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Michel Fokine fu uno dei più importanti coreografi del balletto del Novecento e una figura centrale nella profonda trasformazione della danza classica. Nato a San Pietroburgo nel 1880, si formò presso il Teatro Imperiale, dove iniziò il proprio percorso artistico come danzatore, per affermarsi successivamente come coreografo innovatore. La sua notorietà internazionale crebbe soprattutto grazie alla collaborazione con i Ballets Russes di Sergej Djagilev, esperienza che gli permise di portare la propria concezione della danza sui più importanti palcoscenici europei. Fokine contribuì in maniera decisiva al rinnovamento del linguaggio coreografico, sostenendo la necessità di superare le convenzioni del balletto accademico tradizionale. Secondo la sua visione, tecnica, musica, scenografia e interpretazione non dovevano essere elementi separati, ma parti di un’unica creazione artistica. La danza, quindi, non doveva ridursi a una successione di passi spettacolari o a una dimostrazione di abilità fisica: il movimento doveva nascere dalla musica, dall’atmosfera e dal significato dell’opera, diventando uno strumento autentico di espressione. Questa concezione innovativa diede origine ad alcune delle opere più celebri della storia del balletto, tra cui L’uccello di fuoco, Petrushka e Les Sylphides. In particolare, quest’ultima rappresenta uno degli esempi più significativi della sua idea di danza. Attraverso Les Sylphides, Fokine volle ...

Il Centro Coreografico Nazionale / Aterballetto presenta a Reggio Emilia, nel programma di Festival Aperto, due nuove produzioni in prima assoluta: Ceneri di Marcos Morau e DOPPIOGIOCO di Philippe Kratz. Entrambe le creazioni sono coprodotte da un Festival Aperto / Fondazione I Teatri di Reggio Emilia, che ne ospita il debutto sabato 7 novembre alle ore 20.30, con replica domenica 8 novembre alle ore 17.00. Due universi coreografici profondamente diversi, accomunati dalla ricerca di un linguaggio capace di confrontarsi con il proprio tempo. Marcos Morau, con il suo immaginario inconfondibile, costruisce mondi complessi e autosufficienti, grandi architetture in cui ogni elemento, corpo, spazio, musica, luce, costumi, concorre a restituire la realtà attraverso una lente visionaria. Per questa seconda creazione con tutti i sedici danzatori di Aterballetto, dopo il successo di Notte Morricone, sviluppa una ricerca scenica a partire dall’oratorio di Giovanna Marini Le ceneri di Gramsci con le parole dell’omonima raccolta poetica di Pier Paolo Pasolini. Philippe Kratz percorre invece una strada differente: insieme al drammaturgo Fabio Cherstich, usa la danza per confrontarsi con temi e dinamiche profondamente contemporanei, per poi trasportarli in una dimensione più universale e intimamente umana. In DOPPIOGIOCO il palcoscenico diventa un campo da basket in cui a competere sono otto danzatori della compagnia, dal gioco prende origine la ricerca coreografica e drammaturgica sulle relazioni tra singolo e gruppo, competizione e ...

Il duo Gaetano Palermo e Michele Petrosino ritorna a FOG per presentare il suo nuovo lavoro in un’inedita versione site-specific: Stanza (Milano) è una performance installativa in cui un corpo abita una camera, per otto ore al giorno, in uno stato di volontario abbandono a occhi chiusi. Il pubblico, uno alla volta, è invitato a entrare nella stanza, metafora delle soglie che custodiscono il sonno: mura, porte, finestre, palpebre. La drammaturgia del suono e dello spazio mette in tensione il confine tra interno ed esterno, questionando la fisionomia del reale e generando una dimensione sospesa di incontro con lo spettatore, insieme ospite e intruso. Tra intimità ed esposizione, una performance one–on–one che interroga il sonno come condizione di vulnerabilità condivisa: uno spazio ambiguo tra abbandono e cattura, sullo sfondo di un’epoca attraversata da logiche di sorveglianza e consumo. La location della performance si trova all’interno di un’abitazione privata in zona Gioia: l’indirizzo preciso verrà comunicato esclusivamente ai partecipanti all’atto dell’acquisto del biglietto. Gaetano Palermo e Michele Petrosino sono un duo artistico attivo tra coreografia e arti visive. La loro ricerca indaga l’ontologia della performance al confine tra realtà e finzione, attraverso la lente del movimento e della stasi. Il loro ...

