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Nel panorama della danza del Novecento, pochi titoli segnano uno spartiacque netto e irreversibile come Agon, nato dalla stretta e monumentale collaborazione tra Igor’ Stravinskij e George Balanchine.
Questo balletto rappresenta l’apice del neoclassicismo e la definitiva consacrazione della danza astratta, un capolavoro in cui la musica non si limita ad accompagnare il movimento, ma diventa la struttura stessa del gesto.
La genesi dell’opera si colloca tra il 1953 e il 1957, anno del suo debutto assoluto, quando la fondazione Lincoln Kirstein commissionò la partitura per il New York City Ballet con l’intento di completare una trilogia di ispirazione greca iniziata con Apollo nel 1928 e proseguita con Orpheus nel 1948.
Se nei primi due titoli il richiamo al mito ellenico manteneva un filo narrativo chiaro, con Agon — dal termine greco che significa competizione o sfida — la coppia d’artisti spoglia la scena da ogni residuo aneddotico, evocando sia la gara atletico-ritmica tra i danzatori sul palcoscenico, sia il serrato confronto dialettico tra il linguaggio musicale e quello corporeo.
Dal punto di vista compositivo, la partitura segna una transizione cruciale per Stravinskij, che dall’impostazione neoclassica legata ai modi rinascimentali approdò, nel corso della stesura, alla tecnica dodecafonica e seriale della scuola di Vienna, in particolare di Anton Webern, ottenendo una trama sonora di straordinaria densità e trasparenza strumentale.
Dopo la prima esecuzione in forma di concerto tenutasi a Los Angeles, la prima rappresentazione scenica con la coreografia di Balanchine andò in scena al City Center di New York il primo dicembre 1957, riscuotendo un trionfo immediato di critica e pubblico.
L’opera non presenta personaggi nel senso drammaturgico o letterario del termine, rinunciando a dei, eroi o allegorie per affidarsi a dodici danzatori, quattro uomini e otto donne, che incarnano l’essenza stessa della geometria e della dinamica accademica.
L’organico originario del 1957 vide tuttavia interpreti destinati a segnare la storia della danza contemporanea. Il celeberrimo Pas de Deux centrale fu infatti creato per Arthur Mitchell, primo danzatore afroamericano a raggiungere il rango di étoile in una grande compagnia classica e futuro fondatore del Dance Theatre of Harlem, affiancato dalla ballerina di origine canadese Diana Adams.
Il contrasto cromatico dei loro corpi, esaltato dalla nudità visiva della calzamaglia nera e del body bianco, divenne immediatamente un’icona dell’estetica modernista americana.
Pur essendo un balletto privo di trama, Agon sviluppa un’architettura rigorosa fondata sulle proporzioni, sui numeri e sulle combinazioni di ensemble e assoli, ricalcando in chiave moderna le strutture delle danze di corte francesi del XVII secolo risalenti ai manuali rinascimentali.
L’opera si articola in dodici movimenti principali raggruppati in tre macro-sezioni senza soluzione di continuità. Si apre con un Pas de Quatre corale di soli uomini, seguito da variazioni e ricombinazioni con l’ingresso delle danzatrici. Prosegue poi con le danze di carattere, come la Gaillarde o la Sarabande, dove duetti e trii rielaborano lo spirito della corte antica attraverso la velocità contemporanea, per giungere al duetto centrale di straordinaria complessità elastica, dove la tensione geometrica e le prese acrobatiche portano il corpo umano ai limiti dell’equilibrio, prima che l’intero cast si ricomponga nella medesima disposizione architettonica iniziale.
L’estetica dell’opera si distingue per l’eliminazione di qualsiasi elemento decorativo: niente scenografie o costumi d’epoca, ma solo il palcoscenico nudo, luci pulite e i danzatori in tenuta di prova con body e calzamaglie bianche e nere, una scelta che consacrò il genere dei celebriBlack and White Ballets di Balanchine.
Con una durata complessiva di circa ventidue minuti, la partitura si presenta priva di ridondanze e caratterizzata da strutture metriche cangianti, che cambiano tempo quasi a ogni battuta imponendo ai ballerini un conteggio interiore di altissima precisione.
Tra le sfumature più affascinanti della composizione risalta infine l’uso sporadico di nacchere o timbri di mandolino, brevi citazioni d’ispirazione popolare che richiamano l’origine antica delle danze di corte del Cinquecento, stravolte e ricomposte secondo i canoni matematici del Novecento.
Michele Olivieri
Foto di Agathe Poupeney
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