Psicologia dell’allievo di danza, ieri e oggi: evoluzione o involuzione?

Entrare in una sala danza oggi richiede una disposizione mentale profondamente diversa rispetto a cinque o dieci anni fa, perché la mappa cognitiva ed emotiva dell’allievo è radicalmente cambiata.

Il cambiamento è stato determinato dall’avvento e dalla diffusione estrema dei social media, da una confusione dei ruoli e da un ritmo di vita sempre più frenetico.

Questa combinazione ha trasformato la danza da un’esperienza totalizzante a un percorso frammentato, dove la fragilità emotiva e la stanchezza mentale ridisegnano il lavoro degli insegnanti.

Di fronte a un tale scenario ci si domanda: siamo davanti a una naturale evoluzione dello studio della danza o a una preoccupante involuzione psicologica, artistica e culturale?

Il confronto su come è cambiata la psicologia dell’allievo può essere sintetizzato in alcuni punti chiave.

1. La Percezione del tempo e dell’impegno.

Ieri. L’allievo accettava che la danza fosse una disciplina a lungo termine. Il concetto di ripetizione era interiorizzato: si provava un passo per mesi prima di padroneggiarlo. La costanza era un valore indiscusso: saltare una lezione era un’eccezione.

Oggi. Si vuole tutto e subito. Gli allievi non comprendono l’importanza del percorso. C’è minore tolleranza alla frustrazione e al tempo necessario per assimilare la tecnica. La costanza cede spesso il passo alla gratificazione istantanea.

Se il risultato non arriva subito o se l’esercizio richiede un impegno fisico intenso, la motivazione vacilla. La passione è diventata superficiale, la danza è vissuta come un passatempo intercambiabile. Tutto ciò comporta scarsa costanza e l’abbandono delle lezioni davanti alle prime difficoltà.

2. Il Focus dell’attenzione.

Ieri. A lezione ci si concentrava su cosa si provava durante un movimento, sulla dinamica del peso e sulla connessione muscolare. Lo specchio era uno strumento di correzione.

Oggi. Lo specchio è diventato una camera di ripresa virtuale, l’attenzione si è spostata dall’aspetto propriocettivo a quello estetico, la condivisione lascia il posto all’esibizionismo.

3. Il sovraccarico cognitivo.

Ieri. La lezione era il momento in cui ‘staccare la spina’. L’allievo arrivava in sala stanco fisicamente dalla giornata di scuola o lavoro, ma era mentalmente pronto a impegnarsi e rigenerarsi con la tecnica e il movimento.

Oggi. Gli allievi entrano in sala gravati da stanchezza mentale, figli di un’iper-connessione che non concede tregua al cervello. Il cosiddetto burnout psicologico si traduce nella difficoltà a mantenere la concentrazione e a memorizzare le coreografie. Il corpo è bloccato da una mente esausta, incapace di elaborare nuove informazioni e nuovi comandi motori.

4. La gestione dell’errore.

Ieri. In sala danza sbagliare era la norma ed era un valore.

Oggi. Domina l’insicurezza. Molti allievi vivono la lezione con l’ansia di ogni errore. La correzione da parte dell’insegnante viene vissuta come un attacco personale. Pur di evitare l’imbarazzo si preferisce trattenere il movimento e non rischiare, anestetizzando l’espressività.

5. L’identità del ballerino.

Ieri. L’allievo si percepiva come parte di una comunità, la classe o la compagnia di danza. Il senso di appartenenza e la sincronia con i compagni erano i motori della motivazione. Il confronto era positivo e rinforzante.

Oggi. L’allievo è più individualista e focalizzato sull’auto-promozione. Il confronto genera complessi di inadeguatezza e alimenta l’ego a scapito del lavoro di squadra.

6. Il Rapporto con l’insegnante.

Ieri. L’insegnante era l’autorità indiscussa, un mentore e la fonte principale di conoscenza coreografica e tecnica. L’allievo si fidava, lo rispettava e desiderava renderlo soddisfatto del lavoro svolto assieme.

Oggi. Abituato a una dinamica familiare simmetrica, dove il suo parere ha lo stesso peso di quello di un genitore o di una figura autorevole, l’allievo proietta questa parità anche sulla figura del maestro. Nella correzione o in un richiamo alla disciplina, al rispetto delle regole e della puntualità, non vede un atto di insegnamento, ma un’ingerenza ingiustificata, reagendo con insofferenza e rifiuto.

Si sente in diritto di giudicare l’operato dell’insegnante, si posiziona al di sopra o al pari di chi si trova alla sbarra da trent’anni. Manca l’umiltà intellettuale e corporea necessaria per accogliere il sapere di chi ha più esperienza e professionalità.

In conclusione, se anni fa la danza era un modo per esprimersi, diventare più forti, consapevoli ed empatici, oggi la lezione ha perso questo valore. Diventa un ‘pacchetto’ da consumare in un’ora, dove non c’è tempo per andare in profondità. Si perdono così anche consapevolezza corporea e artistica.

Eppure la storia della danza insegna che la sua essenza sopravvive sempre. Chi la ama davvero non si arrende all’ego e alla stanchezza, e non cerca scorciatoie. Continuerà a entrare in sala, a spegnere il telefono e a sfidare i propri limiti con la stessa ostinata passione.

Più che di un’evoluzione o di un’involuzione definitiva, quindi si tratta di una transizione inevitabile.

La vera resistenza è portata avanti da coloro che rifiutano di trasformare la sala in un set, che scelgono di mantenere alta l’asticella della disciplina e del rispetto per l’arte coreutica, anche a costo di perdere allievi.

Sono maestri e danzatori che accolgono il presente senza perdere la propria identità, disposti a rinnovare i metodi di approccio, ma che restano inflessibili nel pretendere quell’impegno e quel rispetto di cui la danza si nutre e che insegna.

Stefania Napoli
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