e il 12 aprile 2026, l’ABT è impegnato al Segerstrom Center for the Arts con una serie di rappresentazioni di Sylvia, balletto su musica di Léo Delibes che occupa un posto significativo nella storia del repertorio ottocentesco. Sylvia, presentato per la prima volta nel 1876 all’Opéra di Parigi, rappresenta uno dei primi esempi di ...

Nel panorama della danza contemporanea internazionale, la figura di Crystal Pite si impone come una presenza capace di ridefinire in profondità il modo in cui il corpo, la parola e la scena possono dialogare tra loro. Il suo lavoro non si limita a costruire coreografie, ma sviluppa veri e propri sistemi di pensiero incarnato, in cui il movimento diventa una forma di linguaggio complessa, stratificata, capace di attraversare territori emotivi, politici e filosofici senza mai rinunciare a una chiarezza comunicativa sorprendente. La sua formazione, radicata nel mondo del balletto e della danza contemporanea nordamericana, si intreccia con una sensibilità teatrale che la porta a concepire ogni creazione come una drammaturgia in movimento. In questo senso, il suo stile non può essere ridotto a un insieme di caratteristiche formali riconoscibili, ma va compreso come una tensione costante tra controllo e perdita, tra struttura e caos. Nei suoi lavori, il corpo non è mai soltanto estetico: è un luogo di conflitto, di memoria, di trasformazione. Le sequenze coreografiche si sviluppano spesso come organismi viventi, in cui gruppi di danzatori si muovono come masse fluide, attraversate da impulsi collettivi che sembrano emergere da una coscienza condivisa. Uno degli aspetti più distintivi del linguaggio ...

La stagione di balletto 2025/2026 del Wiener Staatsballett diretto da Alessandra Ferri culmina in una serata di straordinaria eleganza e valore storico-artistico: il Ballett-Gala 2026, dedicato a Sir Frederick Ashton. In programma a Vienna lunedì 29 giugno 2026 alle ore 19 nella Großer Saal, con due intervalli, questo evento rappresenta molto più di una semplice serata di danza: è un viaggio attraverso una delle linee coreografiche più influenti del Novecento e del presente. Un omaggio a Frederick Ashton, figura centrale del balletto britannico, che è stato uno dei grandi architetti del linguaggio coreografico moderno. Fondatore dello stile del Royal Ballet, Ashton ha saputo coniugare musicalità, raffinatezza tecnica e una profonda sensibilità narrativa. La serata di gala si inserisce nel contesto di Ashton Worldwide 2024–2028, il festival internazionale promosso dalla Frederick Ashton Foundation, volto a celebrare e diffondere il suo immenso patrimonio artistico. Uno dei punti di forza della serata è rappresentato da due importanti debutti in programma. Il primo è Rhapsody, capolavoro di Ashton creato nel 1980 su musica di Sergej Rachmaninov. Quest’opera è celebre per la sua brillantezza virtuosistica e per il dialogo serrato tra danza e partitura musicale, offrendo ai danzatori occasioni di altissimo livello tecnico e interpretativo. ...

  Dal 16 al 17 maggio 2026, il Teatro Bellini di Napoli ospiterà THE FRIDAS, una nuova e potente creazione coreografica firmata da Sofia Nappi ispirata al celebre dipinto Le due Frida di Frida Kahlo. Lo spettacolo ‒ una produzione Komoco, coproduzione Festival Danza in Rete – Teatro Comunale Città di Vicenza con il sostegno di Oriente/Occidente, Centro Coreografico Nazionale/Aterballetto residente a progetto presso il Centro di Rilevante Interesse Nazionale per la Danza Scenario Pubblico/CZD ‒ si immerge nell’esplorazione delle complessità dell’identità, della vulnerabilità umana e del caos che caratterizza l’esistenza, temi che la stessa Kahlo ha magistralmente espresso attraverso la sua arte e la sua vita. La figura di Frida Kahlo, con le sue visioni radicali e la sua straordinaria capacità di tradurre il dolore e la resistenza in immagini potenti, continua a ispirare le arti visive e performative. In particolare, Le due Frida del 1939 si erge come simbolo di dualità, conflitto interiore e dell’esperienza di essere frammentati ma anche capaci di ricomposizione. Questo dipinto diventa il nucleo della performance, in cui le due danzatrici esploreranno le tensioni tra due versioni di sé, legate dalla sofferenza e dalla consapevolezza, ma separate nelle loro esperienze emotive. In scena Paolo ...

