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La stagione 2026/2027 del Béjart Ballet Lausanne si sviluppa attraverso un prestigioso tour internazionale che celebra il patrimonio artistico di Maurice Béjart, affiancandolo a nuove creazioni e riletture contemporanee del suo repertorio. Un percorso che attraversa alcune delle più importanti scene europee, confermando la vitalità e l’attualità di una compagnia capace di coniugare tradizione, innovazione ed eccellenza interpretativa. Il sipario si alza il 25 e 27 settembre 2026 al Théâtre du Jorat di Mézières, dove la compagnia torna dopo il successo del 2023 con un programma d’eccezione composto da 7 Danses grecques di Maurice Béjart, Real Love di Andonis Foniadakis e un nuovo balletto che sarà annunciato nei prossimi mesi. Dal 9 all’11 ottobre 2026 il Béjart Ballet Lausanne sarà protagonista al Teatro Lirico di Cagliari, con quattro rappresentazioni dedicate a tre capolavori del repertorio di Maurice Béjart: 7 Danses grecques, L’Oiseau de Feu e l’intramontabile Boléro. L’8 novembre 2026 la compagnia approderà al Teatro de la Maestranza di Siviglia per una serata unica che si aprirà con Béjart et nous, l’omaggio al repertorio del Maestro ideato dal direttore artistico Julien Favreau, proseguirà con Real Love di Andonis Foniadakis e culminerà con il maestoso Boléro, creato da Maurice Béjart nel ...

Il 18 luglio 2026 l’Open Air Stage di Orsolina28 Art Foundation confermerà il suo ruolo di osservatorio privilegiato sui processi della creazione contemporanea. La serata propone un percorso in tre tappe che unisce l’alta formazione internazionale alla ricerca coreografica più recente, offrendo al pubblico l’opportunità di assistere a lavori presentati nella loro fase germinale ed evolutiva. La serata si aprirà con Student Sharing – GagaLab, la presentazione degli studenti GagaLab, un programma di formazione di una settimana dedicato al linguaggio del movimento di Ohad Naharin. In scena, i danzatori partecipanti restituiranno la sintesi di un percorso mirato all’esplorazione della consapevolezza corporea e della libertà espressiva. A seguire, Annika Verplancke, con The Beginning (of The End), un assolo presentato nella sua fase embrionale e seminale al termine di una residenza di cinque settimane a Orsolina28. L’opera si struttura come una riflessione fisica sulla transizione, un invito a sostare sulla soglia temporale tra arrivo e partenza, dove ogni fine custodisce il germe di un nuovo principio. Il lavoro indaga la dimensione dell’assaporare, inteso come atto consapevole di abitare pienamente un’esperienza, amplificandone la profondità e prolungandone la durata. Il progetto troverà ulteriore sviluppo in una seconda sessione di residenza in autunno, che culminerà ...

La grande danza torna protagonista dell’estate romana. Il 24 e 25 luglio 2026 il Circo Massimo ospita il Corpo di Ballo del Teatro dell’Opera di Roma, diretto da Eleonora Abbagnato, con uno dei massimi capolavori del repertorio classico del Novecento: Romeo e Giulietta di John Cranko, sulle immortali musiche di Sergej Prokof’ev. Tra le più amate trasposizioni coreografiche della tragedia di William Shakespeare, quella firmata dal coreografo sudafricano rappresenta un punto di riferimento assoluto nella storia del balletto. Presentata per la prima volta nel 1958 alla Biennale di Venezia con il Corpo di Ballo del Teatro alla Scala e una giovanissima Carla Fracci nel ruolo di Giulietta, la creazione venne successivamente rielaborata da Cranko nel 1962 per lo Stuttgart Ballet, diventando il simbolo stesso della compagnia tedesca e uno dei vertici della coreografia del XX secolo. L’originalità della lettura di Cranko risiede nella perfetta fusione tra narrazione teatrale e scrittura coreografica. «La sfida è creare un balletto su due livelli: come danza e come storia», sosteneva il coreografo, e proprio questo equilibrio rende la sua versione ancora oggi straordinariamente moderna. La danza classica si apre a elementi popolari e acrobatici, sempre al servizio dell’espressione poetica e drammatica, dando vita a ...