La Petipa Ballet Association è lieta di annunciare che il Maestro Richard Bonynge AC CBE, illustre direttore d’orchestra australiano, è stato insignito del Petipa Award per la stagione 2025-2026. Questo prestigioso riconoscimento gli è stato conferito per il suo straordinario e impareggiabile contributo alla conservazione, alla riscoperta e alla valorizzazione del patrimonio musicale del balletto classico, con un’attenzione d’elezione verso il repertorio del XIX secolo. Nel corso di una carriera artistica monumentale, il Maestro Bonynge ha svolto un ruolo di primaria grandezza nella riesumazione di numerose partiture coreutiche colpevolmente dimenticate o di rara esecuzione. Attraverso incisioni discografiche divenute autentici punti di riferimento storiografici, una costante attività concertistica e un’acuta intelligenza filologica applicata al linguaggio del periodo romantico e tardo-romantico, le pagine di compositori fondamentali quali Adolphe Adam, Léo Delibes, Ludwig Minkus, Riccardo Drigo e di molti altri maestri della scena dell’Ottocento hanno ritrovato la luce, l’attenzione esecutiva e il massimo rigore interpretativo che meritano. L’opera di Richard Bonynge riveste un significato di cruciale valore per la storiografia della danza: la memoria e la salvaguardia del patrimonio coreografico, infatti, non possono in alcun modo prescindere dalla custodia e dal restauro del tessuto sonoro che ha accompagnato e reso possibile la nascita ...

Debutta a Torino in prima assoluta dal 3 all’8 novembre in apertura della Stagione TPE 2026/2 intitolata Guerra, la nuova creazione di Virgilio Sieni per la sua Compagnia: Preghiera/Tempi di guerra. Un’opera nata dall’urgenza di riflettere sul presente, dove la danza diventa uno strumento di resistenza poetica e civile. Lo spettacolo è una coproduzione di CanGo, Centro di Rilevante Interesse per la Danza insieme alla Fondazione Teatro Piemonte Europa e Fondazione Teatro della Toscana. LA VISIONE DI VIRGILIO SIENI «In queste 11 preghiere danzate agiscono semplici creature che rivolgono l’attenzione alla maestria e ai dettagli del gesto per sorprendersi nella tragicità degli eventi: rammentare col corpo per creare una storia della danza rivolta alla Stasis, “il levarsi in piedi dei cittadini nella forma estrema del dissenso”. Così le danze assumono l’aspetto di preghiere che alleano i corpi al diritto politico e plurale di apparizione, corpi che si mostrano insieme ad altri, secondo liturgie che muovono verso l’amicizia. Contrapporsi alla guerra diviene un atto che abita lo spazio minuscolo di una stanza, luogo meditante. Danze di guerra insolite che indicano la presenza di una cosa diversa dalla guerra, la consapevolezza dell’impegno e, come ci indica Rebecca Solnit, la forza di rimanere ...

Ci sono personaggi che appartengono al cinema e altri che, a un certo punto, smettono di appartenere persino al cinema. Greta Garbo è uno di questi. Il suo volto, la sua voce, la sua figura allungata, il suo modo di guardare e soprattutto la sua volontà di sottrarsi allo sguardo degli altri hanno finito per trasformarla in qualcosa di più di una diva: un’immagine mentale, un’idea di divinità moderna. È proprio questa Garbo — più evocata che raccontata — ad aver affascinato Maurice Béjart, che nei primi anni Ottanta le dedicò Divine, un balletto singolare, sospeso tra danza, teatro, cinema e memoria. Ed è già significativo che Béjart non abbia cercato di portare Garbo fisicamente sulla scena. Non avrebbe avuto senso. La Garbo reale era ormai irraggiungibile, ritirata dal cinema dal 1941 e progressivamente sottrattasi alla vita pubblica. La Garbo di Béjart è dunque un fantasma, una proiezione, una diva ricostruita attraverso le immagini che ha lasciato. Il punto di partenza di Divine è quasi cinematografico: una ballerina, interpretata da Marcia Haydée, si trova nel proprio camerino. Sul tavolo da trucco conserva il ritratto di Anna Pavlova, altra figura assoluta della storia della danza, mentre fantastica sulla grande attrice dello ...

Alla vigilia di Capodanno del 1945, a Ufa, un bambino di sette anni entrò in teatro senza sapere che quella sera avrebbe incontrato, per la prima volta, qualcosa destinato a cambiare il corso della sua vita. Quel bambino era Rudolf Nureyev. In scena andava Žuravlinaja pesn’ — «Журавлиная песнь» —, il balletto che in italiano è più correttamente traducibile come Il canto della gru, non Canto dell’Airone, come talvolta compare in alcune traduzioni biografiche. La differenza non è soltanto linguistica. La parola russa журавль significa infatti “gru”, e la gru appartiene profondamente all’immaginario della tradizione popolare baschira dalla quale il balletto trae origine. La sua presenza richiama la natura, la libertà, il movimento e una dimensione quasi leggendaria che attraversa tutta l’opera. Per questo il titolo originale conserva un significato poetico che la traduzione “airone” finirebbe per alterare. Ufa, in quegli anni, era una città lontana dai grandi centri culturali dell’Unione Sovietica, ma proprio durante la guerra aveva assunto un ruolo particolare. L’evacuazione di istituzioni, artisti e intellettuali aveva trasformato molte città degli Urali in importanti luoghi di produzione culturale. In questo ambiente prendeva forma una nuova identità artistica baschira, capace di fondere la tradizione locale con le forme della ...