A distanza di oltre quarant’anni dalla sua prima volta come coreografo nel teatro di Via Saragozza, Moses Pendleton torna per presentare l’evoluzione del suo storico capolavoro. È un doppio debutto quello che vede i Momix calcare per la prima volta il palcoscenico del Teatro Celebrazioni di Bologna con la prima assoluta di Botanica – Season 2, l’ultimo spettacolo a firma del coreografo e fondatore della compagnia internazionale Moses Pendleton, in programma da martedì 7 a sabato 11 aprile. Per il coreografo americano il Teatro Celebrazioni non è comunque un luogo nuovo. Nel 1983, le sue coreografie per la rivoluzionaria compagnia Pilobolus Dance Theatre – di cui fu anche cofondatore e dalla cui esperienza nacquero i Momix – tennero a battesimo questo palcoscenico a soli tre giorni dalla storica inaugurazione ufficiale del Teatro, che proprio nel gennaio di quell’anno aprì le porte di quella che sarebbe diventata la prima di tante fortunate stagioni. «Si rinnova il sodalizio tra Moses Pendleton e il Teatro Celebrazioni di Bologna – dice il Direttore artistico Filippo Vernassa. Già nel 1983, sotto la gestione del Teatro Comunale, il nostro palco ospitò il Pilobolus Dance Theatre quando Pendleton ne era interprete: un legame che oggi si rafforza ...

Nella cornice monumentale del Teatro Massimo di Palermo, la cui storia affonda le radici nel fervore culturale della fine dell’Ottocento e che, inaugurato nel 1897 come il più grande teatro lirico d’Italia e tra i più imponenti d’Europa, continua a rappresentare un simbolo identitario della città, il nuovo allestimento de Il lago dei cigni andato in scena a gennaio nella Sala Grande si è imposto come un evento di rara intensità artistica e di forte impatto evocativo. Non si trattava soltanto della riproposizione di un caposaldo del repertorio classico sulle musiche di Pëtr Il’ič Čajkovskij, ma di una sua rifondazione poetica, resa possibile dalla visione coreografica di Jean-Sébastien Colau, qui anche direttore del Corpo di ballo, che ha saputo imprimere alla tradizione una nuova stratificazione semantica. Colau sceglie infatti di trasporre l’immaginario fiabesco del lago in una Sicilia intrisa di memorie letterarie e suggestioni visive riconducibili al mondo de Il Gattopardo, evocando così un universo aristocratico sospeso tra decadenza e splendore. Questa operazione, lungi dall’essere un mero esercizio estetico, si traduce in una riscrittura drammaturgica coerente, in cui il destino di Odette e Siegfried sembra inscriversi in una dimensione storica più concreta, quasi crepuscolare, dove il tema della trasformazione – ...

Il balletto La Passione secondo Matteo, creato da John Neumeier nel 1981, rappresenta una delle più alte e complesse sintesi tra musica sacra, riflessione teologica e linguaggio coreografico contemporaneo. Fondato sulla monumentale partitura della Passione secondo Matteo di Johann Sebastian Bach, questo lavoro si colloca in una dimensione artistica che travalica i confini del balletto narrativo tradizionale, assumendo i tratti di una meditazione scenica sul mistero della Passione di Cristo. Neumeier, figura centrale del teatro-danza europeo e direttore per lungo tempo dell’Hamburg Ballet, affronta qui una sfida tanto audace quanto delicata: tradurre in movimento un’opera musicale profondamente intrisa di spiritualità luterana, senza tradirne la densità simbolica né ridurla a mera illustrazione. La genesi dell’opera si inscrive nel contesto di una ricerca artistica che, negli anni Settanta e Ottanta, vede Neumeier impegnato a esplorare il rapporto tra danza e grandi strutture musicali. La scelta della Passione secondo Matteo non è casuale: si tratta di una composizione che già in sé contiene una potente dimensione drammaturgica, articolata attraverso recitativi, arie e cori che narrano e commentano gli eventi evangelici. Neumeier coglie questa struttura polifonica e la traduce in una pluralità di livelli scenici, nei quali il tempo storico della vicenda di Cristo ...