Ha preso il via lo scorso 3 luglio l’edizione 2026 di Site Dance, la rassegna fiorentina diretta da Simona Bucci e Marika Errigo che da anni ha eletto a propria cifra stilistica il dialogo tra corpo, paesaggio e innovazione. Sostenuto dal Ministero della Cultura, dalla Regione Toscana e dalla Fondazione CR Firenze, il festival ha inaugurato la sua programmazione nella suggestiva cornice del Parco Mediceo di Pratolino con la prima nazionale di Earth Bodies – Corpi di Terra. L’opera, firmata da Margherita Landi e Claudia Catarzi, scardina la tradizionale distanza tra pubblico e performance, fondendo la matericità di sculture in creta con la tecnologia XR (Extended Reality). In questa intervista esclusiva, Margherita Landi ci racconta la genesi di questo debutto e riflette sull’anima profondamente contemporanea e site-specific di Site Dance. Il Festival “Site Dance” ha da sempre l’obiettivo di portare la danza contemporanea fuori dai teatri tradizionali, mappando il territorio. In che modo, a Suo avviso, lo spazio pubblico può modificare la percezione della danza sia per chi la esegue sia per chi la guarda? Per scelta colloco quasi sempre i miei lavori in spazi non canonici per la performance, soprattutto pubblici. Non creo una danza pensata per il teatro per ...

Venezia apre le porte alla ventesima edizione del Festival Internazionale di Danza Contemporanea della Biennale, diretto da Sir Wayne McGregor, che inaugura oggi, 17 luglio, un intenso percorso artistico dedicato al tema Time Does Not Exist. Un titolo evocativo che diventa manifesto curatoriale di un festival chiamato a interrogare il rapporto tra memoria, identità, esistenza e percezione del tempo attraverso le voci più innovative della scena coreografica internazionale. Per McGregor il tempo non è una semplice successione di eventi, ma uno spazio mentale e sensibile in cui convivono passato, presente e futuro. Da questa riflessione prende forma un cartellone che riunisce artisti provenienti da culture e geografie differenti, accomunati dalla capacità di ridefinire il linguaggio della danza intrecciandolo con le proprie radici, le tradizioni ancestrali e le trasformazioni del mondo contemporaneo. L’inaugurazione del festival è affidata a due prime italiane che rappresentano altrettante visioni della creazione coreografica contemporanea. Al Teatro alle Tese debutta Fampitaha, fampita, fampitàna della coreografa franco-malgascia Soa Ratsifandrihana, mentre al Teatro Malibran è protagonista il ritorno di Emanuel Gat con la nuova creazione Five Days in the Sun. Entrambi gli spettacoli saranno replicati il 19 luglio. Tra le personalità più interessanti della nuova generazione europea, Soa Ratsifandrihana ...

Dopo le otto recite di Don Chisciotte praticamente esaurite, al rientro dalla pausa estiva sarà Giselle a ritornare in scena alla Scala e sarà anche oggetto di registrazione da parte di Rai Cultura. La Stagione in corso si concluderà poi a novembre con l’attesissima serata Balanchine Bausch/ Stravinskij che ben  riassume ed esalta  le linee guida delle Stagioni del Ballo: grandi nomi, grande repertorio, nuove sfide con nuovi stili e produzioni in debutto. Assente dal palcoscenico scaligero dal 2022, ma nel 2024 in trionfo con il pubblico di Shanghai, Giselle torna alla Scala dall’ 1 al 23 ottobre, nella classica coreografia di Coralli/Perrot ripresa da Yvette Chauvirè. Una storia d’amore, tradimento e redenzione, tra gioiose feste contadine e il bianco stuolo di willi, affascinanti quanto spietate: Giselle, balletto romantico per eccellenza, continua a commuovere il pubblico con la sua storia delicata, a coinvolgerlo grazie alla tecnica e alla sensibilità dell’interpretazione dei protagonisti, nel contrasto fra un mondo solare e un regno oscuro popolato di spiriti. Il Corpo di Ballo scaligero riporta in scena l’indimenticabile coreografia di Coralli-Perrot nella ripresa di Yvette Chauviré, che proprio con la cura e la raffinatezza di ruoli come Giselle ha esaltato la tradizione classica in tutta ...

Parlare di Alvin Ailey significa evocare una danza capace di trasformare il movimento in memoria, emozione e poesia visiva. La sua arte non si limitava alla costruzione di coreografie: era un linguaggio che univa la forza della tradizione alla libertà dell’espressione contemporanea, dando voce a sentimenti universali attraverso il corpo umano. Nel panorama della danza del Novecento, Ailey seppe creare un’estetica inconfondibile, fondata sull’incontro tra tecnica rigorosa e profonda sensibilità emotiva. Le sue opere non cercavano la pura astrazione, ma un dialogo diretto con l’esperienza umana. Nei suoi lavori il gesto diventava racconto, il ritmo diventava memoria e la scena si trasformava in uno spazio dove la sofferenza, la speranza, la fede e la gioia trovavano una forma concreta e vibrante. Ciò che rende ancora oggi straordinaria la sua eredità artistica è la capacità di aver ampliato i confini della danza moderna senza rinunciare alla sua dimensione più autentica. Ailey concepiva il movimento come una forza inclusiva, in grado di parlare a ogni spettatore indipendentemente dalla provenienza culturale o sociale. La sua danza possedeva un’eleganza intensa, mai fredda o distante, perché nasceva da una profonda fiducia nella capacità dell’arte di creare connessioni e di raccontare l’essenza dell’essere umano. Le sue ...