La giuria composta da 9 membri si è riunita a Losanna per selezionare i candidati alla prossima edizione del Prix de Lausanne. Al termine di questa selezione tramite video, sono stati scelti 81 ballerini (compresi nove candidati preselezionati) che parteciperanno alla prossima competizione internazionale di danza classica, in programma dal 31 gennaio al 7 febbraio 2027 presso il Teatro e Centro Congressi Beaulieu di Losanna. La giuria incaricata delle selezioni video, composta da nove professionisti della scena internazionale della danza, ha visionato e valutato i video di 412 candidati (293 ragazze e 119 ragazzi) provenienti da 36 Paesi. Attraverso questo processo sono stati selezionati 72 ballerini, mentre altri 9 erano già stati preselezionati (nove candidati sono stati selezionati attraverso il Summer Intensive – International Preselection di Losanna e la preselezione video latinoamericana). In totale, 81 ballerini (49 ragazze e 32 ragazzi) provenienti da 17 Paesi diversi sono stati selezionati per partecipare al Prix de Lausanne 2027. Il Prix de Lausanne 2027 ha registrato 647 iscrizioni complessive nelle diverse fasi di selezione svoltesi nel corso dell’anno. Durante la selezione video, l’attenzione principale della giuria è rivolta al potenziale di ciascun candidato di diventare un ballerino professionista. Oltre alle capacità tecniche, i ...

Il Prix de Lausanne annuncia con orgoglio il conferimento del Lifetime Achievement Award a Julio Bocca, in riconoscimento di una carriera straordinaria che ha lasciato un segno profondo nella storia della danza. Ballerino di carisma e intensità interpretativa, Bocca ha conquistato le scene internazionali grazie a una tecnica brillante, a una presenza scenica magnetica e a una rara capacità di dare vita ai personaggi attraverso il movimento. La sua carriera lo ha consacrato tra i grandi interpreti del balletto contemporaneo, portandolo a esibirsi sui palcoscenici più prestigiosi del mondo. Ma l’eredità di Julio Bocca va oltre i risultati raggiunti in scena. Nel corso degli anni, il suo percorso si è intrecciato con la formazione delle nuove generazioni e con la diffusione della danza, confermando il valore di un artista capace di trasformare il proprio talento in una responsabilità culturale. Il riconoscimento che gli sarà tributato al Prix de Lausanne 2027 celebra dunque non soltanto una carriera eccezionale, ma anche un contributo destinato a continuare a ispirare giovani danzatori e professionisti. Un omaggio a un artista che ha fatto della danza il linguaggio della propria vita, lasciando un’eredità che attraversa generazioni e confini. Michele Olivieri www.giornaledelladanza.com ©️ Riproduzione riservata

Qual è il tuo balletto classico preferito? La Bayadère è il mio balletto classico preferito. La coreografia, la musica e l’elemento drammatico sono incredibili. Non è soltanto affascinante da vedere, ma anche da danzare. Considero il Regno delle Ombre un capolavoro della coreografia classica. Qual è il tuo balletto contemporaneo preferito? È molto difficile individuarne uno in particolare. Direi che apprezzo molto il lavoro di Paul Lightfoot e Sol León. Anche Marcos Morau ha realizzato alcune opere molto interessanti. Quale teatro occupa un posto speciale nel tuo cuore? Il Teatro Mariinskij. Lì ho avuto l’opportunità di interpretare ruoli da protagonista in quasi tutti i capolavori della coreografia classica e neoclassica. Sarò sempre grato ai miei insegnanti. Mi hanno aiutato a crescere non soltanto come artista, ma anche come persona. Quale romanzo vorresti più di ogni altro vedere adattato per il balletto? La vita in prestito di Erich Maria Remarque. Una storia di grande intensità, perfetta per il balletto. È un romanzo sull’amore che nasce quando il tempo sta per esaurirsi. Quale film pensi che sarebbe perfetto per diventare un balletto? Il film Il favoloso mondo di Amélie è ideale per il balletto grazie alla sua vivace fluidità, alla pantomima espressiva ...