La Pasqua, pur essendo una festività profondamente radicata nella tradizione cristiana, si esprime nel mondo attraverso una sorprendente varietà di linguaggi culturali, e tra questi la danza occupa un posto privilegiato, capace di trasformare il significato spirituale della ricorrenza in gesto, ritmo e movimento condiviso. In molte comunità, il ballo diventa una forma di narrazione collettiva, un modo per celebrare la rinascita, la speranza e il rinnovamento che la Pasqua simboleggia, fondendo elementi religiosi e tradizioni popolari in un’unica esperienza partecipata. Nell’Europa orientale, ad esempio, le danze pasquali si intrecciano con antichi rituali primaverili. Nei villaggi, gruppi di giovani si riuniscono nelle piazze o nei cortili delle chiese per eseguire balli circolari, spesso accompagnati da canti corali che evocano la fertilità della terra e il ritorno della vita dopo l’inverno. I passi sono semplici ma carichi di significato: il cerchio rappresenta l’eternità e la continuità, mentre i movimenti sincronizzati rafforzano il senso di comunità. In alcuni casi, i danzatori indossano abiti tradizionali ricamati, i cui colori vivaci richiamano la natura che rifiorisce. Spostandosi verso il Mediterraneo, la Pasqua assume tonalità più teatrali e intense. In alcune regioni, le celebrazioni includono processioni solenni che, una volta concluse, lasciano spazio a momenti ...

Tornare a vedere la Scuola di Ballo dell’Accademia del Teatro alla Scala sul suo palcoscenico naturale significa, ogni volta, confrontarsi con una tradizione che non è mai semplice memoria, ma materia viva. In quella sala che ha visto passare generazioni di artisti e che continua a rappresentare un punto di riferimento per la danza europea, l’impressione più forte è stata ancora una volta quella di assistere a un passaggio di testimone: giovani interpreti che, pur non ancora diplomati, si misurano con una responsabilità artistica autentica, sostenuti da una struttura didattica solida e da una direzione consapevole come quella di Frédéric Olivieri. La serata si è aperta con la Presentazione, una creazione dello stesso Olivieri costruita sulle Études di Czerny, quasi un manifesto pedagogico tradotto in forma scenica. Non si trattava semplicemente di una successione di esercizi coreografati, ma di un racconto organico della crescita, in cui i corpi più piccoli e ancora acerbi dialogavano idealmente con quelli già prossimi alla maturità. C’era qualcosa di tenero e profondamente umano nel vedere i primi corsi affrontare con concentrazione quasi solenne i loro passaggi, mentre i più grandi restituivano con naturalezza una complessità ormai assimilata. Qui si coglie con chiarezza il senso della ...

Pierre Lacotte (Chatou, 4 aprile 1932 – La Seyne-sur-Mer, 10 aprile 2023) si impone come una delle figure più rilevanti e singolari nella storia della danza del XX e XXI secolo, non soltanto per il suo contributo come interprete e coreografo, ma soprattutto per il ruolo, raro e prezioso, di archeologo del balletto. La sua opera si inscrive in quella zona di confine in cui la memoria artistica, fragile e spesso incompleta, viene ricostruita con rigore filologico e insieme restituita alla scena con vitalità contemporanea. In questo senso, Lacotte ha trasformato il passato in una materia viva, sottraendolo al destino di reliquia e restituendolo alla continuità del repertorio. Formatosi all’Opéra di Parigi, Lacotte entra giovanissimo in contatto con la grande tradizione del balletto classico francese, erede diretta di una linea che affonda le proprie radici nel Seicento e che trova nel XIX secolo il suo momento di massimo splendore. Tuttavia, ciò che distingue fin da subito la sua traiettoria è una curiosità intellettuale che eccede la semplice pratica esecutiva: egli si interessa agli archivi, ai documenti, alle notazioni coreografiche, ai bozzetti scenografici, sviluppando una sensibilità storica che lo condurrà a intraprendere un percorso del tutto peculiare nel panorama coreutico. In ...