Il Don Chisciotte di Rudolf Nureyev rappresenta una delle più compiute sintesi tra il rispetto della grande tradizione accademica e una concezione moderna della drammaturgia coreografica. Lontano dall’essere una semplice ripresa del celebre balletto ottocentesco concepito da Marius Petipa su musica di Ludwig Minkus, la versione di Nureyev si configura come una vera e propria rifondazione interpretativa del capolavoro, capace di esaltarne tanto la brillantezza virtuosistica quanto la profondità teatrale. La recente ripresa al Teatro alla Scala ha confermato, ancora una volta, la straordinaria vitalità di una produzione che continua a rappresentare uno dei vertici del repertorio classico internazionale. L’approccio coreografico di Nureyev si fonda su un principio fondamentale: il balletto classico non è una successione di variazioni virtuosistiche, ma un organismo drammatico in cui ogni passo, ogni gesto e ogni costruzione spaziale partecipano alla definizione del racconto. In questa prospettiva, Don Chisciotte perde qualsiasi carattere puramente decorativo per assumere una dimensione teatrale estremamente articolata, nella quale il virtuosismo diventa linguaggio espressivo e non semplice esibizione tecnica. Ciò che distingue immediatamente la scrittura coreografica di Nureyev è la densità del movimento. Le sequenze si sviluppano secondo una continuità quasi ininterrotta, evitando qualsiasi staticità compositiva. I tempi morti vengono eliminati attraverso ...

Nel cuore del Parco Nazionale del Pollino, dove il paesaggio si apre tra montagne, boschi e antichi borghi, la danza torna a essere protagonista con la XIII edizione del Pollino Danza Festival, in programma dal 16 al 28 luglio a Fardella. Un appuntamento che, anno dopo anno, ha saputo conquistare un ruolo di primo piano nel panorama coreutico nazionale, trasformando un piccolo centro della Basilicata in un laboratorio internazionale dove spettacolo, alta formazione e valorizzazione del territorio convivono in un unico grande progetto culturale. Ideato e organizzato dall’Associazione Culturale Balletto Lucano, il festival è diretto da Loredana Calabrese, che fin dalla nascita della manifestazione ha costruito un percorso capace di mettere in dialogo artisti di fama mondiale, giovani talenti e comunità locali, facendo della danza uno strumento di crescita culturale e di sviluppo sociale. Per tredici giorni il Pollino diventa così un campus internazionale dedicato all’arte coreutica. Il programma prevede un’intensa attività didattica con otto ore quotidiane di formazione affidate a quattordici docenti provenienti da importanti realtà italiane ed estere. Masterclass di danza classica e contemporanea, workshop, laboratori immersi nella natura, danza aerea, incontri con gli artisti e momenti di approfondimento offriranno ai partecipanti un’esperienza formativa che va ben oltre ...

Entrare in una sala danza nel 2026 significa varcare la soglia di un ecosistema protetto. Fuori c’è il mondo della gratificazione istantanea e temporanea, delle risposte algoritmiche e di un’identità giovanile frammentata in pixel e scroll. Dentro, ci sono uno specchio, una sbarra di legno e il silenzio che precede la musica. Se per decenni la danza è stata considerata dai genitori una disciplina utile per correggere la postura o sfogare l’energia, oggi essa ha cambiato radicalmente funzione, acquisendone una sociale e perfino terapeutica. Per le nuove generazioni, non è più solo un’attività, è un atto di resistenza psicologica, una via di fuga da dinamiche quotidiane che stanno saturando la mente. Quindi la danza è fondamentale per la salute cognitiva. I ragazzi oggi crescono sotto una lente d’ingrandimento costante. Ogni errore, commento o momento imbarazzante viene filmato, screenshottato e diffuso. Questo genera un’ansia da prestazione tossica e ossessiva che crea uno stato di dipendenza. La sala danza è uno dei pochissimi luoghi rimasti in cui l’errore è privato, protetto e passeggero. Se si perde l’equilibrio durante un giro o si sbaglia una diagonale, quel momento svanisce nell’istante in cui accade e precede il miglioramento. Sbagliare insegna la bellezza e l’importanza ...